Once cineastas de Argentina, China, España, Estados Unidos, Francia, Georgia, Tailandia y Turquía presentarán sus primeros y sus segundos largometrajes en la sección New Directors del Festival de San Sebastián. Todas las películas, y alguna más que se anunciará en las próximas semanas, competirán por el Premio Kutxabank-New Directors.
Gülizar / Gulizar, coproducción entre Turquía y Kosovo acerca de una joven que sufre una agresión sexual antes de su boda, es el debut en el largometraje de la cineasta turca Belkis Bayrak (Estambul, 1984), que con los cortos Apartman / The Apartment (2018) y Cemile (2021) participó en numerosos certámenes internacionales.
Roschdy Zem y Bella Kim protagonizan Hiver à Sokcho / Winter in Sokcho (Invierno en Sokcho), primera película del director franco-japonés Koya Kamura (París, 1983), autor del cortometraje Homesick (2019). Esta coproducción entre Francia y Corea narra la historia de una joven coreana cuya vida se ve sacudida tras la llegada al país asiático de un artista francés.
Sivaroj Kongsakul (Bangkok,1980) se estrenó en el largometraje con Eternity (2010), proyectada en festivales como Busan, Rotterdam o Hong Kong. En su segundo trabajo, Regretfully at Dawn, el director tailandés cruza los destinos de un anciano, una niña y un joven soldado.
Brûle le sang / In the Name of Blood, coproducción entre Francia, Bélgica y Austria, es el primer trabajo del georgiano Akaki Popkhadze (Tbilissi,1991), autor de cortos como Je vois (2019) o Ici en silence tout hurle / In Silence Everything Roars (2023). Protagonizado, entre otros, por Nicolas Duvauchelle, Florent Hill-Chouaki y Denis Lavant, su debut está ambientado en Niza, donde muere asesinado un pilar de la comunidad georgiana.
Tras dirigir Walking in Darkness (2019), que se estrenó en la sección Bright Future del Festival de Rotterdam, el cineasta chino Yongkang Tang (Taiyuan, 1983) participará en New Directors con su segunda película, Stars and the Moon, en la que un niño de un pueblo de montaña pasa los días mirando al cielo confiado en ver extraterrestres.
Michael Tyburski (Nueva York, 1984), que debutó en el Festival de Sundance con The Sound of Silence (2019), concursará en la sección con su segundo filme, Turn Me On. Protagonizado por Bel Powley y Nick Robinson y escrita por Angela Bourassa, esta comedia romántica de ciencia ficción transcurre en una comunidad new age donde todas las personas deben tomar una pastilla diaria que anula cualquier emoción humana.
Estas películas se suman a otras con producción española anunciadas previamente. Por un lado, podrán verse los debuts La guitarra flamenca de Yerai Cortés, filme de Antón Álvarez (C. Tangana) que inaugurará New Directors, y Por donde pasa el silencio / Where the Silence Passes, de Sandra Romero, y por otro, dos segundos largometrajes: La llegada del hijo / The Arrival of the Son, de Cecilia Atán y Valeria Pivato (La novia del desierto), y Azken erromantikoak (Los últimos románticos), de David Pérez Sañudo (Ane).
Todas las películas optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado del Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los trabajos correspondientes a la sección de New Directors son candidatos también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es un ejemplo de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en el resto de secciones, incluida la Sección Oficial, y también se muestran primeros trabajos en Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo.
La «frontera verde» es el territorio que separa Bielorrusia de Polonia, una zona de bosques y pantanos en las que desde 2021 se libra una particular confrontación entre la UE y el dictador Lukashenko, que tiene como protagonistas a miles de inmigrantes procedentes de zonas en conflicto en Oriente Medio. Green Border pone imágenes a esta crisis a través de una historia coral en la que conocemos la mirada de distintos protagonistas envueltos en el conflicto, en especial a través de una familia siria, un soldado polaco destinado a la frontera, y una activista que trata de velar por los derechos humanos en medio de la crisis.
Esto es precisamente lo que deja ver también en Green Border, una película que supone una toma de conciencia ante la complejidad de un conflicto en el que, como casi siempre, los más vulnerables se llevan la peor parte.
La decisión estilística de rodar en blanco y negro hace aún más opresiva la situación de los inmigrantes que son arrojados, literalmente, como pelotas de tenis a través de la alambrada que separa Polonia de Bielorrusia, así como su supervivencia en los bosques.
Contar la historia desde tres puntos de vista y con múltiples personajes es también una decisión arriesgada, que en este caso funciona y ayuda a comprender de una manera más humana el conflicto. Su posicionamiento humanitario es claro, y se agradece, ante la dureza de una historia que se agrava al saber que aún persiste. Son menos explícitas las razones que llevan a los gobiernos de la UE a tratar de frenar la ola migratoria con la que se trató de desestabilizar a Europa por parte de Bielorrusia y Rusia, así como la mirada global al conflicto.
Nueva gran película de una directora de cine con una extraordinaria trayectoria.
