Augusto Góngora, veterano periodista chileno y destacado cronista de los crímenes del régimen de Pinochet, y Paulina Urrutia, actriz, activista y política, son una pareja de enamorados desde hace más de 20 años. Augusto fue diagnosticado con alzheimer hace ocho años y, ahora, ambos se enfrentan juntos al inexorable y acelerado descenso de sus poderes físicos y mentales. La historia de la dedicación cálida e intransigente de Paulina y la feroz lucha de Augusto para aferrarse a su identidad es un testimonio profundamente conmovedor de su amor.

“La memoria infinita” es tanto una indagación sobre la dignidad humana en la vejez y la adversidad como sobre los mecanismos de la memoria individual y colectiva. ¿Qué y a quién recordamos de nuestro pasado? ¿Por qué olvidamos o suprimimos ciertos recuerdos y qué efecto tiene esto, tanto en una persona como en un país entero?

Esta conmovedora historia de amor muestra el alzheimer desde la intimidad del matrimonio. Los cuidados cotidianos, el tener que recordarle a alguien lo que hizo en su vida y quien fue, además de las crisis propias de una enfermedad que hoy afecta a millones de personas.

El filme coincide con el 50 aniversario del golpe de estado en Chile, que significó una dictadura de 17 años y donde hubo violaciones sistemáticas a los Derechos Humanos.
La película también reflexiona en torno a esto, pues en los últimos años han aparecido grupos de extrema derecha que han buscado relativizar los crímenes, y que reivindican la figura de Pinochet.

Aunque el tema es durísimo, vale la pena ver este gran documental.

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Nota: las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

La novela publicada por Alejandro Dumas en 1844 tiene un signo fundacional para la cultura de Francia, tanto por su carácter historicista como por la proyección popular de sus personajes, que sin embargo no tardó en ser adoptada tanto por Estados Unidos como por, irónicamente, Reino Unido: la nación contra la que D’Artagnan y sus compañeros se hallaban en conflicto durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648).

Las películas más famosas de Los tres mosqueteros han estado, en efecto, habladas en inglés, lo que quizá favorece el actual impacto de la adaptación de Martin Bourboulon.

Dicha adaptación se ha dividido en dos entregas, D’Artagnan y Milady, de cara a adaptar con holgura la historia original pero también concienciada con que ha de ofrecer algo nuevo.

Francia ha tardado tanto tiempo en reapropiarse de su criatura que una vez ha podido darle un enfoque particular, todos los responsables eran conscientes de que la fidelidad al material de partida no podía ser el único reclamo. Había que jugar con la fuente, actualizar discursos, ensayar nuevos acercamientos. Puede que lo más notorio de entrada sea, a este respecto, que la nueva versión de Porthos (Pio Marmaï) sea bisexual, como D’Artagnan descubría al poco de conocerle en la primera entrega, estrenada en España a mediados de 2023.

La segunda entrega se titula Milady en referencia al personaje homónimo, esa espía al servicio del Cardenal Richelieu que con su encanto magnético manipula tanto a D’Artganan como a su amigo Athos (con quien había contraído matrimonio en el pasado).

Es Milady, en efecto, quien centra la narración de la película, y lo hace en función a una reescritura que ha tratado de desafiar la misoginia con la que fue concebido el personaje para otorgarle una mayor complejidad, acaso una tragedia. Eva Green, encargada de interpretarla, tiene mucho que decir al respecto.

Green no disimula su entusiasmo por haber interpretado a este personaje. La euforia le traiciona, especialmente, cuando recuerda a otras actrices que han sido Milady antes que ella: Milla Jovovich en la (muy reivindicable) versión de Paul W.S. Anderson, Faye Dunaway en las películas de los 70 dirigidas por Richard Lester —que dividieron la adaptación de forma similar a este díptico— y Rebecca De Mornay en una efectiva producción de Disney de los 90.

Pero ella se queda con Lana Turner: “Siempre he sido una gran fan de esa Milady, con todo su toque hollywoodiense”, asegura Green en referencia al clásico Technicolor que protagonizó Gene Kelly como D’Artagnan en 1948.

Esta entrega que se estrena ahora en España, tiene su mayor interés en todo lo que ocurre con Milady: personaje que gana presencia y profundidad, y ya no se limita a ser una escurridiza villana con la que D’Artagnan y Athos (aquí interpretado por Vincent Cassel) se van encontrando de forma recurrente. Green achaca parte de estos cambios a la descripción que el libreto realiza de las circunstancias históricas. “En aquella época ser mujer era muy duro. Apenas se nos consideraba seres humanos”.

