Esther García, independencia, riesgo y excelencia en la producción

Siempre con la independencia, el riesgo y la excelencia como señas de identidad, Esther García (Cedillo de la Torre, Segovia, 1956) ha trabajado en más de un centenar de producciones. En 1986 se enroló en la productora El Deseo, creada un año antes por los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, pero antes había participado como secretaria, ayudante o jefa de producción en películas como Pim, pam, pum… ¡Fuego! (Pedro Olea, 1975), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián; Siete chicas peligrosas (Pedro Lazaga, 1979), Sé infiel y no mires con quién (Fernando Trueba, 1985), El año de las luces (Fernando Trueba, 1986), La vida alegre (Fernando Colomo, 1987) o El juego más divertido (Emilio Martínez Lázaro, 1988). También colaboró en series como Curro Jiménez, que contó con directores como Mario Camus, Pilar Miró o los hermanos Romero Marchent, y Los pazos de Ulloa (Gonzalo Suárez), además de en gran parte de la obra de Mariano Ozores.

Pero a partir de su primera colaboración con Pedro Almodóvar en la película Matador (1986) ha sido una pieza fundamental en todos los proyectos posteriores del director manchego, que en la pasada edición del Festival de San Sebastián recibió también el Premio Donostia. Su nombre aparece asociado al de los Almodóvar en películas como La ley del deseo (1987), que dio nombre a la productora, o Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), que optó al Oscar a la mejor película extranjera; un galardón que logró una década después con Todo sobre mi madre (1999). Además de La flor de mi secreto (1995), proyectada en la Sección Oficial de San Sebastián fuera de concurso, otros títulos en común son Hable con ella (2002), que brindó a Pedro Almodóvar el Oscar al mejor guion original; La mala educación (2004), que inauguró Cannes; y Volver (2006), que consiguió en el festival galo los premios al mejor guion y a la mejor interpretación femenina para todo el reparto antes de conseguir cerca de un centenar de galardones, entre ellos el FIPRESCI en San Sebastián.

Regresaron a Cannes con Los abrazos rotos (2009), La piel que habito (2011), Julieta (2016) y Dolor y gloria (2019), con la que Antonio Banderas conquistó el Premio al mejor actor. Penélope Cruz ganó el galardón a la mejor actriz con Madres paralelas (2021) en Venecia, donde La habitación de al lado (2024) se hizo con el León de Oro, máximo galardón del festival italiano. Tras esta película, que fue la Proyección Premio Donostia programada tras la gala dedicada el año pasado a Almodóvar, llegará Amarga navidad, actualmente en desarrollo y que será el vigésimo largometraje producido por Esther García para Pedro Almodóvar. También ha producido sus cortometrajes La voz humana (2020) y Extraña forma de vida (2023).

Entre los numerosos galardones conseguidos por García se cuentan el Premio Nacional de Cinematografía, recogido en San Sebastián en 2018, el Fotogramas de Plata 2019 y seis Premios Goya: tres como directora de producción por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999) y La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet, 2005), y tres como productora por Volver (Pedro Almodóvar, 2006), Relatos salvajes (Damián Szifron, 2014) y Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019).

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NOTA: Fotografía y texto propiedad de la web oficial SSIFF.

El Festival de San Sebastián reconocerá con un Premio Donostia la trayectoria de la productora Esther García, figura clave en la internacionalización del cine español y latinoamericano, justo cuando se cumplen cuatro décadas de la creación de la compañía El Deseo. Además, el cartel oficial de la 73ª edición será un homenaje a la actriz Marisa Paredes, una de las estrellas más queridas del Festival desde su primera visita en 1977 y hasta su fallecimiento el pasado año.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha acogido hoy el acto de presentación de carteles, durante el cual el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la responsable de Comunicación, Ruth Pérez de Anucita, han desvelado la concesión del Premio Donostia a Esther García, productora de El Deseo con más de un centenar de títulos a sus espaldas.

