Durante la 2ª Guerra Mundial, la gélida estepa de Kazajistán albergó el Spassk99, un gulag soviético donde la URSS hacinaba a los «enemigos del pueblo». Entre ellos los dos bandos de españoles: soldados republicanos formados por la URSS, que fueron condenados al querer salir de Rusia cuando acabó la guerra en España, y voluntarios de la División Azul, capturados tras luchar junto a los nazis en Leningrado. Enemigos que debieron dejar a un lado sus ideologías y unirse.

Miguel Herrán y Arón Piper dando vida a dos hombres encerrados en un gulag ruso en los años 40.

En La tregua, el reparto es uno de los puntos fuertes, especialmente en lo que se refiere a los actores secundarios.

Los dos personajes protagonistas, a pesar de ser enemigos naturales con sus propios códigos ideológicos y señas de identidad, se van a ver obligados a dejar a un lado sus diferencias y abrazar lo que les une para buscar algo de luz a su situación, ya sea explotando sus talentos naturales para el dibujo o la música para sobrevivir en un clima de hostilidad como para tratar de huir, recuperando su libertad.

Película irregular en lo que se refiere al ritmo con un arranque muy lento y tedioso que tarda mucho tiempo en presentar a su extensa galería de personajes y sus conflictos ideológicos.

Sin embargo, se nota el esfuerzo que ha realizado la producción y el propio director.  Merece un visionado por parte del público.

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Hijo de refugiados, pequeño, pobre y con una voz velada, se decía de él que nunca triunfaría. A fuerza de trabajo, perseverancia y una voluntad extraordinaria, Charles Aznavour se convirtió en un monumento de la canción y un símbolo de la cultura francesa. Con casi 1.200 canciones interpretadas por todo el mundo y en todos los idiomas, ha inspirado a generaciones enteras.

La película se divide en cinco capítulos, enmarcados por la imagen de una libreta de tapas rojas, como las que Aznavour usaba para escribir sus canciones.

En su tramo inicial, el relato fluye con ritmo ágil y tono luminoso, capturando la ilusión del joven artista. Sin embargo, al adentrarse en la madurez del personaje, el montaje se vuelve errático y la narración, repetitiva. Lo que mantiene viva la película es, sin duda, su banda sonora: los temas inmortales que Aznavour interpretó y que lo convirtieron en símbolo de la chanson francesa. Piezas como La Bohème, Venecia sin ti, La Mamma … proporcionan de emoción a lo que el guion no logra alcanzar.

Es muy deficiente la dedicación a plasmar su trabajo, importante también, como actor. Apenas hay una breve pincelada nombrando su trabajo en Tirad sobre el pianista (1960).

El momento más emotivo se produce con la aparición de Édith Piaf, interpretada por Marie-Julie Baup.

Una película que gustará a los admiradores de este inmenso artista francés.

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Sofía y Daniel viven en Madrid. Tienen dos hijas pequeñas. Un secreto en la vida de Daniel, abogado en un importante bufete internacional, le lleva a viajar a París y Berlín. La Stasi y el KGB andan al acecho…

El guion firmado por Gemma Ventura tiene un intenso sabor serial y poco regusto cinematográfico. La película cuenta con un buen diseño de producción y es solvente en lo que al acabado audiovisual se refiere, pero los personajes no tienen profundidad y los conflictos que debieran ser muy hondos son superficiales.

Imanol Uribe dirige con la enorme experiencia acumulada a lo largo de su trayectoria.

En el montaje no se logra que la película tenga el tempo adecuado y quizás por eso las En el apartado de las interpretaciones, Álex González y Aura Garrido resultan un tanto irregulares, con diálogos que no terminan de enganchar ni mucho menos emocionar.

Desde luego no ayuda nada la presencia de Álex González, un actor demasiado limitado que en ningún momento está al nivel de su compañera de reparto.