Una película que entretiene, con una impresionante producción y unas interpretaciones, especialmente la de Eva Green, que están a gran altura.

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Elena imparte clases de baile, mientras que Dovydas trabaja como intérprete de lenguaje de signos. En el momento en que se conocen, se establece un hermoso vínculo entre ellos. Sin embargo, su relación será puesta a prueba cuando Dovydas confiesa a Elena que tiene sentimientos románticos por ella, pero es asexual, es decir, no siente y nunca ha sentido deseo sexual por otra persona.

Con su segundo largometraje, Marija Kavtaradze confirma las promesas de Summer Survivors y consigue imponer su personalidad como cineasta tratando un tema muy común (el amor, la pureza de los sentimientos, una forma de espiritualidad)

Todo ello bajo la envoltura de la asexualidad)- Resalta el estilo sensorial, alimentado por un excelente sentido del diálogo, apostando por un ritmo tranquilo (tal y como ya indica el título de esta interesante película).
¿Se puede amar a alguien sin sexo? Slow se mueve lentamente a lo largo de varias estaciones en torno a su motivo melódico sentimental. Observamos a dos seres que se relacionan entre sí con sensaciones, miradas, sinceridad e intercambios emocionales muy intensos.

Un encaje preciso de variaciones íntimas que profundiza progresivamente en el corazón de un guion(escrito por la propia directora).

La película se apoya en sus dos intérpretes principales y en la delicada y bellísima fotografía de Laurynas Bareiša.

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En 1755, el empobrecido capitán Ludvig Kahlen se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un nombre real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado Frederik de Schinkel, cree arrogantemente que esa tierra le pertenece. Cuando de Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara y su servil marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor.

La tierra prometida es un duro drama histórico sobre la tenacidad, también sobre la tozudez, cuando al objetivo inicial (aquí ingresar en la nobleza y, de esta forma, dignificar su condición de hijo natural fuera del matrimonio) se le añade la promesa de casar con la mujer a la que ama contra toda esperanza. Esa resiliencia se mostrará finalmente también como una cualidad no precisamente positiva, cuando por el camino, en pos de esa meta casi inalcanzable, pero a la que tiende indesmayable el capitán, tenga que dejarse jirones de su propia esencia, tenga que desprenderse de lo más parecido a los afectos, a la familia, a los amigos, que ha tenido nunca en su vida.

El director Nikolaj Arcel vuelve a rodar en su Dinamarca natal, tras una fallida experiencia en Estados Unidos. El resultado para él es óptimo, al lograr realizar una vibrante y lograda película histórica.
El trabajo en la interpretación del actor Mads Mikkelsen es muy relevante, el resto del reparto cumplen con acierto su trabajo. Destacamos a Simon Bennebjerg, que compone un villano de los que se recuerdan…

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Cuando pensamos en el Holocausto, en los terrores que albergaron campos de concentración como Auschwitz, nos vienen a la cabeza las imágenes de todos aquellos que sufrieron las calumnias dentro de las cámaras de gas. Sin embargo, ellos no fueron solo los protagonistas. Día tras día, los soldados que militaban en estas localizaciones miraban impasibles como cientos de personas morían. Algunos, incluso, disfrutaban con este hecho.

El director Jonathan Glazer (Under the Skin, Sexy Beast) comanda un proyecto que trata sobre uno de los sucesos más oscuros de la Segunda Guerra Mundial desde un punto de vista diferente: el de los captores.
En la novela de Amis la INTERESSENGEBIET o zona de interés, eufemismo con el que los nazis designaron un área infranqueable de cuarenta kilómetros cuadrados donde situaron la maquinaria de exterminio de Auschwitz amén de talleres, explotaciones agrícolas y las residencias de los encargados del campo, pasaba a definir una zona donde todo era posible, es decir, interesante; porque hasta los ejecutores de las atrocidades máximas aprenden a disociarse de ellas, y a aburrirse con la burocracia y la rutina que implican, y también sienten deseos, insatisfacciones y anhelos mundanos. Amis ponía voz sin embargo a un asomo de conciencia en algunos personajes, dubitativos ante el sentido moral último del exterminio emprendido.