Por octavo año consecutivo, una gran figura de la cinematografía contemporánea protagoniza un cartel que desde 2018 ha estado presidido por los retratos de Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem y Cate Blanchett. El póster de este año con la imagen de Marisa Paredes ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai a partir de una instantánea tomada por el fotógrafo Manuel Outumuro en Madrid en el año 2000.

Marisa Paredes, medio siglo de vínculo con el Festival de San Sebastián

Dotada de una singular elegancia y presencia escénica, Marisa Paredes (Madrid, 1946-2024) trabajó en más de 75 largometrajes durante una carrera repleta de personajes complejos y de gran fuerza dramática. Su carrera está asociada a directores como Fernando Trueba, Montxo Armendáriz, Jaime Chávarri, Agustí Villaronga y, sobre todo, Pedro Almodóvar, para quien trabajó en Entre tinieblas (1983), Tacones lejanos (1991), La flor de mi secreto (1995), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y La piel que habito (2011). Fuera del ámbito español, Paredes también actuó a las órdenes de cineastas como los mexicanos Arturo Ripstein y Guillermo del Toro, el chileno Raúl Ruiz, el italiano Roberto Benigni y el portugués Manoel de Oliveira.

Forjada en el teatro y la televisión de los años 60 y 70, la actriz estableció un sólido vínculo con el Festival de San Sebastián desde que en 1977 visitó el certamen por vez primera como parte del elenco de El perro, un filme de Antonio Isasi-Isasmendi, que concursó en la Sección Oficial. Posteriormente visitó el certamen con Tras el cristal (Zabaltegi, 1986), de Agustí Villaronga; Mientras haya luz (New Directors, 1987), de Felipe Vega, y Trois vies et une seule mort (Tres vidas y una sola muerte, 1996), obra de Raúl Ruiz incluida en Perlak, igual que Profundo carmesí (1996), de Arturo Ripstein.

Con el director mexicano repitió en El coronel no tiene quien le escriba (Made in Spanish, 1999), a la que siguieron Salvajes (New Directors, 2001), de Carlos Molinero; El espinazo del diablo (Made in Spanish, 2001), de Guillermo del Toro; Una preciosa puesta de sol (Made in Spain, 2003), de Álvaro del Amo; Dans le rouge du couchant / Red Dusk (Crepúsculo rojo, Sección Oficial, 2003), de Edgardo Cozarinsky; Frío sol de invierno (New Directors, 2004), de Pablo Malo, y Reinas (Made in Spain, 2005), de Manuel Gómez Pereira.

En la segunda década del siglo XXI visitó San Sebastián con As linhas de torres (Zabaltegi-Especiales, 2012), de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento; Querido Fotogramas (Made in Spain, 2018), de Sergio Oksman, y Petra (Perlak, 2018), de Jaime Rosales. Su última participación en el Festival tuvo lugar el año pasado, meses antes de fallecer a los 78 años, cuando participó en Made in Spain como parte del reparto del documental Mucha mierda (2024), de Alba Sotorra.

Premio Nacional de Cinematografía en 1996, Goya de Honor en 2018 y presidenta de la Academia de Cine entre 2000 y 2003, Marisa Paredes fue una de las grandes damas del cine español y, como tal, sus paseos por la alfombra roja del Festival o sus apariciones en las galas fueron frecuentes. En 1994, por ejemplo, entregó la Concha de Plata al mejor actor a Javier Bardem, y cinco años después recogió en nombre de Almodóvar el Premio FIPRESCI para Todo sobre mi madre. También otorgó los Premios Donostia a Ben Gazzara en 2005 y a Liv Ullmann en 2007, y entre ambas ediciones, en 2006, su imagen quedó asociada de por vida al Festival al protagonizar el cartel de su 54ª edición, caracterizada como el personaje de Rita Hayworth en el clásico The Lady From Shangai (La dama de Shanghai, 1947), de Orson Welles.

