Elena imparte clases de baile, mientras que Dovydas trabaja como intérprete de lenguaje de signos. En el momento en que se conocen, se establece un hermoso vínculo entre ellos. Sin embargo, su relación será puesta a prueba cuando Dovydas confiesa a Elena que tiene sentimientos románticos por ella, pero es asexual, es decir, no siente y nunca ha sentido deseo sexual por otra persona.
Con su segundo largometraje, Marija Kavtaradze confirma las promesas de Summer Survivors y consigue imponer su personalidad como cineasta tratando un tema muy común (el amor, la pureza de los sentimientos, una forma de espiritualidad)
Todo ello bajo la envoltura de la asexualidad)- Resalta el estilo sensorial, alimentado por un excelente sentido del diálogo, apostando por un ritmo tranquilo (tal y como ya indica el título de esta interesante película). ¿Se puede amar a alguien sin sexo? Slow se mueve lentamente a lo largo de varias estaciones en torno a su motivo melódico sentimental. Observamos a dos seres que se relacionan entre sí con sensaciones, miradas, sinceridad e intercambios emocionales muy intensos.
Un encaje preciso de variaciones íntimas que profundiza progresivamente en el corazón de un guion(escrito por la propia directora).
La película se apoya en sus dos intérpretes principales y en la delicada y bellísima fotografía de Laurynas Bareiša.
En 1755, el empobrecido capitán Ludvig Kahlen se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un nombre real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado Frederik de Schinkel, cree arrogantemente que esa tierra le pertenece. Cuando de Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara y su servil marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor.
La tierra prometida es un duro drama histórico sobre la tenacidad, también sobre la tozudez, cuando al objetivo inicial (aquí ingresar en la nobleza y, de esta forma, dignificar su condición de hijo natural fuera del matrimonio) se le añade la promesa de casar con la mujer a la que ama contra toda esperanza. Esa resiliencia se mostrará finalmente también como una cualidad no precisamente positiva, cuando por el camino, en pos de esa meta casi inalcanzable, pero a la que tiende indesmayable el capitán, tenga que dejarse jirones de su propia esencia, tenga que desprenderse de lo más parecido a los afectos, a la familia, a los amigos, que ha tenido nunca en su vida.
El director Nikolaj Arcel vuelve a rodar en su Dinamarca natal, tras una fallida experiencia en Estados Unidos. El resultado para él es óptimo, al lograr realizar una vibrante y lograda película histórica. El trabajo en la interpretación del actor Mads Mikkelsen es muy relevante, el resto del reparto cumplen con acierto su trabajo. Destacamos a Simon Bennebjerg, que compone un villano de los que se recuerdan…
Cuando pensamos en el Holocausto, en los terrores que albergaron campos de concentración como Auschwitz, nos vienen a la cabeza las imágenes de todos aquellos que sufrieron las calumnias dentro de las cámaras de gas. Sin embargo, ellos no fueron solo los protagonistas. Día tras día, los soldados que militaban en estas localizaciones miraban impasibles como cientos de personas morían. Algunos, incluso, disfrutaban con este hecho.
El director Jonathan Glazer (Under the Skin, Sexy Beast) comanda un proyecto que trata sobre uno de los sucesos más oscuros de la Segunda Guerra Mundial desde un punto de vista diferente: el de los captores. En la novela de Amis la INTERESSENGEBIET o zona de interés, eufemismo con el que los nazis designaron un área infranqueable de cuarenta kilómetros cuadrados donde situaron la maquinaria de exterminio de Auschwitz amén de talleres, explotaciones agrícolas y las residencias de los encargados del campo, pasaba a definir una zona donde todo era posible, es decir, interesante; porque hasta los ejecutores de las atrocidades máximas aprenden a disociarse de ellas, y a aburrirse con la burocracia y la rutina que implican, y también sienten deseos, insatisfacciones y anhelos mundanos. Amis ponía voz sin embargo a un asomo de conciencia en algunos personajes, dubitativos ante el sentido moral último del exterminio emprendido.