Aura Garrido, la mejor actriz de su generación, defiende su personaje con la misma entrega que ha demostrado en toda su carrera.

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Thriller psicológico donde conocemos a Abel (Javier Pereira), un arquitecto de gran éxito y prestigio que corre el riesgo de perderlo todo cuando empieza a sufrir agorafobia. Su miedo a salir a la calle le llevará a estar aislado en el campo durante tres años, y su ex-pareja y socia en el estudio en el que trabajan, Sonia (Eva Llorach), le advierte de las consecuencias que puede tener para su carrera. Hasta ahora ninguna terapia ha funcionado con Abel. Sin embargo, un día conocerá al adiestrador de perros de caza José (Fernando Cayo), que le ofrece un método alternativo con un entrenamiento nunca usado en humanos.

El joven cineasta lorquino Juan Albarracín debuta con esta película que escribe y dirige él mismo y que ha podido rodar en la misma Región de Murcia de la que procede. El rodaje ha tenido lugar en tres municipios murcianos: Bullas, Molina de Segura y la misma ciudad natal del cineasta, Lorca. La huerta de la Región ofrecerá los paisajes para desarrollar este thriller rural.

Consigue buenos resultados con un presupuesto nimio, priorizando el conflicto de los personajes sobre los alardes visuales. Pone sobre la mesa con inteligencia cuestiones como la salud mental, la reeducación emocional y los límites éticos de las terapias y los métodos conductistas. Además, cuestiona hasta qué punto el ser humano está dispuesto a ceder el control sobre su vida cuando está muy necesitado de ayuda.

Destacan especialmente en esta película la presencia de sus importantes intérpretes: Fernando Cayo, Javier Pereira y Eva Llorach.

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Aurora (Joana Santos) es una mujer portuguesa inmigrante que trabaja en un gran almacén de Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, trata de resistir al aislamiento, la alienación y la charla trivial que comienzan a amenazar su consciencia de sí misma. En un entorno dominado por una economía basada en algoritmos y diseñada para mantenernos separados, ‘On Falling’ explora la lucha silenciosa y vital por encontrar sentido y conectar.

On Falling se presentó en la edición del año pasado del Festival de Cine de San Sebastián donde su directora salió premiada con la Concha de Plata a la Mejor Dirección.

Carreira consigue emocionar con su película sin convertirlo en un ejercicio panfletario. Solo necesita mostrarnos el día a día de Aurora, encarnada por una fantástica Joana Santos.

Muchos califican a Laura Carreria como la sucesora de Ken Loach en el cine social, de hecho la película está producida por la compañía del director.

Su mundo está reducido a lo que cabe en el plano junto a ella: un trozo de pasillo, un compañero que le habla, la puerta de la nevera o su cama. Poco a poco Aurora se convierte en un autómata. La entrevista de trabajo, de la que es mejor no decir nada, será un catalizador poderoso y los planos finales, por fin abiertos, dan pie a una esperanza.

La sutileza del guion y de la realización invita a examinar, junto a la obviedad de lo que supone la lógica capitalista y su modo de tratar a las personas, cómo afecta el trabajo a la vida, más aún qué es mi vida y qué son las personas que nos rodean. Al espectador le corresponde sacar sus conclusiones.

Se trata de una película muy dura y muy interesante.

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Charles Krantz, un contable normal y corriente, ve cómo su vida adquiere un significado inesperado cuando el mundo comienza a colapsar. Mientras las estrellas explotan y la tecnología falla, misteriosos anuncios aparecen con el mensaje: «¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!».

A medida que la historia retrocede, se revelan momentos clave de su vida, como su trabajo, su amor por la música y sus luchas personales, en un relato que mezcla realismo y fantasía. Se trata de una exploración conmovedora sobre la huella que cada persona deja en el universo.

La vida de Chuck, adaptación de la novela homónima de Stephen King, tiene como protagonista a Chuck, un hombre corriente que marcó la vida de algunas personas. Contada a través de tres partes, tres capítulos de su vida, la historia comienza por el final y termina por el principio. 