Por tanto, tal y como ha señalado José Luis Rebordinos, será la segunda vez que Marisa Paredes protagonice el cartel del Festival. “En 2006 fue representada como La dama de Shanghai y ahora, 19 años después, en una imagen bellísima que nos recuerda su grandeza como actriz y como persona. Y todo ello en una edición en la que uno de los Premios Donostia será para una mujer igualmente talentosa y valiente con quien Marisa trabajó en varias ocasiones, Esther García, una productora sin la que no se puede entender el cine español y latinoamericano de los últimos 40 años. Por ambos motivos, por este cartel y por este galardón, no podemos estar hoy más felices”, ha concluido.

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NOTA: Texto y fotografías propiedad de la web oficial del SSIFF

Los nuevos largometrajes de Arnaud Desplechin, Kentaro Hirase y Yutaro Seki, Agnieszka Holland, Milagros Mumenthaler y Alice Winocour competirán en la Sección Oficial de la 73ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 19 al 27 de septiembre.

Arnaud Desplechin (Roubaix, 1960) participará por primera vez en la Sección Oficial con Deux pianos / Two Pianos, en la que tras una larga ausencia un virtuoso pianista regresa a Lyon, su ciudad natal, para vivir una historia de amor imposible. El reparto del filme incluye a François Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte Rampling e Hippolyte Girardot. Desde su debut con La sentinelle / The Sentinel (1992), el cineasta galo ha competido en numerosas ocasiones en Cannes y en otros festivales internacionales. En 2009 San Sebastián programó Rois et reine / Kings and Queen (Reyes y reina, 2004) en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, Perlak recuperó Trois souvenirs de ma jeunesse / My Golden Days (Tres recuerdos de mi juventud, 2015) tras su paso por la Quincena de Cineastas y Spectateurs! / Filmlovers (2024) formó parte de Zabaltegi-Tabakalera, programada antes en Cannes fuera de concurso.

El tándem formado por Kentaro Hirase (San Francisco, 1986) y Yutaro Seki (Kanagawa, 1987), que codirigieron Miyamatsu to Yamashita / Roleless (New Directors, 2022) con Masahiko Sato, concursarán en la Sección Oficial con su segundo largometraje, la producción japonesa SAI / SAI: disaster. El actor Teruyuki Kagawa vuelve a ejercer de protagonista en este oscuro relato en el que un hombre misterioso irrumpe trágicamente en las vidas de distintas personas a las que se aparece adoptando diferentes identidades.

Agnieszka Holland (Varsovia, 1948) concursará por tercera vez en la Sección Oficial con Franz (Franz Kafka), una coproducción de la República Checa, Alemania y Polonia que narra la vida del escritor Franz Kafka desde su nacimiento hasta su muerte. Holland, que ya optó a la Concha de Oro con Total Eclipse (Vidas al límite,1995) y Copying Beethoven (2006), dio sus primeros pasos en el Festival de San Sebastián, en cuya sección Nuevos Creadores participó con el filme colectivo Zdjecia próbne / Screen Tests (1978). Entre sus películas más reconocidas figuran también Bittere Ernte / Angry Harvest (Amarga cosecha, 1986) y Europa Europa (Zabaltegi, 1990), candidatas al Oscar a la Mejor película extranjera y al Mejor guion adaptado respectivamente, además de otras como Olivier, Olivier (1992), The Secret Garden (El jardín secreto, 1993) o Green Border (2023), que ganó el Premio Especial del Jurado en Venecia. 

La cineasta argentina Milagros Mumenthaler (Córdoba, 1977) debutará en la competición donostiarra con su tercer trabajo, Las corrientes / The Currents, una coproducción de Suiza con Argentina protagonizada por Isabel Aimé González Sola en el papel de una mujer enfrentada a un pasado que creía haber dejado atrás. El Festival de Locarno acogió los estrenos de sus dos primeras películas, Abrir puertas y ventanas / Back to Stay (2011), que ganó el Leopardo de Oro, y La idea de un lago / The Idea of a Lake (2016), que en 2013 fue uno de los proyectos del Foro de Coproducción Europa-América Latina. Ambas formaron parte de la programación de Horizontes Latinos.