La zona de interés no es una película que contraste a lo que ocurre en el encuadre lo que sucede fuera de campo. Es una película filmada desde el fuera de campo, desde lo inexplicable, lo indecible; algo muy diferente, que la cámara subrayará una y otra vez a lo largo del metraje con su ubicación en posiciones distantes, desiertas, en tinieblas.
La cámara de Glazer arroja escena a escena un manto de oscuridad sobre el mundo atrincherado de los Höss, hasta que los miembros de la familia empiezan a expresar su malestar; pero no desde la palabra, desde lo intelectual, sino desde la falta de apetito, la pesadilla, el insomnio, la desaparición o el vómito. Glazer somete la obscenidad de lo mundano a un proceso de sustracción que, en los últimos minutos, vuelve a interpelar a nuestro presente, al presente de cada cual.
Coincidiendo con la despedida fúnebre del rico banquero Marcel Péricourt, el nieto del difunto se lanza por la ventana a la vista de amigos y familiares. Madeleine Péricourt, madre del chico e hija también del millonario fallecido, queda destrozada. El niño quedará impedido en una silla de ruedas y con el tiempo lo único que le aportará ilusión de vivir es la voz de la diva Solange Gallinato, con quien establecerá una apasionada relación epistolar que más tarde se convertirá en amistad y admiración mutua. Por su parte, el socio del difunto pretende la mano de la hija, pero al ser rechazado pergeña malévolamente, junto con el holgazán tío de la heredera y un corrompido periodista, el modo de quedarse con el banco del fallecido y dejar en la ruina a su hija. Consumado su abyecto plan, Madeleine será despojada de todo y será abandonada sin recursos con su hijo parapléjico.
El director Clovis Cornillac fue abordado por el productor originalmente para adaptar otra novela de Pierre Lemaitre, pero el proyecto no llegó a buen puerto. Meses más tarde, volvieron a ponerse en contacto para adaptar Los colores del incendio.
Estamos ante una película con un amplio elenco de personajes, todos ellos interpretados con esmero por un reparto con su peso específico. Destacan, claro, los principales oponentes, una calculadora Léa Drucker y un Benoît Poelvoorde en un inusual papel de tipo antipático y sin escrúpulos.
Y hay que referirse también a la importante participación de la gran actriz francesa Fanny Ardant, quien brilla sobre el escenario en el potente y catártico cántico del coro de Nabucco de Verdi, aunque la voz corresponda en realidad a la de Sandrine Piau.
Ansa es soltera y vive en Helsinki. Trabaja con un contrato de cero horas en un supermercado, abasteciendo los estantes; luego clasifica el plástico reciclable. Una noche se encuentra accidentalmente con el igualmente solitario trabajador Holappa, un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación. Como resultado, Holappa logra controlar su adicción al alcohol. Pasan los años y sus películas, pero lo que vemos en pantalla vuelve a ser lo de siempre, porque el cine de Kaurismäki sigue emocionando película a película, gracias a su fe en el poder sanador y en la magia de la gran pantalla.
Aunque la pareja protagonista de ‘Fallen Leaves’ se conoce en un karaoke, es justamente en una sala de cine donde se fragua el enamoramiento. Ella encadena trabajos precarios y poco cualificados; él ha sido despedido por su adicción a la bebida. Son dos espíritus errantes y desclasados cuyo horizonte estaría marcado para siempre por la desgracia si no fuera porque viven en una película de Kaurismäki.
En ‘Fallen Leaves’ se recupera esa soledad urbana retratada por Edward Hopper, una de las influencias pictóricas más claras del finlandés, capaz de traducir la melancolía de la protagonista en estampas verdaderamente hermosas.
En paralelo, la película invoca asimismo pasajes de la propia filmografía del finlandés, de ‘Nubes pasajeras’ (1996) a ‘Un hombre sin pasado’ (2002).
Una película maravillosa. Tienen que verla; serán felices.
Cuando Vera (Lola Dueñas) era joven, no pudo hacerse cargo de su hijo y tuvo que darlo en adopción. Cuando Cora (Ana Torrent) era joven, su médico le dijo que no podría tener hijos y que sólo adoptando podría formar una familia. Ambas comparten esa experiencia de haber sido madres de un niño llamado Egoz (Manuel Egozkue). Ahora, ambas mujeres se reencuentran en Portugal para repasar la historia de sus vidas y reescribir sus destinos.
