Con un pie en el neorrealismo con conciencia de clase de De Sica y Visconti, y otro en el humanismo de Ermano Olmi, la directora italiana Maura Delpero estrena «Vermiglio», un drama costumbrista ambientando en la Segunda Guerra Mundial.

El segundo largometraje de Maura Delpero (Hogar) transcurre en 1944, en un pueblo ubicado en las montañas del norte de Italia que da título al film. Vermiglio, Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia, se construye como un drama de época que presenta el retrato de una familia ad portas del fin de la Segunda Guerra Mundial.

La vida idílica del maestro local del pueblo y su familia numerosa se ve alterada cuando un soldado desertor llega al pueblo en busca de un escondite. Este escenario es el telón de fondo sobre el que Delpero desarrolla un entramado de relaciones, reflexionando a través de ellas sobre temas como la maternidad, el patriarcado y el paso del tiempo. Todo mediante una puesta en escena delicada y sugerente que recurre a la poesía del paisaje y conecta con toda una tradición del cine italiano, de Ermanno Olmi a Alice Rohrwacher.

Sobre la directora, MAURA DELPERO:

Nacida en 1975 en Bolzano (Italia), se formó como dramaturga en Buenos Aires (Argentina), tras estudiar Literatura en la Universidad de Bolonia y en la Sorbona (París IV). Su primer documental, ‘Signori professori’, ganó el premio Avanti! y el premio UCCA en el 26o Festival de Turín. En 2011 fue seleccionada para participar en la Escuela de Verano de Cine de Locarno. El documental ‘Nadea e Sveta’ (2012) ganó una mención especial del jurado en los Premios Solinas de cine documental. Durante cuatro años dio clases de cine en un hogar para madres solteras de Buenos Aires, una experiencia que inspiró su primera película, ‘Hogar’ (2019), que fue la única obra italiana en competición en el Festival de Locarno, donde ganó el premio especial del jurado. ‘Vermiglio’ (2024) conquistó el gran premio del jurado en el Festival de Venecia.

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Un niño de seis años es acusado de traspasar ciertos límites con un compañero de clase y la dirección del centro educativo convoca a los padres de ambos para hablarlo. Entre incomodidades e insinuaciones se va encendiendo la contienda parental en pos de una verdad esquiva, en la que fue premiada como mejor ópera prima de Cannes.

Halfdan Ullmann Tøndel firma este drama psicológico, tan polémico como impredecible, que parece descendiente directo de Buñuel o de Vinterberg en su forma de estirar los límites de lo perturbador, con rigor estético y toques de sátira cruel. Se come la pantalla una Renate Reinsve al borde del colapso en la única localización del film: una escuela convertida en escenario claustrofóbico y coreográfico donde se dirimen los límites morales / sociales y los impulsos del cuerpo / la mente.

Con su película, La Tutoría, Halfdan Ullmann Tøndel, nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann, invoca la memoria de sus ancestros.
Al igual que la reciente La red fantasma, pero de forma infinitamente diferente, La tutoría comienza moviéndose en los parámetros del cine social incómodo para, a medida que escarba en el pasado común de profesores y padres implicados, sugerir un imbricado thriller ubicado íntegramente en una sala de profesores.

Tøndel interrumpe el careo con situaciones que lindan con el absurdo, quizá para sugerir que la difusión que nunca se llega a producir sobre acontecimientos que nunca presenciamos protagonizados por dos niños a los que nunca veremos no es más que palabrería sobre la creacionista de espacios seguros y protocolos que enmascaren la verdadera falta de control de esta situación.

El director va filtrando al público lo que esconde cada uno de los progenitores de los niños implicados, reforzando el componente de puro thriller de un film que poco a poco se va desplazando de un espacio real a uno imaginado. Por el camino, resulta lamentablemente repetitivo y frustrante, pero deja por el camino una impresionante interpretación de Renate Reinsve (con algún momento que linda con el puro horror) y una música que convierte en tenso, atrayente e hipnótico las discusiones de los implicados.

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Hamid es un profesor sirio que ha sido forzado al exilio por la brutalidad del régimen de su país. Decide unirse a un grupo secreto dedicado a perseguir y capturar a los líderes responsables de la represión y el sufrimiento de su pueblo.

Después de años de dolor y recuerdos imborrables, su misión lo lleva a Francia, donde sigue el rastro de un hombre que simboliza su peor pesadilla: su antiguo torturador, un oficial de alto rango que ahora vive en la clandestinidad. La lucha de Hamid por justicia se mezcla con un deseo de venganza que lo consume.
El guion se construye a partir de una investigación minuciosa, con escenas que alternan el sigilo con momentos de confrontación emocional. La historia evita grandes giros inesperados, apostando más por una tensión contenida que por explosiones de acción.

