Max (Bobby Cannavale) adora a su hijo Ezra (William Fitzgerald), un niño de 11 años con autismo; pero las necesidades especiales de su educación son un constante foco de discusiones con su exmujer, Jenna (Rose Byrne). Max ha arriesgado su carrera y su matrimonio por su sueño de convertirse en cómico de stand-up y ahora vive con su padre, Stan (Robert De Niro), un talentoso pero excéntrico chef reconvertido en portero. Cuando Ezra es expulsado de otra escuela, Max toma la controvertida decisión de llevarse al niño en medio de la noche, embarcándose en una huida que les llevará a recorrer medio país y en la que Max aprenderá a entender mejor a Ezra… y a sí mismo.

La comedia va sobre el autismo y de hecho se inspira en un libro titulado Ezra, con lo que el verdadero protagonista de la película es el joven William A. Fitzgerald, un adolescente con autismo de verdad, como el personaje que interpreta en la película.  Con un padre y un abuelo muy voluntariosos que se empeñan en resolverlo todo dando una parada hacia adelante, pronto surgirán los errores, los arrepentimientos y hasta los ‘mea culpa’ por pecados de juventud en el caso del abuelo, cuando desatendió a su hijo por correr detrás de sus amantes. Y justamente ese es el estereotipo que quiere combatir su hijo (Cannavale) dedicándose en exceso a Ezra.

Con todos estos ingredientes y esta categoría actoral, estamos ante una divertida comedia familiar sobre el amor, la paternidad y la aceptación de lo que hace diferentes a los nuestros.  El viaje juntos de padre e hijo (Niro y Cannavale) por el desierto no tiene desperdicio y se convierte en una verdadera catarsis.

El reparto se completa con un cartel de grandes nombres como Rose Byrne, Vera Farmiga, Rainn Wilson y Whoopi Goldberg, en un rodaje con actores y equipo neurodivergentes, todos ellos en manos del premiadísimo Tony Goldwyn, director y actor de títulos como A Walk on the Moon, Conviction, la serie Scandal…

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Nota: Las fotografías son propiedad de sus autores.

Alex, una joven actriz, es violada en una fiesta en Nochevieja y no reconoce a su agresor. Cuando acude a su hermano Adrián en busca de abrigo y compresión, éste reacciona cuestionándola y presionándola. Así, Alex se distancia de su hermano y de todo lo conocido. A lo largo de un año vive sola el asco, la vergüenza y la culpa. Adrián, consumido por la rabia, toma sus propias decisiones en un camino cada vez más oscuro, muy lejos de lo que Álex necesita. Mientras, ella interpreta al vengativo personaje de Medea y encuentra en el teatro la única forma de canalizar su dolor y su ira.

Se trata de una tragedia contemporánea que aborda de manera personal la violencia sexual, el asco y la vergüenza. La película está protagonizada por Ángela Cervantes, ganadora de dos Premios Gaudí consecutivos a Mejor Actriz Secundaria por ‘Chavalas’ y ‘La Maternal’, en el papel de Alexandra, y Álex Monner (‘Pulseras rojas’, ‘Bajocero’), quien obtuvo el Premio Gaudí a Mejor Interpretación Masculina Protagonista por ‘Los niños salvajes’, interpretando a su hermano en la historia. Además, el filme cuenta con la participación especial de Ana Torrent (‘Cerrar los ojos’).

Blasco dirige y coescribe su segundo largometraje tras El zoo (2018). La furia es inteligente en su estructura y narrativa, alternando entre el pasado y el presente, haciendo de la agresión un punto de quiebre entre el antes y después de una mujer.

También es un filme repleto de poderosas metáforas. Blasco utiliza imágenes como la caza y el desollado de un animal para subrayar la transformación de Alexandra, tanto consigo misma como en su relación con su familia, su círculo cercano y su trabajo. Medea, la figura mitológica griega que vengó a sus hijos, representa otro símbolo; uno con el que la protagonista canaliza toda la furia y la ira que la consume desde adentro.

Atentos a la gran interpretación de Ángela Cervantes, podría estar muy presente en la próxima temporada de premios.