Víctor Iriarte (Bilbao, 1976) siempre ha estado vinculado al cine: es seleccionador del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, forma parte del consejo académico en la escuela Elías Querejeta y es director del programa audiovisual del Centro de Cultura Contemporánea Tabakalera, todo ello en la ciudad vasca. Además, realizó el máster de documental creativo en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en 2001 trabajó como ayudante de Isaki Lacuesta en el debut de éste, Cravan versus Cravan, y posteriormente ejerció como director de fotografía en Buenas noches, España, del filipino Raya Martin, que se presentó en Locarno 2011.
En 2007 dirigió el cortometraje Decir adiós y en 2019 publicó la novela Geometría, con prólogo del propio Lacuesta.
Con un lenguaje fresco e innovador y profundamente emocional, la película invita a abrir un diálogo que busca un camino para la curación de heridas. Con una fuerza poética arrolladora y una dirección intuitiva, explora provocativamente los entramados políticos repletos de dolor a través de una historia de sutiles conexiones entre sus protagonistas.
La película juega narrativamente con las numerosas posibilidades que ofrece el arte, convirtiéndose así, no solo en una potente historia que necesita ser contada, sino también, creando una envolvente atmósfera, emocional y psicológica, en un alegato a la ruptura del silencio que todavía pesa sobre la sociedad española.
Esta mañana se ha presentado en la Sala Hormigón de la Nave 10 del Teatro Español en las Naves del Matadero la obra: TAN SOLO EL FIN DEL MUNDO, dirigida por Israel Elejalde.
Tan solo el fin del mundo es una historia de reencuentros y despedidas. Después de años de ausencia, Louis (Eneko Sagardoy), de 34 años, regresa al pueblo donde creció para visitar a la familia que abandonó hace muchos años en busca de una nueva vida. Allí se reencontrará con su madre (María Pujalte), su hermana Suzanne (Yune Nogueiras), su hermano Antoine (Raúl Prieto) y la mujer de este, Catherine (Irene Arcos). Louis vuelve con la intención de comunicar que está muy enfermo y que va a morir de manera inminente, pero su llegada desencadenará el resurgimiento de conflictos del pasado y de viejas tensiones familiares.
Lagarce escribió Tan solo el fin del mundo en Berlín en 1990. Poco tiempo antes, había recibido la noticia de que era portador del VIH. Desde su muerte en 1995, con solo 38 años, su obra literaria −veinticinco obras de teatro, un libro de relatos, un ensayo y hasta un libreto de ópera− ha conocido un creciente éxito de público y crítica, convirtiéndose en el autor francés contemporáneo más representado en su país. Desde 2007, Tan solo el fin del mundo forma parte del repertorio de la Comédie Française. A raíz de la adaptación cinematográfica llevada a cabo por el director canadiense Xavier Dolan estrenada en 2016, este texto fue publicado en España por la editorial Dos Bigotes. Tan solo el fin del mundo, del dramaturgo Jean-Luc Lagarce, está considerado uno de los textos imprescindibles del teatro contemporáneo francés.
Durante la rueda de prensa, su director, Israel Elejalde, ha manifestado que: «Lagarce se mueve a un nivel simbólico tan alto como puede moverse Lorca. Juega con toda la tradición francesa de teatro con unidad de espacio y tiempo para, a su vez, transformarla a un nivel poético absolutamente arrebatador».
Han intervenido también los actores que forman parte del reparto de la obra:
Eneko Sagardoy: «Mi personaje es Louis, el hijo pródigo que ha estado ausente tantos años y regresa para dar esa noticia fatal de su muerte inminente. Es un personaje que fluctúa en el tiempo, en el espacio. Habla en el pasado desde el instante que recibió la noticia de que iba a morir pronto. Meses de negación, de euforia oscura y absurda. Se presentan cortes temporales donde dimensiona su presente con la familia».