Aunque la premisa es potente y el trasfondo histórico le otorga peso, algunos personajes secundarios podrían haber sido mejor desarrollados para aportar más profundidad a la red clandestina y sus motivaciones.

El tempo de La Red Fantasma es pausado pero mantiene el interés, centrando la atención en el conflicto interno del protagonista tanto como en su misión. Sin embargo, en algunos momentos, la película podría beneficiarse de una mayor intensidad narrativa, ya que ciertas escenas se extienden más de lo necesario, afectando la fluidez del relato.

Adam Bessa, que da vida a Hamid, ofrece una interpretación sólida, transmitiendo el trauma y la determinación de su personaje sin recurrir a excesos dramáticos. Su presencia es fundamental para sostener la tensión de la historia, y sus momentos de duda y conflicto interno son los más logrados. El resto del elenco cumple su papel con eficacia, aunque algunos personajes secundarios carecen del desarrollo necesario para hacer que sus relaciones con el protagonista se sientan más significativas.

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Jackie y Clotaire crecen en el mismo pueblo, en el mismo instituto, cerca del mismo puerto. Ella, de una familia de clase media-alta, estudia, mientras que él, de origen modesto, hace novillos. La vida intenta por todos los medios separarlos, pero sus caminos se cruzan y se enamoran perdidamente. Su historia de amor parece estar condenada al fracaso cuando él es condenado a 12 años en prisión…

El guion desarrolla de manera convincente la conexión entre los protagonistas, pero a medida que avanza, se siente algo predecible en su enfoque de los desafíos y sacrificios del amor imposible. Aunque Corazones rotos logra transmitir emociones genuinas, no se desvía lo suficiente de los tropos clásicos del género para ofrecer una experiencia totalmente única.

La historia de Jackie y Clotaire sigue un camino clásico de amor prohibido. A pesar de provenir de mundos opuestos, se enamoran profundamente, pero su relación está marcada por las dificultades que les impone la vida. La condena a prisión de Clotaire es el punto de inflexión que pone a prueba la fortaleza de su amor, mientras ambos enfrentan las realidades de la separación, el estigma social y el tiempo que los distancia.

Una dolorosa historia de amor con elementos de thriller, como si fuera El acontecimiento (Audrey Diwan, coguionista) mezclada con BAC Nord (repiten casi todos, Lellouche, François Civil, Adèle Exarchopoulos, Karim Leklou). Pero narrada en dos tiempos: la Francia de los años 80, con The Cure sonando en todas las radiofórmulas, y la de diez años después, tras una elipsis carcelaria, cuando el chico malo se reencuentra con la chica buena.

Un reparto al que se suman Vincent Lacoste, o Alain Chabat, Elodie Bouchez y Benoît Poelvoorde en roles más secundarios. Todo resulta atractivo en la nueva aventura como director de Gilles Lellouche, aupado por el éxito de El gran baño.

Pero el metraje es excesivo. Se nota el entusiasmo por hacer gran cine, pero no traspasa la pantalla.
Los protagonistas del filme, Adèle Exarchopoulos, François Civil y Vincent Lacoste, están muy acertados en sus respectivas interpretaciones.

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Will es un agente de policía que acaba de llegar a los cuerpos de seguridad de un pequeño y tranquilo pueblo pesquero. Terry es otro policía que tutela y enseña a Will a cómo debe afrontar su nuevo trabajo, centrándose especialmente en que no debe matar a nadie.

Cuando llegan a investigar una casa, Will mata por accidente a la propietaria, ocasionando el enfado de su compañero. Indignado, Terry comienza a golpear objetos de la sala porque ahora van a ser culpables de un delito, pero cuando tira un jarrón, caen de su interior un millón de dólares, haciendo que los dos ideen un plan para intentar quedarse con todo el dinero. Primero, los agentes deben encontrar un supuesto culpable para así librarse del delito que han comento, por lo que empiezan a investigar a habitantes del pueblo de los más extraños y que, por algún casual, también conocen la fortuna que hay en juego. Una de las investigadas no está centrada en conseguir el dinero, sino en averiguar qué esconden los dos nerviosos policías.

La película presenta una serie de personajes pintorescos que aportan momentos de humor y tensión a partes iguales. Sin embargo, a medida que la trama progresa, la acumulación de eventos violentos y decisiones erróneas transforma la comedia inicial en una narrativa más sombría. Esta transición tonal tiene un punto claro de cambio y desbarata por completo las impresiones iniciales.

Es una apuesta tan ambiciosa como indica su propio título original y al contrario que le sucede a sus propios protagonistas Ponciroli y su guionista Mike Vukadinovich (‘Kidding’) salen airosos pues las sensaciones que deja son buenas, a pesar de ser extremadamente discordantes con sus intenciones.