La vida de Chuck atina muy fino con la voz en ‘off’ que narra los sucesos que van transcurriendo. Las rimas entre imagen y narrador son un juego del que Flanagan sale victorioso. Es su forma de sacar una sonrisa y hacer reír. Las lágrimas y el llanto vendrán, eso es seguro, pero el cineasta no pierde la oportunidad de que todo, siempre que sea conveniente y tenga sentido, se convierta en una fiesta.

Flanagan no es moralista y tampoco subraya demasiado el mensaje del filme, ese que dice que hay que disfrutar de cada segundo. En manos de otro director con menos sutileza, La vida de Chuck podría haber terminado siendo una película tosca y torpe.

Dice la voz en ‘off’ en cierto momento del filme que la anticipación al fin de semana es siempre mejor que el fin de semana en sí. Es verdad, pero no es el caso de lo nuevo de Flanagan: la anticipación por descubrir la vida de Chuck es igual de emocionante que ir descubriéndola. Esta película es un tarro de felicidad condensada en 111 minutos. 

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Francia, finales del siglo XIX. Louise Violet es una profesora parisina, enviada a la campiña francesa. En un lugar donde la vida cotidiana está ligada a las estaciones, la tierra y los cultivos, primero deberá convencer a los habitantes para que envíen a sus hijos a la escuela. Con la ayuda del alcalde, los padres y sus hijos acaban por aceptarla. Pero pronto, su pasado la alcanza. A pesar de los obstáculos, la señorita Violet se entregará en cuerpo y alma a su creencia: la educación es la clave de la libertad.

Frente a la resistencia y las tradiciones arraigadas, la señorita Violet lucha con determinación, guiada por su firme creencia en que la educación es la verdadera clave para la libertad y el progreso.

Alexandra Lamy, también competente, es la maestra con un oscuro pasado –formó parte de la Comuna, y pagó por ello–, que trata de imponer la educación obligatoria en una aldea de la Francia profunda a finales del siglo XIX. Al principio los pupitres están vacíos, pero poco a poco… Una película quese ve con gusto, y no hace daño a nadie, incluso nos recuerda que la escuela para todos no fue algo que se consiguió con tanta facilidad.

La primera escuela refleja ese tiempo revolucionario en lo social, en el que empezó a activarse la iniciativa política de que la educación básica llegase hasta el más modesto rincón de cada país en un mundo cambiante, con el fin de que toda persona tuviese acceso al saber, y ello le otorgase la libertad de elección de su futuro según sus capacidades y anhelos. Un bonito ideal que siguió colisionando con la áspera realidad, pero que se ha ido imponiendo con el paso del tiempo.

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Una batalla tras otra es un trepidante thriller de acción y sátira dirigido por Paul Thomas Anderson y protagonizado por Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro y Sean Penn. Basada libremente en la novela Vineland de Thomas Pynchon, la película presenta una historia de militancia entrelazada con drama contemporáneo.

Bob Ferguson (DiCaprio) es un exrevolucionario que vive relativamente en paz hasta que un enemigo inesperado reaparece tras 16 años y secuestra a su hija. Desesperado, Bob recurre a sus antiguos compañeros de lucha, entre ellos el enigmático Sensei Sergio (Del Toro), para orquestar una operación de rescate. La película mezcla acción, comedia negra y reflexión política mientras los personajes confrontan fantasmas del pasado, alianzas quebradas y los límites de la rebelión.

Thomas Anderson dejó hace muchos años de ser un director alternativo para convertirse en uno de los principales referentes del cine estadounidense y, con su nueva película, demuestra tanto maestría formal como narrativa, además de alimentar la esperanza sobre un cine que no está perdido.

Para narrar esta historia de gran complejidad, el director eligió abarrotarla de acontecimientos, personajes y escenas fabulosas. Resulta fascinante observar cómo apila y entreteje hechos sin que esto abrume al espectador.

