¿Qué es ser español? Dani (Natalia de Molina) lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera y hacer cumplir la ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción policial y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no sólo no es la solución, sino que quizás siempre fue parte del problema.

La historia que cuenta esta película es la de un grupo de antidisturbios de la Policía Nacional que acude a un lanzamiento (eufemismo utilizado para referirse a un desahucio) y las cosas toman derroteros inesperados.

En lo que se refiere a Asedio, se trata de la desocupación de varias plantas de un edificio completamente destartalado en el que conviven inmigrantes, indigentes, traficantes y otros grupos marginales, y todo se descontrola cuando el personaje interpretado por Natalia de Molina (Las niñas, Adiós) encuentra una enorme cantidad de dinero, oportunidad que no quiere dejar pasar, algo que a sus compañeros del grupo policial no les gusta en absoluto y que genera un juego de caza del gato al ratón sin salir de las instalaciones del edificio.

La película pretende ser una experiencia inmersiva, haciendo que el espectador se introduzca en la acción con muchos planos secuencia, mucha cámara en mano con movimientos sincopados de la misma, para trasmitir la tensión, especialmente de Dani, la agente femenina del grupo, que lleva el punto de vista de la acción.

Magnífica interpretación de Natalia de Molina, arropada por el buen trabajo de sus compañeros de reparto.

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THE LOST KING es una comedia dramática inspirada en la historia real del descubrimiento de la tumba del rey Ricardo III debajo de un insignificante aparcamiento municipal de Leicester, ciudad al este de Inglaterra. La película se centra en Philippa Langley, una gran entusiasta de Ricardo III e historiadora aficionada, cuya pasión y empuje motivaron el desarrollo del proyecto, a pesar de las muchas objeciones y burlas hacia ella por parte de historiadores y académicos.

Además de servir como inspiración para crear la película, Philippa Langley es la guionista de ‘The Lost King’, labor que desempeña junto a Steve Coogande. Por otro lado, la actriz encargada de interpretar en el film a la propia Langley es Sally Hawkins, protagonista de películas como ‘La forma del agua’, por la que fue nominada al mejor actriz en los Oscar, o ‘Happy-Go-Lucky’, por cuya interpretación fue ganadora del Globo de Oro en la categoría de mejor actriz en una comedia o musical.

El reparto principal, además de por Sally Hawkings, está compuesto por Shonagh Price, Helen Katamba, Lewis Macleod, Jenny Douglas y Steve Coogan.

Toda la película descansa sobre la inteligente, tierna y divertida interpretación que Sally Hawkins (eterna secundaria de lujo que logró la fama interpretando a la hermana de Cate Blanchett en Blue Jasmine, la señora Brown en las dos entregas de Paddington y la Elisa Sposito de La forma del agua- hace de la voluntariosa investigadora, mujer no muy feliz y menospreciada que se apiada de un rey igualmente infeliz y menospreciado. Frears convierte un hecho real casi en una fábula -atreviéndose a convocar al fantasma del rey- rebosante de ingenio no hiriente, amabilidad no dulzona, optimismo no imbécil y ternura no pegajosa.

No son tareas fáciles, pero Fears lo logra descansando siempre en la interpretación de Sally Hawkins, a la que da una excelente réplica, interpretando a su marido, Steve Coogan, guionista también de la película junto a Jeff Pope con quien también escribió Philomena para Frears.

Estupenda la música envolvente del siempre eficaz Alexandre Desplat, colaborador habituar de Frears, que rompe su habitual y discreta invisibilidad homenajeando al Bernard Herrmann de Con la muerte en los talones.

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Renfield es el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia: Drácula. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

Esta comedia de terror está protagonizada por Nicholas Hoult como el torturado asistente de Drácula, quien se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea, conformándose como la secuela oficial más bizarra del cine de terror, ya que es, a todos los efectos, una continuación directa de «Drácula» (1931) de Tod Browning.

Aquella era una producción Universal, y así lo deja claro su alucinante prólogo, que nos pone en situación reproduciendo la textura y momentos más míticos de la película con Bela Lugosi. A partir de ese primer encuentro, tras siglos de servidumbre, Renfield busca descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas, pero no sabe cómo romper esa relación de dependencia con «el vampiro más narcisista de la historia», una aproximación al personaje que recuerda a la que tiene Nandor en la serie ‘Lo que hacemos en las sombras’. Hay un par de buenas secuencias con luchas sangrientas y decapitaciones, alternando, eso sí, una perezosa sangre digital con algunos maquillajes grotescos poco usuales en producciones de gran estudio. Sin embargo, se cohíbe de más en su apresurado clímax, que deja con la miel en los labios. Y es que en el fondo ‘Renfield’ quiere ser otro tipo de comedia, una con bastantes aciertos, como el casting de Akwafina, pero que se acaba enredando demasiado en su tesis del narcisismo tóxico y la codependencia.

Renfield juega en la liga de comedias de terror como las que los directores John Landis y Wes Craven hicieron en los 90, ubicando a vampiros en entornos urbanos, e incluso mezclando con cine negro y mafia, al estilo ‘Sangre Fresca’ o ‘Un vampiro suelto en Brooklyn’.
Nicolas Cage sigue siendo él, y en esta película debió divertirse mucho.