La cineasta Alice Winocour (París, 1976), que ganó el Premio Especial del Jurado en San Sebastián con Proxima (Próxima, 2019), regresará a la competición con su quinta película, Couture, coproducción franco-estadounidense ambientada en el mundo de la moda con Angelina Jolie y Louis Garrel como protagonistas. Con su debut, Augustine (2012), la directora gala concursó en la Semana de la Crítica de Cannes. Volvió al mismo Festival con Maryland (Disorder: El protector, 2015), que participó en Un Certain Regard, y con Revoir Paris / Paris Memories (Memorias de París, 2022), que hizo lo propio en la Quincena de Cineastas.  

Estos títulos se suman a las cuatro producciones españolas anunciadas anteriormente y que también competirán en la Sección Oficial: Maspalomas, de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi; Historias del buen valle / Good Valley Stories, de José Luis Guerin; Los Tigres, de Alberto Rodríguez, y Los domingos / Sundays, de Alauda Ruiz de Azúa. En las próximas semanas se anunciará el resto de los largometrajes incluidos en la competición.

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NOTA: Texto y fotografías propiedad de la web oficial del SSIFF.

El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 73ª edición a la guionista Lillian Hellman.

La autora estadounidense trabajó junto a William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle y George Roy Hill, entre otros cineastas.

La guionista Lillian Hellman, nombre esencial del Hollywood clásico que trabajó junto a cineastas como William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle o George Roy Hill, protagonizará la retrospectiva de la 73ª edición del Festival de San Sebastián. Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca, en colaboración con Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre Hellman escrito por tres autoras y centrado en todas las vertientes de su carrera.

Lillian Hellman (1905-1984) ha sido durante años un absoluto enigma. La dramaturga, novelista y guionista estadounidense vivió épocas convulsas, de la Gran Depresión a la caza de brujas macarthista, tiempos reflejados a lo largo de una obra que, aun resultando misteriosa, también ha sido muy reivindicada, sobre todo en su vertiente cinematográfica. El Festival de San Sebastián se propone celebrar su trabajo con esta retrospectiva que incluye toda su obra para cine, esencial para entender evoluciones estilísticas, temáticas e ideológicas en el Hollywood desde los años 30 hasta los 60.

Con solo enumerar tres de las películas en las que estuvo implicada, ya sea como guionista de textos ajenos o adaptando sus propias piezas teatrales, está todo dicho: The Little Foxes (La loba, 1941), film de William Wyler con guion de Hellman a partir de su propia obra teatral y con Bette Davis como protagonista; The Children’s Hour (La calumnia, 1961), otro trabajo de Wyler que parte de una compleja pieza de la escritora sobre los rumores falsos que atañen a dos profesoras de escuela (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine), en el que ella también participó como guionista; y The Chase (La jauría humana, 1966) de Arthur Penn, notable radiografía de la violencia y racismo extendidos en la sociedad del sur estadounidense, que Hellman escribió a partir de la novela de Horton Foote con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en el reparto.

Con William Wyler estableció una buena relación, ya que además de los dos filmes citados, dirigió These Three (Esos tres, 1936), la primera versión de la pieza The Children’s Hour que director y escritora volverían a acometer en La calumnia: es un insospechado, por moderno, estudio de caracteres en el que la calumnia se ceba en dos profesoras a las que una niña acusa de tener relaciones. La loba, como La jauría humana, está ambientada en un sur déspota y esgrime otro espléndido retrato de personajes arribistas. Hellman y Wyler también colaboraron en Dead End (1937), película que combina drama social con cine negro.