La zona de interés no es una película que contraste a lo que ocurre en el encuadre lo que sucede fuera de campo. Es una película filmada desde el fuera de campo, desde lo inexplicable, lo indecible; algo muy diferente, que la cámara subrayará una y otra vez a lo largo del metraje con su ubicación en posiciones distantes, desiertas, en tinieblas.

La cámara de Glazer arroja escena a escena un manto de oscuridad sobre el mundo atrincherado de los Höss, hasta que los miembros de la familia empiezan a expresar su malestar; pero no desde la palabra, desde lo intelectual, sino desde la falta de apetito, la pesadilla, el insomnio, la desaparición o el vómito. Glazer somete la obscenidad de lo mundano a un proceso de sustracción que, en los últimos minutos, vuelve a interpelar a nuestro presente, al presente de cada cual.

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Cuando Vera (Lola Dueñas) era joven, no pudo hacerse cargo de su hijo y tuvo que darlo en adopción. Cuando Cora (Ana Torrent) era joven, su médico le dijo que no podría tener hijos y que sólo adoptando podría formar una familia. Ambas comparten esa experiencia de haber sido madres de un niño llamado Egoz (Manuel Egozkue). Ahora, ambas mujeres se reencuentran en Portugal para repasar la historia de sus vidas y reescribir sus destinos.

Víctor Iriarte (Bilbao, 1976) siempre ha estado vinculado al cine: es seleccionador del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, forma parte del consejo académico en la escuela Elías Querejeta y es director del programa audiovisual del Centro de Cultura Contemporánea Tabakalera, todo ello en la ciudad vasca.
Además, realizó el máster de documental creativo en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en 2001 trabajó como ayudante de Isaki Lacuesta en el debut de éste, Cravan versus Cravan, y posteriormente ejerció como director de fotografía en Buenas noches, España, del filipino Raya Martin, que se presentó en Locarno 2011.

En 2007 dirigió el cortometraje Decir adiós y en 2019 publicó la novela Geometría, con prólogo del propio Lacuesta.

Con un lenguaje fresco e innovador y profundamente emocional, la película invita a abrir un diálogo que busca un camino para la curación de heridas. Con una fuerza poética arrolladora y una dirección intuitiva, explora provocativamente los entramados políticos repletos de dolor a través de una historia de sutiles conexiones entre sus protagonistas.

La película juega narrativamente con las numerosas posibilidades que ofrece el arte, convirtiéndose así, no solo en una potente historia que necesita ser contada, sino también, creando una envolvente atmósfera, emocional y psicológica, en un alegato a la ruptura del silencio que todavía pesa sobre la sociedad española.

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Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película. Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra! Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.
En su nuevo filme, el italiano nos habla de cine, de amor y desamor, y también la utopía del comunismo, emancipada de su legado dictatorial. Todo eso en tan solo 96 minutos hilvanados en un entramado intertextual (el Partido Comunista italiano, Kiewlovski, Scorsese, Fellini, Netflix) que le otorga, como sucede en las obras de Moretti, un carácter vodevilesco repleto de encanto.

Moretti vuelve a ponerse en la piel de un cineasta a punto de rodar una película que irá afrontando sucesivas crisis, profesionales y personales, a medida que la historia avanza. Su matrimonio de 40 años con Paola (Margherita Buy) está en la cuerda floja y todo son trabas en su nuevo filme, sobre el Otoño húngaro, cuando en 1956 los estudiantes de ese país se sublevaron contra Stalin. Planteada como una autoficción que juguetea con los resortes del relato (se rompe la cuarta pared, los escenarios del set (de Cinecittà) y los de la realidad se confunden, etc.), la vida y su cacofonía se filtran poco a poco en la película –por si no tuviéramos suficientes capas narrativas– y se reivindican ante cualquier tentativa de nostalgia. Moretti, sí, es un nostálgico pero también alguien que se resiste a quedarse inmovilizado en el pasado.

Sus fobias también desfilan por la pantalla (en sendos gags sobre la ética del cine y sobre Netflix), pero aquí la neurosis se transmuta en alegría, en una joie de vivre de la que, comprobando el estado del mundo, diría que andamos necesitados.

Mención muy especial el apartado de las interpretaciones, en la que destaca por encima de todos esa gran e inmensa actriz italiana llamada Margherita Buy.

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La humilde y sencilla Ma, y el tímido Cao, han sido expulsados de sus respectivas familias y obligados a contraer un matrimonio concertado. Ahora tendrán que aunar sus fuerzas y construir un hogar donde sobrevivir. En medio de la adversidad, comienza a forjarse entre ellos un vínculo, ya que tanto Ma como Cao, en sintonía con los ciclos de la Tierra, se crean un refugio en el que pueden prosperar.