María Pujalte: «Interpreto un personaje que se llama LA MADRE. Ese es mi papel dentro de esta historia. Es un posicionamiento de intentar siempre armonizar: con la familia, con la llegada del hijo pródigo. Al mismo tiempo toma una cierta distancia de todo lo que están viviendo sus hijos y también del conflicto familiar. Es una mujer un poco anclada en el pasado. Su distancia emocional está en el recuerdo de lo vivido. Yo creo que es el personaje que evoca, que trae al relato de la función la infancia, el psado; todo lo que esa familia vivió cuando eran felices».
Raúl Prieto: «Mi personaje es Antoine, el hermano. Tiene una relación especial con Louis. Viven un amor fraternal inmenso pero también conflictivo. Esa clase de relación entre hermanos que se da: aunque lo amas lo matarías en muchos momentos. En la familia se establecen roles desde muy pequeños y permanecen ahí durante mucho tiempo. Si no te das cuenta puedes terminar siendo un esclavo de ese rol».
Irene Arcos: «Yo soy Catherine, la esposa de Antoine, soy la cuñada del protagonista. No pertenezco sanguineamente a esta familia. Es un poco, o podría ser, la conexión con el espectador porque tengo un pie dentro y otro pie fuera… Es verdad que mi implicación es algo más porque estoy casada con Antoine. Un matrimonio que tiene ya sus arañazos y, de alguna manera, para Catherine la llegada de Louis es la herida. Creo que es la herida que siente que tiene esta familia, creo que quizá pueda salvarse con este encuentro con su marido y un poco con todos. Ella ve que el dolor está presente todo el tiempo: en su marido, en ella misma. La llegada de Louis para ella es muy esperanzadora».
Gilbert Jackson: «Para mí era fundamental contar qué le ocurre por dentro al personaje de Louis, traducir lo mental a lo físico. La danza y el cuerpo son dos buenos vehículos para mostrar todo lo que se intuye en su interior».
En el apartado técnico-artístico participan: traducción de Coto Adánez, diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de Paloma Parra, diseño de sonido de Sandra Vicente, diseño de vestuario de Sandra Espinosa, composición de música original de Alberto Torres y diseño de videoescena de Pedro Chamizo.
Es una coproducción de Teatro Español y Teatro Kamikaze y podrá verse en la Sala Fernando Arrabal del 29 de noviembre al 7 de enero.
Está protagonizada por Irene Arcos, Yune Nogueiras, Raúl Prieto, María Pujalte, Eneko Sagardoy y el bailarín Gilbert Jackson.
Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película. Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra! Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante. En su nuevo filme, el italiano nos habla de cine, de amor y desamor, y también la utopía del comunismo, emancipada de su legado dictatorial. Todo eso en tan solo 96 minutos hilvanados en un entramado intertextual (el Partido Comunista italiano, Kiewlovski, Scorsese, Fellini, Netflix) que le otorga, como sucede en las obras de Moretti, un carácter vodevilesco repleto de encanto.
Moretti vuelve a ponerse en la piel de un cineasta a punto de rodar una película que irá afrontando sucesivas crisis, profesionales y personales, a medida que la historia avanza. Su matrimonio de 40 años con Paola (Margherita Buy) está en la cuerda floja y todo son trabas en su nuevo filme, sobre el Otoño húngaro, cuando en 1956 los estudiantes de ese país se sublevaron contra Stalin. Planteada como una autoficción que juguetea con los resortes del relato (se rompe la cuarta pared, los escenarios del set (de Cinecittà) y los de la realidad se confunden, etc.), la vida y su cacofonía se filtran poco a poco en la película –por si no tuviéramos suficientes capas narrativas– y se reivindican ante cualquier tentativa de nostalgia. Moretti, sí, es un nostálgico pero también alguien que se resiste a quedarse inmovilizado en el pasado.
Sus fobias también desfilan por la pantalla (en sendos gags sobre la ética del cine y sobre Netflix), pero aquí la neurosis se transmuta en alegría, en una joie de vivre de la que, comprobando el estado del mundo, diría que andamos necesitados.
Mención muy especial el apartado de las interpretaciones, en la que destaca por encima de todos esa gran e inmensa actriz italiana llamada Margherita Buy.