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Sergio, interpretado por Mario Casas, viaja a Utrecht con su familia para asistir a un evento deportivo donde juega su equipo favorito. Sin embargo, antes de regresar a la ciudad condal, sufre un ataque de pánico que lo paraliza. Incapaz de explicar lo que le ocurre, toma una decisión radical y finge perder la documentación con un motivo: quedarse en Holanda, cortar todo vínculo con su vida anterior y empezar a vivir desde cero. Sin avisar a nadie, solo desapareciendo.

A partir de ese momento, Sergio debe enfrentarse a una ciudad desconocida, sin dinero, sin hogar, sin amigos y sin saber el idioma. Lo que empieza como una huida se convierte en un viaje de autodescubrimiento lleno de obstáculos y aprendizajes. Cada día es un reto físico y emocional que le obliga a replantearse su vida. En su aislamiento, Sergio comienza a conocer a personas que también viven al margen de la sociedad, con quienes empieza a reconstruir su identidad y a entender mejor su propio ser.

‘Muy lejos’, dirigida por Gerard Oms, es una reflexión profunda sobre la desconexión personal, la crisis existencial y el valor de perderse para poder encontrarse.
El cineasta debuta con una historia muy personal, e inspirada en la situación que vivió en 2008 en Holanda.

Lo mejor: la interpretación de Mario Casas que vuelve a demostrar que sabe ser un actor a tener en cuenta.

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The amateur es un filme de acción sobre la misma versión de los operativos oscuros o secretos de la Agencia Central de Inteligencia (CIA por sus siglas en inglés), los cuales de vez en cuando se van fuera de control y muere gente “buena”. Ese fue el caso de esta película y su trama.

Charlie Heller (Rami Malek) es un agente especializado de la CIA. Se dedica a descifrar mensajes. Así las cosas tiene una esposa, Sarah (Rachel Brosnahan) quien fue asesinada a manos de unos sicarios terroristas en Londres. Su marido sufre, y se queda tranquilo, hasta que descubre que los sicarios tenían nombres y apellidos, y estaban vinculados de una forma u otra a la propia CIA.

Charles usa esa información para chantajearles y que le dejen vengar la muerte de su esposa. Sin habilidades en el combate cuerpo a cuerpo y con las armas, el protagonista deberá usar su ingenio para dar caza a los que mataron a su mujer.

La parte más interesante de la película es cuando aparece el personaje de Laurence Fishburne. El actor da vida a Henderson, un entrenador de agentes de campo de la CIA al que se le encomienda, primero, instruir a Charles y, luego, darle caza. La relación entre ambos personajes es interesante. Henderson respeta a Charlie porque sabe que es un tipo inteligente y resolutivo, aunque de primeras juzgó mal. También hay algo de comicidad entre los dos que funciona como bálsamo. Sin embargo, hay tantos frentes abiertos en el filme, que no hay tiempo para centrar la acción en los aspectos más básicos de los personajes y el relato.

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Jérémie regresa a su pueblo natal para asistir al funeral de Jean-Pierre, antiguo jefe suyo. Ha decidido quedarse unos días en casa de Martine, su viuda. Pero una misteriosa desaparición, un vecino amenazante y un extraño sacerdote van a hacer que su breve y tranquila estancia tome un giro inesperado.

Tras este envoltorio de agradable cine rural se esconde una juguetona historia de acusaciones, violencia, muertes y sexo prohibido. Jerémie no quiere hacer ningún mal en ese pueblo, en realidad quiere ser una fuerza del bienestar que viene desde fuera, pero acaba descubriendo que cada una de sus acciones, de manera concatenada y como si fueran fichas de dominó, aumentan la desesperación y el dolor de todos los que le rodean, hasta que todo explota y la onda expansiva se hace imposible de controlar.

El filme francés empieza de una manera sorprendentemente arquetípica: un joven va en coche al pueblo donde pasó su niñez y su adolescencia porque el dueño de la boulangerie donde trabajó durante un tiempo acaba de fallecer. Para ayudar a pasar el mal trago a la viuda, decide quedarse unos días más mientras decide qué va a hacer con su vida.

Hasta aquí sería un melodrama normal y corriente, pero Alain Guiraudie solo quiere que te acomodes y te relajes mientras, poco a poco, te va inoculando su veneno.

