Denis Johnson (1949-2017) fue un novelista, poeta, ensayista y dramaturgo norteamericano, que en 2002 publicó la novela breve Train Dreams.  Su contexto está situado durante los inicios del siglo XX, entre la extensión del ferrocarril por el Oeste norteamericano y la explotación maderera de vastas regiones boscosas.

El equipo formado por Clint Bentley y Greg Kwedar, guionistas y productores de la reciente Las vidas de Sing Sing (2024) ha adaptado con sensibilidad el texto de Johnson, encargándose Bentley de la dirección y participando Kwedar en la producción ejecutiva.

Las evocadoras palabras con que la voz narrativa abre el filme (según la versión doblada al español), plantean el asunto de modo más hondo y fascinante que cualquier imagen: «Una vez hubo pasajes hacia el viejo mundo, sendas extrañas, rutas veladas… Con sólo doblar una esquina, te topabas cara a cara con el gran misterio, el fundamento de todas las cosas. Y aunque ese viejo mundo ya no exista, aunque haya sido enrollado cual pergamino y encerrado en algún lugar, aún puede sentirse su eco».

El relato se centra en el leñador Robert Grainier (colosal Joel Edgerton), siempre envuelto en relatos de bellos contornos, imprecisos y proto-legendarios. Todo ello puede sugerir una identificación entre Grainier y el popular leñador Paul Bunyan, personaje folclórico cuyos orígenes orales surgieron en el noroeste de Wisconsin.

El reparto principal borda sus breves intervenciones. Felicity Jones, destilando la delicada sensibilidad de su personaje; William Macy, Paul Schneider y John Diehl, tan convincentes como casi irreconocibles. Al respecto de Kerry Condon, su cautivadora encarnación del personaje ofrece varios de los pasajes dramáticos más interesantes de Train Dreams, pero deja el agridulce sabor de una trama secundaria no aprovechada tanto como merecía un relato, quizá demasiado corto en ese sentido.

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NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Bugonia cuenta la historia de dos jóvenes, borrachos de conspiraciones hasta las orejas, que deciden raptar a la CEO de una gran multinacional, porque están convencidos de que es una alienígena.

No llega a la perfección técnica de sus mejores obras de Lanthimos, ni se desborda en el exceso del barroco expresionista de La favorita o Poor things, pero está muy bien, por encima de Kinds of kindness. Lo que más me gusta de la fotografía es cómo consigue sacar una sensación bizarra, como si de algo extraterrestre se tratara, de cada imagen. Los primeros planos realmente parecen estar retratando a alienígenas. De hecho, no hay prácticamente planos a la altura de los ojos, casi todos son aberrantes y picados/contrapicados, tanto desde delante como desde un lateral.

Abundan los primeros planos desde puntos de vista poco habituales, lo que contribuye, junto con el gran trabajo de los actores, a sacar esas expresiones tan extrañas de los rostros, principalmente en Emma Stone. El uso de la iluminación, y la saturación de la imagen también cooperan brillantemente a este fin, al igual que las simetrías y la profundidad de campo en los planos largos. Es decir, la puesta en escena tiene pleno sentido ontológico para adentrarnos en esa extrañez de conspiración que clama en los poros de cada imagen que hay elementos extraterrestres en nuestro propio mundo.

La banda sonora también es muy acertada.

La actuación de Emma Stone es magnífica, como en todas las películas de Lanthimos, y Jesse Plemons también está espectacular. Aidan Delbis, a pesar de ser su primera actuación, cumple perfectamente con lo que le pide su personaje. La puesta en escena me parece soberbia, tanto en los largos planos exteriores con mucha profundidad de campo como en los maravillosos encuadres interiores, que saca el máximo partido de todos los elementos disponibles.

No deja que brille ninguna esperanza ni nos otorga ninguna posibilidad de salvación. Y eso no me parece que nos haga avanzar como humanidad, ni que nos haga salir de la sala de cine siendo más felices, o al menos con deseos de ser mejores personas.

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NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Durante la 2ª Guerra Mundial, la gélida estepa de Kazajistán albergó el Spassk99, un gulag soviético donde la URSS hacinaba a los «enemigos del pueblo». Entre ellos los dos bandos de españoles: soldados republicanos formados por la URSS, que fueron condenados al querer salir de Rusia cuando acabó la guerra en España, y voluntarios de la División Azul, capturados tras luchar junto a los nazis en Leningrado. Enemigos que debieron dejar a un lado sus ideologías y unirse.

Miguel Herrán y Arón Piper dando vida a dos hombres encerrados en un gulag ruso en los años 40.

En La tregua, el reparto es uno de los puntos fuertes, especialmente en lo que se refiere a los actores secundarios.

Los dos personajes protagonistas, a pesar de ser enemigos naturales con sus propios códigos ideológicos y señas de identidad, se van a ver obligados a dejar a un lado sus diferencias y abrazar lo que les une para buscar algo de luz a su situación, ya sea explotando sus talentos naturales para el dibujo o la música para sobrevivir en un clima de hostilidad como para tratar de huir, recuperando su libertad.

Película irregular en lo que se refiere al ritmo con un arranque muy lento y tedioso que tarda mucho tiempo en presentar a su extensa galería de personajes y sus conflictos ideológicos.

Sin embargo, se nota el esfuerzo que ha realizado la producción y el propio director.  Merece un visionado por parte del público.