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Ramona, una mujer de cuarenta años, vive sumida en un contexto laboral y personal tenso y precario en un pueblo de la costa gallega. Hace malabarismos con múltiples trabajos para mantenerse a flote y proporcionar un futuro mejor a su hija Estrella. Pero cuando Estrella está preparada para tomar su propio camino, Ramona se da cuenta de que, por primera vez, puede hacer algo por sí misma.
El director gallego Álvaro Gago ha convertido en largometraje un corto previo homónimo que hace seis años fue premiado en el prestigioso festival de Sundance.

En el corto, Gago (que se inspira en una historia que vivió de cerca) contó con Francisca Iglesias Bouzón, la protagonista real de la historia. Ahora es la actriz María Vázquez quien interpreta a Ramona, una mujer de 44 años que trabaja en una conservera y que convive con un marido desabrido y manirroto. Ramona tiene una hija veinteañera ya independizada a la que intenta convencer de que no cometa los mismos errores que ella. La relación es tensa. En el trabajo (trabajos, porque Ramona hace más cosas para lograr ahorrar) es animosa y llena de vitalidad. Tiene mucho carácter, pero no quiere agriarse; no siempre lo consigue.

Rodada en la comarca pontevedresa del Salnés, la película tiene una luz y un color muy hermosos, con unas localizaciones excelentes.

La protagonista, María Vázquez, se llevó merecidamente el premio a mejor actriz en el Festival de Málaga.
MATRIA es un claro ejemplo de cine social universal. Quizá por eso gustó tanto en la Berlinale. Por otra parte, es un acierto que la versión original sea en gallego y que se mezclen actores profesionales con mujeres trabajadoras que aportan un tono muy realista.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

Anoche se celebró la Gala de entrega de los PREMIOS PLATINO en su décima edición.

El actor Benicio del Toro recibió el Platino de Honor, que fue uno de los protagonistas de la noche al recibir de manos de Enrique Cerezo, presidente de los Premios PLATINO, que le describió como “uno de los talentos latinos más grandes”: “La personalidad de Benicio del Toro es tan fuerte como el cine iberoamericano”. En castellano, el homenajeado echó la vista atrás destacando algunos de los episodios más duros de sus primeros intentos como actor en Hollywood.

A continuación, detallamos el PALMARÉS COMPLETO:

Mejor Película Iberoamericana de Ficción
Argentina 1985

Mejor Comedia
Competencia Oficial

Mejor Dirección
Rodrigo Sorogoyen por ‘As bestas‘

Mejor Guión
Mariano Llinás y Santiago Mitre por ‘Argentina 1985‘

Mejor Música Original
Cergio Prudencio por ‘Utama‘

Mejor Interpretación Masculina
Ricardo Darín por ‘Argentina 1985‘

Mejor Interpretación Femenina
Laia Costa por ‘Cinco lobitos‘

Mejor Interpretación Masculina de Reparto
Luis Zahera por ‘As bestas‘

Mejor Interpretación Femenina de Reparto
Susi Sánchez por ‘Cinco lobitos‘

Mejor Película de Animación
Águila y Jaguar: Los guerreros legendarios

Mejor Película Documental
El caso Padilla

Premio Platino a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana
1976

Mejor Montaje
Alberto del Campo por ‘As bestas‘

Mejor Dirección de Arte
Micaela Saiegh por ‘Argentina 1985‘

Mejor Dirección de Fotografía
Bárbara Álvarez por ‘Utama‘

Mejor Dirección de Sonido
Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo y Yasmina Praderas por ‘As bestas‘

Premio Platino al Cine y Educación en Valores
Argentina 1985

SERIES – Ganadores Premios Platino 2023

Mejor Miniserie o Teleserie
Noticia de un secuestro

Mejor Interpretación Masculina en Serie
Guillermo Francella por El encargado

Mejor Interpretación Femenina en Serie
Cristina Umaña por Noticia de un secuestro

Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Serie
Alejandro Awada por Iosi, el espía arrepentido

Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Serie
Majida Issa por Noticia de un secuestro

Mejor Creador de Miniserie o Teleserie
Andrés Wood y Rodrigo García por Noticia de un secuestro

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Galardonada con el premio al mejor guion en el 75 Festival de Cannes, mostrada en la Sección Oficial de la 67 Seminci de Valladolid y elegida por Suecia para representar al país en la categoría de mejor film internacional en los 95 Premios Oscar; ‘Conspiración en El Cairo’ es una vuelta de tuerca a lo que plasmó Saleh en ‘El Cairo confidencial’, dando un paso más en la doble moral que existe en el ámbito religioso.

El cineasta, quien también firma el guion, da un paso más en su ambiciosa filmografía y continúa explorando el lado más sórdido y corrupto del Egipto actual (tan incómodo es, que tiene prohibida la entrada al país de su padre y abuelos).