La película «O corno», dirigida por Jaoine Camborda, ha sido la triunfadora de la 71 edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde se ha alzado con la Concha de Oro, A continuación el PALMARÉS completo:
Concha de Oro a la Mejor Película: «O corno», de Jaione Camborda. Premio Especial del Jurado: «Kalak», de Isabella Eklöf. Concha de Plata a la Mejor Dirección: Peng Tzu-Hui y Wang Ping-Wen, por «Un viaje en primavera». Concha de Plata a la Mejor Interpretación protagonista: Ex aequo para Marcelo Subioto, por «Puan», y Tatsuya Fuji, por «Great absence». Concha de Plata a la Mejor Interpretación de reparto: Hovik Keuchkerian, por «Un amor». Premio a la Mejor Fotografía: «Kalak». Premio al Mejor Guion: Benjamin Naishtat y María Aiché, por «Puan». Premio Nuevos Directores: Diwa Shah, por «Bahadur the brave». Premio Zabaltegi Tabakalera: «El auge del humano 3», de Eduardo Williams. Mención especial para «El juicio», de Ulises de la Orden.
Premio del Público Película Europea: «Yo, capitán», de Matteo Garrone. Premio del Público a la Mejor Película: «La sociedad de la nieve», de Juan Antonio Bayona. Premio Horizontes Latinos: «El castillo», de Martín Benchimol. Premio TCM de la Juventud: «La estrella azul», de Javier Macipe. Premio WIP Latam : «Los domingos mueren más personas», del argentino Iair Said. Premio EGEDA WIP Latam: «Los domingos mueren más personas», del argentino Iair Said. Premio WIP Europa: «Mannequins», de Michael Fetter Nathansky. Premio «Otra mirada» de RTVE: «The Royal Hotel», de Kitty Green. Premio Irízar del Cine Vasco: «El sueño de la sultana», de Isabel Herguera. Premio Feroz Zinemaldia: «Un amor», de Isabel Coixet. Premio Cooperación Española: «La estrella azul», de Javier Macipe. Premio Eusko Label: «Latxa», de Mikel Urretabizkaia. Premio Culinary Zinema: «A fuego lento», de Tran Anh Hung.
A las 8.30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos THE KILLER dirigida por David Fincher , PELÍCULA SORPRESA de esta 71 edición. Duración 118 minutos.
La historia está basada en la novela gráfica de Alexis Nolent que lleva el mismo nombre y explora la transformación emocional de un asesino a sangre fría. Andrew Kevin Walker (El club de la pelea y Seven) adaptó este relato para el cine y está acreditado como el guionista principal. Su más reciente colaboración con David Fincher supone una narrativa que podría desafiar los límites tradicionales del género.
Erik Messerschmidt, director de fotografía ganador de un Oscar y conocido por Mank, es el autor de la fotografía de esta película.
La película está protagonizada por Michael Fassbender y Tilda Swinton.
A las 11 h, en el Kursaal, rueda de prensa del equipo de la película de clausura, DANCE FIRTS.
Sus actores protagonitas, Gabriel Byrne, Aidan Gillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake, Fionn O’Shea estuvieron presentes en este encuentro con la prensa.
A las. 11.30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, proyección de la película LA PASSION DE DODIN BOUFFANT del director Tran Anh Hung dentro de la Sección Culinary Cinema. Duración: 135 minutos.
1885. La cocinera Eugénie ha trabajado para el famoso gourmet Dodin durante los últimos 20 años. Con el paso del tiempo, la práctica de la gastronomía y la mutua admiración se ha convertido en una relación romántica. Su asociación ha dado lugar a platos únicos, capaces de satisfacer a los paladares más exigentes, pero Eugénie valora su libertad y nunca ha querido casarse con Dodin. Entonces, él decide hacer algo que nunca ha hecho antes: cocinar para ella.
Esta es la última película que vemos proyectada en la 71 edición.
Por la noche se celebró la GALA DE CLAUSURA y se dió a conocer el PALMARÉS de la 71 edición.
Lo publicaremos completo en un artículo individual.
CINET-FARÖ 