Es una película sexual y profundamente queer, en la que Jerémie acaba queriendo tener relaciones con todo el mundo. Y aunque para él, que viene de la ciudad -un mundo totalmente externo al fin y al cabo- es un simple juego, para los habitantes del pueblo es un desgarro en todo su sistema de valores, en el que, dentro de sus rutinas y su brutalidad mal entendida, se cuela un poso de ternura y pasión que nunca se habían siquiera planteado.

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Gwen, una joven estudiante de secundaria marcada por la reciente muerte de su madre, pasa su tiempo con su grupo de amigos, incluido su novio Thomas, un aprendiz de panadero. Cuando Jean-Luc, un estudiante parisino con vocación artística, se instala en la zona, Gwen no le oculta su problema, como si tuviera ante sí una decisión decisiva en su vida. Un día, descubre en el cine una película que parece inexplicablemente inspirada en su propia vida.

Jaime Rosales es un director singular, podría ser de los pocos autores del cine español que se puede permitir una total e inquebrantable libertad creativa y puede hacer lo que quiera con sus películas, en parte gracias a la producción independiente de sus obras.

Su trayectoria se define mejor por épocas: desde triunfos experimentales con sus dos primeras obras Las horas del día (2003) y sobre todo La soledad (2007) la cuales le valieron dos premios Goya y hasta un FIPRESCI en Cannes por la primera.

Más tarde luego sufrió con algunos fracasos, también experimentales e íntimas con Tiro en la cabeza (2008) y Sueño y silencio (2011) para luego volver a ganarse el reconocimiento de la crítica con Hermosa juventud (2014), Petra (2018) y Girasoles ciegos (2022).

A pesar de los diversos contratiempos, nunca ha perdido personalidad, ha sido consistente con sus inquietudes artísticas y no ha cedido al comercialismo en parte porque en sí no lo necesita.

MORLAIX, su nueva película, no presenta nada nuevo. Hemos visto esa historia en incontables películas. Lo que sucede es que Rosales explora de forma excepcional temas profundos y complejos, como la muerte, el paso del tiempo y, sobre todo, la nostalgia.

El espectador siente que el filme va al servicio de lo que el autor quiere contar y esto es raro para una historia que va sobre las emociones y el recuerdo, pero su excesiva duración puede impacientar, especialmente en el tramo final.

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La película narra la vida de Dan, un peón de la construcción de mediana edad afligido por una tragedia familiar. Alejado de su abnegada mujer Sharon y su talentosa pero problemática hija Daisy, Dan encuentra consuelo y comunidad en una compañía amateur de actores inadaptados.

El protagonista se ve obligado a afrontar sus emociones más profundas en una representación de bajo presupuesto de la mayor tragedia de Shakespeare. Junto a esos compañeros descubre a un grupo de personas que le ayuda a enfrentar sus propios conflictos internos.

El protagonista tiene arrebatos de ira, que en un caso llegan casi a la agresión física. Se habla de un personaje que ha muerto por suicidio, y hay muchos momentos en los que los personajes están tristes y enfadados por la pérdida. Pero también hay escenas más ligeras y reconfortantes, y la compasión, la comunicación y la empatía son factores clave en la narración de la película. Los personajes de la película son diversos en cuanto a raza, sexo y edad.

La película está protagonizada por Keith Kupferer, Dolly de León (‘El triángulo de la tristeza’), Katherine Mallen Kupferer, Tara Mallen, Hanna Dworkin y Tommy Rivera-Vega.

Una preciosa película.

La novela negra se preocupa por la realidad social y sirve en ocasiones para denunciar los abusos cometidos por las clases dominantes. Secretos de un crimen, de Sandhya Suri, es un ejemplo perfecto de esto último. Es una película más negra que policiaca, aunque la protagonice una policía.

Cuenta la historia de Santosh (interpretada por Shahana Goswami), una mujer india que se queda viuda y acaba heredando el puesto de su marido… policía. Se trata de un programa gubernamental (que puede parecer descabellado pero que es real) llamado «nombramiento por compasión» con el que tratan de ayudar a esposas de policías que no podrían sobrevivir con la exigua pensión de viudedad.

Nada más recalar en el cuerpo, Santosh se verá empujada a investigar el feminicidio de una chica de 14 años. Nadie quiere hacerlo porque pertenece a una casta inferior. Ni siquiera quieren tocar el cadáver. Sus jefes incluso queman incienso y hacen rituales de purificación en la comisaría después de que el cuerpo haya pasado brevemente por allí.