Hellman había debutado en el cine como guionista en 1935 con The Dark Angel (El ángel de las tinieblas), de Sidney Franklin, un melodrama romántico apuntalado en los efectos emocionales de la posguerra. Su trayectoria en el cine corrió en paralelo a la teatral y a la escritura de varios libros de memorias donde alternó ficción y realidad. Situada en el centro de varios debates, inventó nuevos conceptos en la dramaturgia estadounidense, tuvo una bien aireada rivalidad con la novelista Mary McCarthy y mantuvo siempre posturas de izquierdas.

En la vertiente ideológica fue crucial su relación con Dashiell Hammett. El autor de novelas fundamentales del género negro como Cosecha roja o El halcón maltés, comprometido con la izquierda y con el Partido Comunista americano, está bien presente en uno de los libros de memorias de Hellman, Pentimento (1973). Fue llevado al cine por Fred Zinnemann en Julia (1977), con Jane Fonda como Hellman, Jason Robards en el papel de Hammett y Vanessa Redgrave como Julia, la amiga de infancia de la escritora con la que retoma su amistad en Viena durante los tiempos inclementes del auge del nazismo. Su tercer libro autobiográfico, Scoundrel Time (Tiempo de canallas, 1976), se centra en el periodo de la caza de brujas y el comité de actividades antiamericanas. La actriz Kathy Bates dirigió en 1999 el telefilme Dash and Lilly, centrado en la relación entre Hammett y Hellman.

Participó, como adaptadora o como adaptada, en películas de Lewis Milestone –The North Star (1943)–, William Dieterle –The Searching Wind (1946)–, Michael Gordon –Another Part of the Forest (1948)– y George Roy Hill – Toys in the Attic (Cariño amargo, 1963)–, y también colaboró, aunque sin acreditar, en una de las películas fundamentales de la izquierda cinematográfica: The Spanish Earth (Tierra de España, 1937), documental de Joris Ivens sobre la Guerra Civil española en cuya escritura participaron igualmente Ernest Hemingway y John Dos Passos.

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NOTA: Texto y fotografías son procedencia de la web del SSIFF.

Florence quiere presentar a David, el hombre del que está locamente enamorada, a su padre Guillaume. Pero David no se siente atraído por Florence y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy. Los cuatro se reúnen en un restaurante en medio de la nada.

Lo nuevo de Dupieux es, al mismo tiempo, un metacomentario sobre el mundo de los actores, una parodia del estado del cine actual y una broma de varias capas. De hecho, comienza como una comedia romántica de equívocos pero enseguida muestra sus verdaderas cartas entre copas de vino que se llenan con temblor, disparos inesperados.

Este filme tiene un problema principal: una vez que el ingenioso inicio está planteado y ha prendido la mecha, no sabe cómo desarrollarlo, convirtiendo el grueso de la película en un continuo círculo que celebra su propia originalidad hasta llegar a una hora y cuarto de metraje que, en su gran mayoría, se siente de puro relleno.

Sí, hay momentos fascinantes, pero esta vez no consigue que los espectadores quieran jugar con él tras escuchar minutos y minutos de conversaciones que parecen semi-improvisadas y no terminan de encontrar su propio lugar y estilo. Está claro lo que intenta hacer, pero su doble apuesta no le sale bien del todo.

Dupieux ha juntado a un reparto de élite con lo mejor del cine francés: Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel y Raphaël Quenard están todos fastásticos en sus papeles, interpretando al mismo personaje hasta con tres tonos completamente diferentes entre sí.

Lindon, en particular, ofrece unos matices soberbios, ofreciendo una actuación caradura, pero al mismo tiempo repleta de sensibilidad que eleva el peso de un cuarteto que, ante todo, ha entrado en la película para pasárselo bien.

Lástima que ese entusiasmo actoral no cale en el público.

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«The quiet son», de Delphine Coulin y Muriel Coulin, ha sido galardonada con el Premio a la Mejor Película de la novena edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST).