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Hijo de refugiados, pequeño, pobre y con una voz velada, se decía de él que nunca triunfaría. A fuerza de trabajo, perseverancia y una voluntad extraordinaria, Charles Aznavour se convirtió en un monumento de la canción y un símbolo de la cultura francesa. Con casi 1.200 canciones interpretadas por todo el mundo y en todos los idiomas, ha inspirado a generaciones enteras.

La película se divide en cinco capítulos, enmarcados por la imagen de una libreta de tapas rojas, como las que Aznavour usaba para escribir sus canciones.

En su tramo inicial, el relato fluye con ritmo ágil y tono luminoso, capturando la ilusión del joven artista. Sin embargo, al adentrarse en la madurez del personaje, el montaje se vuelve errático y la narración, repetitiva. Lo que mantiene viva la película es, sin duda, su banda sonora: los temas inmortales que Aznavour interpretó y que lo convirtieron en símbolo de la chanson francesa. Piezas como La Bohème, Venecia sin ti, La Mamma … proporcionan de emoción a lo que el guion no logra alcanzar.

Es muy deficiente la dedicación a plasmar su trabajo, importante también, como actor. Apenas hay una breve pincelada nombrando su trabajo en Tirad sobre el pianista (1960).

El momento más emotivo se produce con la aparición de Édith Piaf, interpretada por Marie-Julie Baup.

Una película que gustará a los admiradores de este inmenso artista francés.

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Sofía y Daniel viven en Madrid. Tienen dos hijas pequeñas. Un secreto en la vida de Daniel, abogado en un importante bufete internacional, le lleva a viajar a París y Berlín. La Stasi y el KGB andan al acecho…

El guion firmado por Gemma Ventura tiene un intenso sabor serial y poco regusto cinematográfico. La película cuenta con un buen diseño de producción y es solvente en lo que al acabado audiovisual se refiere, pero los personajes no tienen profundidad y los conflictos que debieran ser muy hondos son superficiales.

Imanol Uribe dirige con la enorme experiencia acumulada a lo largo de su trayectoria.

En el montaje no se logra que la película tenga el tempo adecuado y quizás por eso las En el apartado de las interpretaciones, Álex González y Aura Garrido resultan un tanto irregulares, con diálogos que no terminan de enganchar ni mucho menos emocionar.

Desde luego no ayuda nada la presencia de Álex González, un actor demasiado limitado que en ningún momento está al nivel de su compañera de reparto.

Aura Garrido, la mejor actriz de su generación, defiende su personaje con la misma entrega que ha demostrado en toda su carrera.

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Thriller psicológico donde conocemos a Abel (Javier Pereira), un arquitecto de gran éxito y prestigio que corre el riesgo de perderlo todo cuando empieza a sufrir agorafobia. Su miedo a salir a la calle le llevará a estar aislado en el campo durante tres años, y su ex-pareja y socia en el estudio en el que trabajan, Sonia (Eva Llorach), le advierte de las consecuencias que puede tener para su carrera. Hasta ahora ninguna terapia ha funcionado con Abel. Sin embargo, un día conocerá al adiestrador de perros de caza José (Fernando Cayo), que le ofrece un método alternativo con un entrenamiento nunca usado en humanos.

El joven cineasta lorquino Juan Albarracín debuta con esta película que escribe y dirige él mismo y que ha podido rodar en la misma Región de Murcia de la que procede. El rodaje ha tenido lugar en tres municipios murcianos: Bullas, Molina de Segura y la misma ciudad natal del cineasta, Lorca. La huerta de la Región ofrecerá los paisajes para desarrollar este thriller rural.

Consigue buenos resultados con un presupuesto nimio, priorizando el conflicto de los personajes sobre los alardes visuales. Pone sobre la mesa con inteligencia cuestiones como la salud mental, la reeducación emocional y los límites éticos de las terapias y los métodos conductistas. Además, cuestiona hasta qué punto el ser humano está dispuesto a ceder el control sobre su vida cuando está muy necesitado de ayuda.

Destacan especialmente en esta película la presencia de sus importantes intérpretes: Fernando Cayo, Javier Pereira y Eva Llorach.

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Aurora (Joana Santos) es una mujer portuguesa inmigrante que trabaja en un gran almacén de Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, trata de resistir al aislamiento, la alienación y la charla trivial que comienzan a amenazar su consciencia de sí misma. En un entorno dominado por una economía basada en algoritmos y diseñada para mantenernos separados, ‘On Falling’ explora la lucha silenciosa y vital por encontrar sentido y conectar.

On Falling se presentó en la edición del año pasado del Festival de Cine de San Sebastián donde su directora salió premiada con la Concha de Plata a la Mejor Dirección.

Carreira consigue emocionar con su película sin convertirlo en un ejercicio panfletario. Solo necesita mostrarnos el día a día de Aurora, encarnada por una fantástica Joana Santos.

Muchos califican a Laura Carreria como la sucesora de Ken Loach en el cine social, de hecho la película está producida por la compañía del director.

Su mundo está reducido a lo que cabe en el plano junto a ella: un trozo de pasillo, un compañero que le habla, la puerta de la nevera o su cama. Poco a poco Aurora se convierte en un autómata. La entrevista de trabajo, de la que es mejor no decir nada, será un catalizador poderoso y los planos finales, por fin abiertos, dan pie a una esperanza.

La sutileza del guion y de la realización invita a examinar, junto a la obviedad de lo que supone la lógica capitalista y su modo de tratar a las personas, cómo afecta el trabajo a la vida, más aún qué es mi vida y qué son las personas que nos rodean. Al espectador le corresponde sacar sus conclusiones.

Se trata de una película muy dura y muy interesante.

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