Utiliza 160 minutos de metraje para desarrollar exhaustivamente las implicancias y aristas de la historia, sin caer en una solemnidad impostada: amor, política, ideales, sexo, muerte y decadencia se combinan en personajes que son, uno tras otro, impactantes.

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Eve Macarro (Ana de Armas) es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Es un nuevo spin-off que se ambienta entre los éxitos de «John Wick 3: Parabellum» y “John Wick 4”.

El personaje interpretado por Keanu Reeves está presente, aunque el foco de atención se centra en Eve Macarro, interpretada por Ana de Armas. Cuando su padre es asesinado por una temible organización secreta, invitan a la pequeña Eve a unirse a la Ruska Roma. ¿Su decisión o un camino que le obligaron a transitar?

Una bailarina de juguete con música de Chaikovski, el recuerdo de la infancia que acompaña a Eve desde niña. Los años han pasado y la joven se ha convertido en una “bailarina” muy especial. Danza con movimientos de ballet, sigue el ritmo de una melodía invisible, que marca los pasos con precisión. Es el baile de los asesinos. Una vez pasada la prueba, la protagonista de ‘Ballerina’ cumple los contratos con precisión, hasta que se reencuentra con su pasado.  Ni siquiera el acuerdo centenario entre la Ruska Roma y otra de las organizaciones que operan en las sombras es suficiente para detener a Eve Macarro. La joven emprende un peligroso viaje de venganza en el que descubrirá la verdad sobre sí misma.

El personaje de Ana de Armas es letal, utiliza todos los recursos a su alcance y no se detiene ante nada.

Para los amantes del género de películas de acción.

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Zsa-Zsa Korda, un empresario fabulosamente rico acosado por incesantes intentos de asesinato. ¿Su solución? Nombrar a su única hija, Liesl (una monja interpretada con absoluta inexpresividad por Mia Threapleton), como heredera exclusiva de su fortuna. Cuando Korda pone en marcha un misterioso proyecto de infraestructura (la “trama fenicia” titular), que incluye una presa y una cuestionable política laboral, este se convierte en objetivo de terroristas extranjeros, magnates codiciosos y una serie de personajes excéntricos.

Anderson, que también firma el guion junto a su colaborador habitual Roman Coppola, construye su mundo ficticio entretejiendo elementos del Magreb, la Europa de mediados de siglo y los Estados Unidos de la posguerra.

El aspecto más problemático es el vacío en el núcleo de la película. El guion carece de urgencia narrativa y de resonancia emocional. Los característicos diálogos elípticos de Anderson, que antes resultaban encantadores, ahora parecen una afectación perezosa. Los personajes aparecen y desaparecen rápidamente: Riz Ahmed interpreta a un príncipe que parece desarrollar sentimientos por Liesl; Tom Hanks y Bryan Cranston aparecen de la nada como turbios empresarios estadounidenses; Benedict Cumberbatch, interpretando a un villano sin motivación clara, emerge como un enigmático pariente; Scarlett Johansson languidece como la posible esposa de Zsa-Zsa, y Michael Cera, con un acento nórdico exagerado, interpreta a Bjorn Lund, un profesor noruego de entomología que supuestamente debería ofrecer alivio cómico, aunque no hay rastro de comedia.

Incluso la premisa, una relación paternofilial puesta a prueba por la avaricia y la herencia, acaba desvaneciéndose. Liesl nunca deja de ser un enigma, mientras que su devoción religiosa y su deber como hija no terminan de materializarse en pantalla.

La trama fenicia es un paquete maravillosamente envuelto que no contiene nada que merezca la pena en su interior. No basta con ser visualmente atractiva, excéntrica o estar repleta de estrellas: en algún momento, una película también debe conmovernos, sorprendernos y hacer que nos importe lo que sucede. Esta no consigue nada de eso.

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