El film narra los peligros del auge de la extrema derecha, en un drama familiar protagonizado por Vincent Lindon y Benjamin Voisin.

El palmarés completo del BCN FILM FEST 2025 es el siguiente:

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA

«The quiet son» de Delphine Coulin y Muriel Coulin

PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN

Alissa Jung por “Paternal Leave”

PREMIO AL MEJOR GUION

Lilja Ingolfsdottir por “Adorable”

PREMIO AL MEJOR ACTOR

Grégory Gadebois por «La primera escuela»

PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ

Alexandra Lamy por «La primera escuela»

PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICA

Marc Parrot por «La Furgo”

PREMIO AL MEJOR MONTAJE

Anja Siemens por «Köln 75”

PREMIO DE LA CRÍTICA (ACCEC)

«Köln 75» de Ido Fluk

PREMIO NOUS TALENTS AL MEJOR CORTOMETRAJE

«Espiral» de Sara Hernández Rodríguez

LA CASA DEL CINE

El festival ha tenido más de 24.000 espectadores, lo que supone un 20% de incremento respecto al año anterior. 

Sílvia Munt, Sergi Belbel y Jose Corbacho han formado el Jurado Oficial de esta edición.

El BCN FILM FEST 2025 ha contado con:

– 84 películas de las cuales: 17 premières mundiales, 1 internacional, 1 europea, 19 españolas y 18 catalanas.

– 51 presentaciones y coloquios con presencia del talent, entre otros, de Richard Gere, Ralph Fiennes, Barbie Ferreira, Ferzan Özpetek, Milena Smit, Susi Sánchez, Éric Besnard, Eran Riklis, Pau Freixas, Manolo Solo, Manuela Vellés o Carlos Cuevas.

– 6 actividades paralelas en las diferentes sedes del festival, entre ellas:

– Jornada de Guionistas e Industria con dos mesas redondas:

Guion y Sostenibilidad

Montaje y Guion a partir de las películas «La Furgo» y «Cuatro paredes»

– CINEMA TALKS by ESCAC

– 6 sedes del Festival: Cinemes Verdi, CaixaForum, Casa Seat, Institut Français, Ateneu Barcelonès y Biblioteca Jaume Fuster.

– 2a edición del Screen International Award for Catalan Producer of the Year.

La décima edición del BCN FILM FEST se celebrará del 16 al 24 de abril de 2026.

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Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar.

La nueva película de ciencia ficción de Bong Joon Ho, ‘Mickey 17’, ha resultado ser el mayor fracaso de taquilla de 2025 hasta la fecha. A pesar de recibir críticas mayormente positivas, la producción no logró atraer al público y ahora enfrenta pérdidas estimadas en más de 100 millones de dólares. Ante la falta de ingresos en cines, Warner Bros. Discovery ha decidido adelantar su estreno en plataformas digitales a solo 18 días de su debut en salas, una medida poco común para una superproducción de este calibre.

La película, protagonizada por Robert Pattinson y basada en la novela Mickey7 de Edward Ashton, fue producida con un presupuesto de 118 millones de dólares, a lo que se sumaron 80 millones en costos de publicidad y promoción, elevando el costo total a 198 millones de dólares. Para alcanzar el punto de equilibrio, el filme debía recaudar más de 300 millones a nivel global.

El elenco, que incluye a Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette y Mark Ruffalo, no fue suficiente para garantizar el éxito comercial. La propuesta de ciencia ficción, con su historia sobre un clon desechable en una misión espacial, parece no haber conectado con el público general. A esto se suma una estrategia de marketing que no logró generar suficiente entusiasmo para atraer a los espectadores a las salas de cine.
Con pérdidas que podrían superar los 100 millones de dólares, ‘Mickey 17’ se posiciona como el mayor fracaso de Warner Bros. en 2025 hasta el momento. Resta por ver si su llegada a las plataformas digitales logrará recuperar parte de la inversión o si quedará como uno de los mayores tropiezos financieros en la industria cinematográfica del año.