La película se administra bien en cuanto a incorporar personajes o dejar ingredientes y misterios pendientes.
Hay momentos durante la proyección que este filme mantiene el interés, el problema radica en que no logra hacerlo con convicción.

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Angelina Jolie se ha metido en la piel de María Callas, para interpretarla en la última película biográfica de Pablo Larraín.

La historia está basada en relatos reales y cuenta la tumultuosa, hermosa y trágica historia de vida de la mejor cantante de ópera del mundo, revivida y reimaginada, durante sus últimos días en el París de los años 70.

Este filme del director chileno muestra a una mujer que enfrentó muchas luchas personales y profesionales a lo largo de los años y finalmente murió a los 53 años de un ataque cardíaco.
Junto a una extraordinaria Angelina Jolie (en una de sus más brillantes interpretaciones), la película también está protagonizada por Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haluk Bilginer, Kodi Smit-McPhee y Valeria Golino. El guión, que se completó antes de la huelga de guionistas, está escrito por Steven Knight, colaborador de Larraín en Spencer.

El director, de nuevo asociado con el guionista Steven Knight (Peaky Blinders), aporta una imaginación alucinada y delirante, totalmente compatible con la solemnidad del escenario y el personaje, que ciertamente humaniza a María Callas y aporta un lirismo adicional a una narración plagada de fantasmas y recuerdos, los de una cantante consciente de que afronta sus últimos días y decide recorrer su vida en un viaje mental por el tiempo y el espacio.

La película vale más por lo que calla (lo sucedido en su juventud con el régimen nazi) que por lo que cuenta, un viaje existencial donde los delirios se mezclan con recuerdos, y en el que la angustia del desenlace queda reservada para los criados que todavía rodean a “La Callas”.

La película se apoya en una excelente Angelina Jolie, que consigue eliminar sus gestos habituales al sentido retrato de una mujer con la que, sospechamos, debe identificarse más de lo debido.
No obstante, la solemnidad del film y el respeto al personaje opaca los delirios fantasmales del relato, que no se atreve, con sus diálogos literarios sobre la enfermedad, la revelación y el arte, a internarse en territorios verdaderamente arriesgados.

Una película, y una actriz protagonista, muy brillantes.

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A different man cuenta la historia de Edward, un actor fracasado que decide ofrecerse como conejillo de Indias para un tratamiento radical que transformaría su rostro deforme en el de un hombre “normal”. Será el propio Edward el que sufra los dolores de este tipo de representación una vez el tratamiento funciona y decida asumir una nueva identidad de hombre guapo normal.

Ficción y realidad se van fundiendo en la mente de Edward y la propia película, que no obstante opta por la claridad expositiva y un soterrado cachondeo a costa del personaje de Sebastian Stan, que está ciertamente arrebatador como un hombre frustrado que sufre la verdadera marginación una vez su rostro se vuelve normal.

Los papeles de víctima y héroe se intercambian, y A different man empieza a dialogar de una manera distinta para cada espectador a medida que reflexiona sobre cómo el papel de héroe y el de víctima son, a su manera, cárceles de oro para cada uno de ellos en el relato de nuestro biopic particular, y cómo todo lo que nos han contado podría ser un hipócrita manual de instrucciones implantado en nuestro subconsciente con destino a la infelicidad más mediocre que uno pueda imaginar.

Adam Pearson, uno de sus protagonistas, no tiene maquillaje alguno sobre su rostro, y que tan solo el citado Stan se pasea media película caracterizado a la manera de John Hurt en El hombre elefante o Eric Stoltz en Máscara.

La película de Aaron Schimberg, sin embargo, se aleja de todas las anteriores y prefiere jugar en términos de comedia negra, con el cine de David Cronenberg, o, sobre todo, la obra de Charlie Kaufman, en ese juego entre ficción y realidad, la extraña retroalimentación de ambas y cómo un individuo puede encontrar su propia cárcel en la tan ansiada normalidad.

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El cine español celebró ayer su fiesta anual en Granada, en el transcurso de una gala retransmitida por La 1 de TVE.

En la 39 edición de los Premios Goya se han entregado un total de 30 estatuillas, entre ellos, el Goya de Honor a la actriz Aitana Sánchez-Gijón y el Goya internacional a Richard Gere.