‘Conspiración en El Cairo’ es un afilado thriller de un joven aprendiz, de un pueblo pescadero, que termina envuelto en una trama de tráfico de influencias, crímenes y corrupción. El cineasta lo plasma desde los religiosos más radicales hasta lo más moderados. Al final, cada uno de ellos busca mover sus propias fichas para erigirse como principal fuente de influencia.

El film muestra que, además, esta universidad es la más importante dentro del islam, lo que hace que tenga un matiz que va más allá del control político, el cual también busca mantener viva su influencia.

Una propuesta que vuelve a mostrar al cineasta como una voz muy crítica.

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Una madre soltera y un hombre casado se hacen amantes. Están comprometidos a verse solo por una aventura y no a encontrar ninguna esperanza de amor, sabiendo muy bien que la relación no tiene futuro. Sin embargo, cada vez se sorprenden más por su comprensión, su complicidad y el bienestar que experimentan juntos.

Charlotte y Simon charlan en un bar. Son dos personas maduras, casadas o separadas, con hijos. Pero al parecer se han conocido días atrás y ha surgido una atracción. Acabarán acostándose en casa de Charlotte y dará comienzo una relación entre ellos, en la cual coincidirán cada dos semanas, tres semanas, un mes, etc. Ambos sostienen –sobre todo ella– que se ven porque lo pasan bien, porque se ríen. Hasta ahí llega su compromiso.

Emmanuel Mouret demuestra que la frescura es una de las característica de sus películas, pero tras sus últimos dos films, nos presenta una película con menor dimensión, cuya historia parte de una mínima premisa que se va desarrollando monótonamente con escasos alicientes.

Porque en Crónica de un amor efímero Mouret plantea un desarrollo basado únicamente en los diálogos entre los protagonistas. Se compr4ende que tal y como surgen las relaciones igualmente se truncan o surgen otras.

Lo más destacable de esta película es su reparto:
Sandrine Kiberlain, Vincent Macaigne y Georgia Scalliet, hacen un trabajo correcto.

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Marina Seresesky es guionista y directora, y ambas facetas van unidas desde el inicio de su carrera. En el cine de Marina Seresesky los actores tienen absolutamente todo el peso de la trama. Cada gesto, cada mirada, cada pequeño matiz nos ayuda a entender la historia.

A pesar de tener grandes localizaciones y maravillosos paisajes, la cámara siempre está muy pegada a los actores, siguiendo muy de cerca sus pensamientos más profundos. En «Empieza el baile» tiene de nuevo la oportunidad de zambullirse en el abismo de estos personajes complejos y únicos.

Su nueva pelícua, Empieza el baile, narra la historia de Carlos y Margarita. Ambos hicieron grandes cosas juntos, ya que fueron durante varios años, una de las parejas de tango más conocidas y famosas de su época. Sin embargo, a día de hoy, no queda nada de esos maravillosos años. Carlos vive una segunda vida en Madrid, mientras que Margarita sigue residiendo en Buenos Aires donde vive sumergida en la más profunda pobreza y ha sido olvidada por sus amigos y compañeros, pero todo esto lo sobrelleva con una gran dosis de humor.

El reparto está compuesto por Darío Grandinetti (‘Hable con ella’, ‘Relatos salvajes’, ‘Sus ojos se cerraron y el mundo sigue andando’) como Carlos, Mercedes Morán (‘Neruda’, ‘La ciénaga’ y ‘Amas de casa desesperadas’) como Margarita, Jorge Marrale (‘Los amores de Kafka’, ‘Vidas robadas’ y ‘Maracaibo’) como Pichuquito y cuenta además con la participación de Pastora Vega.

Lástima que la película decepcione tanto ante las expectativas creadas en torno a un pretexto argumental que se deshincha poco a poco, tirando por tierra las buenas intenciones iniciales.

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Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Uno de los reencuentros más esperados entre Matt Damon y Ben Affleck tras el estreno, sin mucho éxito en taquilla, de su anterior colaboración en El último duelo (2021). La pareja de amigos más famosa de Hollywood, cuya relación se remonta a su colaboración en El indomable Will Hunting (1997) por la que ganaron el Óscar a mejor guion original, vuelven a trabajar juntos. Esta vez bajo las órdenes del propio Affleck, que dirige y coprotagoniza este largometraje, junto a Damon, Viola Davis y Jason Bateman. La película tuvo su estreno oficial el pasado mes de marzo en el festival SXSW en Austin (Texas).

Aunque no te apasione el baloncesto, la historia consigue que entres desde el primer momento. La dirección de Ben Affleck, sutil pero muy efectiva, hace que las dos horas de conversaciones en despachos, las interminables negociaciones sobre el futuro de Nike y la relación entre Matt Damon y la familia Jordan se conviertan en algo entretenido.

La película Air adentra al espectador en esta historia clásica del sueño estadounidense y aquellos pocos que han conseguido dejar su huella, en este caso, en el mundo del deporte. Y, aunque Air cuenta con mucho diálogo y se centra en cómo funciona el mundo de los negocios actualmente, se convierte en puro entretenimiento y hace que el espectador se olvide de que está viendo una gran campaña de marketing de Nike.

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