Inmenso fracaso del director de la exitosa PARÁSITOS.

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El médico, el musical basado en la exitosa novela de Noah Gordon, vuelve a la capital aragonesa para cerrar su gira nacional. Tras recorrer Barcelona, Sevilla, El Ejido y Torrevieja, elige Zaragoza para finalizar su temporada. Podrá verse en el Teatro Principal de Zaragoza del 01 al 18 de mayo.

El musical comenzó su andadura en Madrid en octubre de 2018, donde tuvo dos exitosas temporadas consecutivas y atrajo a más de 325.000 espectadores. Tras la pandemia, retomó su viaje con una nueva producción de beon. Entertainment, iniciando una gira que se extendió de 2021 a 2023, que concluyó en Zaragoza. En 2024, comenzó su segunda gira nacional, que llegará a su fin en mayo, nuevamente en Zaragoza. Desde su estreno, ha sumado cerca de 900 funciones.

Está producido por Dario Regattieri, productor ejecutivo de Beon Entertainment, que ya ha llevado grandes títulos musicales a la ciudad como El tiempo entre costuras, La historia interminable o este mismo, El médico, durante su gira anterior. Todos ellos se han representado en el Teatro Principal y, los dos últimos títulos, supusieron en 2023 un hito de recaudación para la ciudad.

Se trata de la adaptación musical de la novela homónima de Noah Gordon, que trata la vida de Rob J. Cole, quien de niño descubre su don para predecir la muerte y se convierte en aprendiz de un cirujano barbero. Fascinado por la medicina, emprende un viaje a Persia para estudiar con el legendario Avicena. En Isfahan, debe hacerse pasar por judío y enfrentarse a la guerra, la peste y la ambición del Sha. Su pasión por la medicina, el amor y la amistad serán clave para su destino.

El icónico diseñador Lorenzo Caprile ha diseñado los más de 300 trajes y 650 complementos para la obra, aportando un toque de autenticidad y sofisticación que promete deslumbrar al público. Algunas telas importadas de India y China, hay telas de seda salvaje y algunas pintadas a mano. Además, muchos personajes requieren hasta 20 cambios de vestuario por función.

La producción cuenta con música compuesta por Iván Macías y el libreto de Félix Amador. Ha sido reconocido por su ambiciosa puesta en escena y la riqueza de sus detalles. El montaje original es de Ignasi Vidal y la dirección artística de Sebastián Prada. El equipo creativo se complementa con Marietta Calderón en la dirección de vestuario; María José Santos como directora vocal y supervisora artística; Felipe Ramos en el diseño de iluminación; Pablo Santos como director técnico; Amaya Galeote en la dirección coreográfica: Martí Costa como director musical; Josep Simón y Eduardo Díaz en el diseño de escenografía y Alejandro Martín en la dirección de sonido.

EL REPARTO:

Esta nueva versión del musical presenta un elenco de lujo, liderado por Fede Salles como protagonista interpretando el papel de Rob J. Cole. Alba Cuartero interpretará el papel de Mary; Joseán Moreno como Barber; Paco Arrojo interpretará al Sha; Sergi Albert será Avicena y cover de Barber; Beatriz de Teresa en el papel de Rob niño; Fernando Samper como Merlín-Qandrasseh y cover de Avicena; Laureano Ramírez en el papel de Mirdim; Adrián de Vicente como Karim y cover de Rob; María Jaraíz en el papel de Agnes; Miguel Ferrer, como Fritta y cover de Sha; Jordi Gràcia es padre de Mary-Vicerrector y cover Avicena y Franc de luna como Meir y cover de Rob J. Cole y Sha. Como elenco se cuenta con Pedro da Costa, Gisela Villamayor, Leyre Aranda, Cristina Salvador y Carmen Yagüe. Y como swings contarán con Imanol Fuentes, Pedro Estrada, Esther Santaella y Berta Butinyà.