La directora elige la fórmula realista para exhibir paso a paso el procedimiento policial. Va levantando los velos uno a uno con una cadencia admirable, transformando a esta policía novata, por la inercia de la emulación, en algo que ella misma aborrece. Somete a su protagonista, en definitiva, a un juicio ético implacable. Y con ella al público de cualquier latitud. Porque, evidentemente, la desigualdad, los abusos, la crueldad con los menos favorecidos no son algo que afecte sólo a la India.

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Wolfgang, un niño de diez años con un cociente intelectual de 152 y trastorno del espectro autista, se ve obligado a vivir con su padre, Carles, a quien no ha visto nunca, tras la repentina muerte de su madre. Carles afronta el reto con ganas y voluntad, pero Wolfgang no soporta su desorden ni su desorganización y lo considera un “bajocien” por su falta de intelecto. Así que, a escondidas, Wolfgang planea conseguir su sueño: entrar en la academia de música Grimald de París, donde estudió su madre, y convertirse en el mejor pianista del mundo. Cuando Carles lo descubre, debe decidir entre su gran oportunidad como actor o convertirse en el padre que necesita un niño como Wolfgang.

La historia comienza en el funeral de la madre de Wolfgang (Jordi Catalán), un niño de 10 años, diagnosticado con trastorno del espectro autista y superdotado, al que le fascina el mundo del piano. Tras este traumático acontecimiento, debe irse a vivir con su padre, una figura que nunca había estado presente en su vida. A partir de ese momento, la película retrata las complejidades familiares, la evolución de esta forzosa relación paternofilial y los sueños del pequeño Wolfgang. Su vida cotidiana y su posterior viaje a París se conjugan en una trama amable y de sonrisas que cuenta con toques de humor.

Carles también debe enfrentarse a Matilde, la abuela de su hijo interpretada por Àngels Gonyalons, uno de los grandes nombres de la escena teatral catalana que regresa a los cines después de tres décadas. Poco a poco, esta mujer austera va dejando entrever su fragilidad.

La película está basada en la novela homónima de Laia Aguilar que fascinó a Ruiz Caldera desde el primer momento que la leyó.

Àngels Gonyalons, Anna Castillo (‘El olivo’), Berto Romero (‘El otro lado’) y Nausicaa Bonnín (‘Tres dies amb la familia’) completan el reparto de esta producción de Nostromo Pictures, Lo Vi Films y Telecinco Cinema, en coproducción con 3Cat.

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Una familia se muda a una casa nueva y ahora todo son preocupaciones. El divorcio de los padres flota en el aire y la hija adolescente tiene que digerir la muerte de una amiga íntima por sobredosis de droga. Pero no están solos en su propiedad: un fantasma les observa.

Este director es una figura esencial del cine actual que siempre ha buscado nuevas formas de expresión artística fuera de los grandes estudios. Comenzó su carrera en el cine independiente y luego, combinó su estilo independiente con proyectos más comerciales. A medida que la industria se centraba en franquicias y remakes, el realizador se reinventó, distanciándose de los grandes estudios, pero continuó explorando el cine de género con un enfoque único, utilizando incluso smartphones para rodarlas. Su estilo es más sencillo y menos pulido, pero siempre lleno de energía y originalidad.

A través de su trabajo, busca recuperar la esencia del cine, fomentando la experimentación y contando historias auténticas. Es un director que no solo mantiene las raíces del cine de género, sino que también las adapta al contexto contemporáneo. Su última película, Presence, refleja de manera destacada su enfoque único de hacer cine.

En Presence, Soderbergh explora el cine de terror de una manera inusual. La historia, que gira en torno a una presencia fantasmal en una casa, no solo juega con la atmósfera y el suspense, sino que introduce una cámara subjetiva que narra toda la trama desde el punto de vista del espectro. Esto permite que el espectador experimente los eventos a través de los ojos de la entidad, generando una sensación constante de inquietud y una conexión emocional con el protagonista invisible. Este enfoque tiene dos objetivos: sumergir al público en la tensión de los personajes y ofrecer una visión fresca del género de casas encantadas.

Película que puede interesar exclusivamente para los amantes del género.

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