El filme fue retirado de las salas y de todas las plataformas chinas al poco tiempo de su estreno. El retrato que Li Ruijun, el director, hace de la China rural, con unas condiciones de vida terribles más dignas del siglo XIX que de los tiempos que vivimos, no fue del agrado de los censores. Esa transición del campo a la ciudad, que sigue presente hoy en día, se refleja de manera cruda. Ma visita uno de los apartamentos que le corresponden en ese afán chino por modernizarse a marchas forzadas, y responde a la pregunta de una periodista que allí no tendrá espacio ni para su burro ni sus gallinas.

Con una fotografía deslumbrante y sutil, el paisaje se transforma en un personaje más. Vemos la furia de la lluvia o escuchamos el sonido del viento en el interior de la casa de adobe que con sus propias manos ha construido la pareja, metáfora del amor que se ha erigido entre ellos. La demolición de las casas que exige la rápida transformación de lo rural a lo urbano es una clara alusión del director a las intromisiones del gobierno chino en la vida de la sociedad. A pesar de ello la pareja salva los nidos de las golondrinas de las casas que las autoridades destruyen para buscarles y buscarse un nuevo refugio.

Una película bellísima que retrata a la China vaciada.

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En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del «Proyecto Manhattan», lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Robert Oppenheimer, el hombre que contribuyó de un modo decisivo a poner fin a la Segunda Guerra Mundial con el arma más devastadora creada por el ser humano, la bomba atómica, tuvo un auténtico dilema moral tras los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, y también tuvo que hacer frente a acusaciones que lo tildaban de ser comunista, por lo que fue llevado ante la justicia.

Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y durante el resto de su vida, se opondría firmemente a la guerra nuclear y a la todavía más destructiva bomba de hidrógeno. Su vida daría así un profundo vuelco, pasando de tener un papel fundamental en el mapa político de la Guerra Fría a ser acusado de comunista en la era McCarthy. Cuestionando su lealtad, Oppenheimer fue tachando de espía de la Unión Soviética y obligado a dimitir de cualquier función pública.

Protagonizada por un elenco de estrellas, Cillian Murphy que interpreta al científico y por Emily Blunt en el papel de la bióloga, botánica Katherine Oppenheimer.

La película está rodada en IMAX e incluye escenas a color, intercaladas con imágenes analógicas en blanco y negro.

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En un mundo postapocalíptico, los virus y organismos modificados genéticamente han arrasado con la mayoría de la población y solo unos pocos privilegiados tienen el control. Vesper es una adolescente de 13 años que lucha por sobrevivir, junto a su padre enfermo, en un entorno hostil donde las semillas son el bien más preciado. Pero un encuentro sorprendente dará esperanzas a Vesper y la enfrentará a una aventura para conseguir un futuro mejor. Una misteriosa mujer con un secreto que la obliga a utilizar su ingenio, su fuerza y sus habilidades de bio-hackeo para luchar por la posibilidad de un futuro.

Con un desusado gusto por el detalle y una precisión casi hipnótica, los directores se las arreglan para levantar delante de la mirada demasiado viciada del espectador una fábula apocalíptica que también lo es exageradamente humana. Se cuenta la historia de una adolescente (Raffiella Chapman) empeñada en sobrevivir. Debe socorrer y atender a un padre paralizado a la vez que investiga la forma de hacer fértiles a unas semillas modificadas genéticamente.

En este decorado de un salvaje planeta Tierra que ya no nos pertenece, dividido entre una clase gobernante viviendo aislada en ciudades protegidas del exterior, servida por androides biológicos vegetales conocidos como jugs, y una clase humilde reducida a la supervivencia tribal, mientras surgen a su alrededor movimientos religiosos de resonancia medieval y milenarista, se desarrolla la peripecia de su protagonista. Una niña de trece años, Vesper, que vive en el ostracismo junto a su padre impedido, destinada a convertirse en protectora de la misteriosa Camellia, única superviviente del accidente de una nave procedente de las ciudades, cuyo secreto cambiará para siempre la vida de Vesper.

La excelencia de los efectos especiales funciona espléndidamente, así como el reparto, donde el siempre inquietante Eddie Marsan interpreta al villano principal. Las cuestiones humanas y humanistas de fondo resultan tan interesantes como inquietantes.

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