Septiembre 5, que podríamos considerar una especie de precuela del filme de Spielberg, narra las 24 horas de angustia y horror que se vivieron en la villa olímpica muniquesa durante aquel fatídico secuestro. Y sin embargo, el nuevo trabajo del suizo Tim Fehlbaum tampoco va de eso. En una y otra son la excusa para abordar otras cuestiones, de tipo moral en el caso de Munich, y de tipo deontológico en Septiembre 5, otra excelente película, una de esas sorpresas que el cine nos regala en ocasiones.

Su propuesta narrativa está centrada en aquella jornada de septiembre que captó la atención de todo el mundo, pero desde el punto de vista de un grupo de periodistas que siguieron los hechos de cerca y tuvieron la profesionalidad, la valentía y el privilegio de contar cuanto sucedía, pese a las limitaciones técnicas de entonces.

Es más, cabe concretar que es una película sobre el periodismo, incluso sobre lo que deberíamos entender por buen periodismo, aunque salgamos perdiendo en la comparativa con el presente, donde la profusión de medios y los avances tecnológicos han contribuido de distinta manera a la forma de entender la profesión y la responsabilidad social de los medios de comunicación.

Probablemente hay momentos en los que el guion se excede al exigir tanto celo profesional a uno de los productores del programa, así como al precipitar los enfrentamientos dentro del propio equipo ante los dilemas a los que deben hacer frente durante el directo, pero el resultado es de una verosimilitud fuera de toda duda.
A destacar, especialmente, el gran trabajo que realizan Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin y Leonie Benesch.

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La gala de la 30º edición de los Premios José María Forqué comenzó con un premio cantado, el de mejor cortometraje para “La gran obra”, de Álex Lora; y, a continuación, el segundo galardón de la noche fue para “Mariposas negras”, de David Baute, como mejor largometraje de animación y, por tanto, se sitúa como favorita de cara a los Goya.

La gran sorpresa de la noche fue “El 47”, de Marcel Barrena, al ganar el premio Forqué a mejor largometraje en Educación y Valores y el premio a la mejor película española del año.

Los premios en interpretación fueron para Carolina Yuste, por “La infiltrada”, y para Eduard Fernández, por su trabajo en “Marco”.

Palmarés completo de los Premios José María Forqué 2024:

– Mejor Largometraje de Ficción: ‘El 47’, de Marcel Barrena.
– Mejor Interpretación Masculina: Eduard Fernández, por ‘Marco’.
– Mejor interpretación femenina: Carolina Yuste, por “La infiltrada”.
– Premio al Cine y Educación en Valores: ‘El 47’, de Marcel Barrena.
– Mejor Largometraje Documental: ‘Marisol, llámame Pepa’, de Blanca Torres.
– Mejor Largometraje de Animación: ‘Mariposas negras’, de David Baute.
– Mejor Película Latinoamericana del Año: ‘El lugar de la otra’, de Maite Alberdi.
– Premio del Público: ‘Casa en llamas’, de Dani de la Orden.
– Mejor Cortometraje Cinematográfico: ‘La gran obra’, de Àlex Lora.
– Mejor Serie: ‘Querer’, de Alauda Ruiz de Azúa.
– Mejor Interpretación Masculina en Serie: Pedro Casablanc, por ‘Querer’.
– Mejor Interpretación Femenina en Serie: Nagore Aranburu, por ‘Querer’.
– Medalla de oro: José Luis Garci (director, productor, guionista, crítico y presentador).

Por su parte, José Luis Garci ha querido aprovechar la ocasión para sumar a su sentido agradecimiento algunas reivindicaciones. “Me parece inaudito que no le hayan dado el Premio Nacional de Cinematografía o la Medalla de las Bellas Artes a Enrique Cerezo”.

Para quien quiera recoger el guante…

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