GOYA DE HONOR
Aitana Sánchez-Gijón
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Salva Reina por El 47
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Los Almendros, de Antón Álvarez y Yerai Cortés para La guitarra flamenca de Yerai Cortés.
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Arantxa Ezquerro, por La virgen roja.
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Laura Canals e Iván López Hernández, por El 47.
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Karmele Soler, Sergio Pérez Berbel y Nacho Díaz, por Marco.
MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Pepe Lorente, por La estrella azul.
MEJOR MONTAJE
Javi Frutos, por Segundo premio.
MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Edu Grau, por La habitación de al lado.
MEJOR SONIDO
Diana Sagrista, Eva Valiño, Alejandro Castillo y Antonin Dalmasso, por Segundo premio.
MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE
Javier Albariño, por La virgen roja.
MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Carlos Apolinario por el 47
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Alberto Iglesias, por La habitación de al lado.
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Mariposas negras, de David Baute, César Zelada, Edmon Roch y Marc Sabé.
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
La guitarra flamenca de Yerai Cortés, de Cristina Trena y Antón Álvarez.
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
La gran obra, de Àlex Lora y Lluís Quílez Sala
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Semillas de Kivu, de Carlos Valle, Néstor López Carlos Valle, David Pérez Sañudo, Iván Miñambres, Pepe Castro y Pilar Sancho.
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
Cafunè, de Carlos Fernández de Vigo, Lorena Ares, Damián Perea, Mintxo Díaz y Sergy Moreno
MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
Javier Macipe, por La estrella azul.
GOYA INTERNACIONAL
Richard Gere
MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Laura Weissmahr, por Salve Maria.
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
Ainda estou aqui de Walter Salles (Brasil)
MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Emilia Pérez (Francia), de Jacques Audiard, Pascal Caucheteux, Valérie Schermann y Anthony Vacarello.
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Clara Segura por El 47
MEJOR GUION ADAPTADO
Pedro Almodóvar, por La habitación de al lado.
MEJOR GUION ORIGINAL
Eduard Sola, por Casa en llamas.
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Eduard Fernández, por Marco
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Carolina Yuste, por La infiltrada
MEJOR DIRECCIÓN
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez por Segundo premio
MEJOR PELÍCULA (ex aequo)
El 47 y La Infiltrada

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Texto y Fotografías: Propiedad de la Academia de Ciencias Cinematográficas de España.

Durante la noche de la víspera de Reyes, una fuerte tormenta de nieve llamada Mikaela asola todo España. Leo, un policía a punto de jubilarse, se encuentra en una autopista completamente colapsada donde un grupo de ladrones aprovecha para atracar un furgón lleno de dinero que se ha quedado atascado.

Ante la falta de medios para que la policía pueda llegar ahí, los cuerpos de seguridad no tienen otra opción que llamar a Leo para que intente frenar el golpe hasta que los agentes puedan llegar a la zona.
Leo no tiene nada que perder, pero la familia que le está esperando para celebrar el final de las Navidades sí. Mientras está acercándose al furgón, Leo se topa con una joven que se anima a ayudarle en esta difícil tarea. Así, ambos intentarán que los atracadores no huyan con el botín en una persecución contrarreloj por una ciudad cubierta de nieve.

Esta película está dirigida por Daniel Calparsoro (‘Hasta el cielo’ o ‘Todos los nombres de Dios’) y protagonizada por Antonio Resines (‘Los Serrano’) en el papel de Leo; y Natalia Azahara (‘A través de mi ventana’) como la joven que ayuda al protagonista.
Les acompañan en el reparto Roger Casamajor, Pavel Anton, Cristina Kovani y Adriana Torrebejano (‘La sombre de la ley’) como la policía encargada de coordinar la operación.

Película entretenida, como suele ser habitual en la obra de Calparsoro.

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París, 1887. En una sociedad en rápida evolución, el duelo es el último lugar donde uno puede defender su honor. Clément Lacaze, carismático maestro de esgrima, se encuentra atrapado en una espiral de violencia destructiva. Conoce a Marie-Rose Astié, una feminista adelantada a su tiempo, y decide enseñarle el complejo arte del duelo. Enfrentarán provocaciones y se unirán para defender su respectivo honor.

La película ubica al espectador en la ciudad de París del siglo XIX. Desde hace doscientos años el duelo es ilegal en Francia. Sin embargo, todavía hay fervientes seguidores de este arte que lo emplean de manera eventual. Clément Lacaze (Roschdy Zem) es un profesor de esgrima que presencia cómo su alumno pierde en un duelo y termina muriendo por un accidente.

Desde entonces, busca redimir sus acciones. Un día toma la decisión de crear el primer club de esgrima femenino, aspecto que resulta ser objeto de burla entre los parisinos, pues una mujer no puede batirse en duelo con un hombre.

Pese a ello, Marie-Rose (Doria Tillier), su alumna, decide aceptar el reto y combatir contra alguien. De ahí que alumna y profesor entrenen juntos desde ese momento, llegando incluso a comenzar a mostrar síntomas de una posible historia de amor entre ambos.

El profesor de esgrima es una película francesa dirigida por Vincent Perez (‘Cartas de Berlín’), quien la coescribe junto a Karine Silla (‘Un baiser papillon’).
El reparto es completado por Guillaume Gallienne, Damien Bonnard (Ferninand Massat), Vincent Perez (Louis Berchère), Noham Edje (Adrien Lacaze), entre otros.

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