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy en Madrid el anuncio de 17 títulos de producción española (12 largometrajes, un mediometraje, un corto y tres series) que podrán verse entre el 20 y el 28 de septiembre en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Velódromo de la 72ª edición del Festival de San Sebastián.
Soy Nevenka / I’m Nevenka, la historia real de una concejala que pagó un alto precio por atreverse a denunciar el acoso del alcalde, supondrá la quinta participación de Iciar Bollain (Madrid, 1967) en la Sección Oficial. La autora de Te doy mis ojos / Take My Eyes (2003), Mataharis (2007), Yuli (2018) y Maixabel (2021), que recibieron distintos premios en San Sebastián, volverá a optar a la Concha de Oro con este filme que protagonizan Mireia Oriol y Urko Olazabal. El Festival también ha programado trabajos de Bollain en Proyecciones Especiales, que incluyeron En tierra extraña / In a Foreign Land (2014), y en Made in Spain, que acogió, entre otras, Hola, ¿estás sola? (1996); Flores de otro mundo / Flowers From Another World (1999), galardonada en la Semana de la Crítica de Cannes; Katmandú, un espejo en el cielo / Kathmandu Lullaby (2012), y La boda de rosa / Rosa’s Wedding (2020).-
La Sección Oficial acogerá también El llanto / The Wailing, estreno como director de Pedro Martín-Calero (Valladolid, 1983), autor de cortometrajes y numerosos trabajos para la industria musical y publicitaria. Su debut en el largometraje está escrito junto a Isabel Peña, coguionista habitual de Rodrigo Sorogoyen en títulos como Que Dios nos perdone / May God Save Us (Sección Oficial, Premio del Jurado al mejor guion, 2016), El reino / The Realm (Sección Oficial, 2018) o As bestas / The Beasts (Perlak, Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián a la mejor película europea, 2022). En El llanto, coproducción de España con Argentina y Francia, Ester Expósito, Mathilde Ollivier y Malena Villa interpretan a tres mujeres que, en momentos distintos del tiempo y conectadas sin saberlo, se enfrentan a una amenaza que las trasciende.
Pilar Palomero (Zaragoza, 1980) presentará su tercer largometraje, Los destellos / Glimmers, inspirado en Bihotz handiegia (Un corazón demasiado grande), relato de la escritora Eider Rodríguez. Patricia López Arnáiz, Antonio de la Torre, Marina Guerola y Julián López encabezan el reparto de esta historia sobre una mujer que acepta la tarea de cuidar a su exmarido enfermo pese a llevar más de una década separados. La ópera prima de Palomero, Las niñas / Schoolgirls (Made in Spain, 2020), se estrenó en Generation Kplus del Festival de Berlín y ganó la Biznaga de Oro a la mejor película en Málaga y los premios Goya a la mejor película, mejor dirección novel, mejor guion original y mejor fotografía. Su segunda película, La Maternal, concursó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en 2022 y brindó a Carla Quílez la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista (ex aequo con Paul Kircher).
Por su parte, Albert Serra (Banyoles, 1975) participará por primera vez en la Sección Oficial con Tardes de soledad, una película de no ficción en torno a la tauromaquia que aborda los estados mentales y espirituales que el torero experimenta en el ruedo. Desde sus inicios Serra ha sido seleccionado en citas como la Quincena de Cineastas de Cannes, donde presentó Honor de cavalleria (Made in Spain, 2006) y El cant dels ocells / Birdsong (Made in Spain, 2008). Con Història de la meva mort (Historia de mi muerte, 2013) se alzó con el Leopardo de Oro del Festival de Locarno. También logró el Grand Prix en el FIDMarseille con Roi Soleil (2016) y Liberté (2019) le granjeó el Premio Especial del Jurado en Un Certain Regard del Festival de Cannes, en cuya Sección Oficial compitió con Pacifiction (Made in Spain, 2022). La Sección Oficial incluirá una serie fuera de competición. Alauda Ruiz de Azúa (Barakaldo, 1978) presentará Querer, que narra la historia de una mujer que tras 30 años de matrimonio rompe con su marido y le denuncia por violación continuada. Nagore Aranburu protagoniza esta miniserie de cuatro episodios en cuyo reparto también figuran Pedro Casablanc, Miguel Bernardeau, Iván Pellicer y Loreto Mauleón. Se trata del nuevo trabajo de Ruiz de Azúa, que presentó su primer largometraje, Cinco lobitos / Lullaby (Clausura Zinemira, 2022), en la sección Panorama de la Berlinale antes de triunfar en el Festival de Málaga, donde obtuvo la Biznaga de Oro a la mejor película española, las Biznagas de Plata a la mejor actriz (Laia Costa y Susi Sánchez) y al mejor guion, así como el premio del público, y en los Goya, donde fue reconocida como mejor directora novel.
Por otro lado, dentro de Proyecciones Especiales Yo, adicto / I, Addict contará en seis episodios, el relato de superación del libro homónimo escrito por Javier Giner (Barakaldo, 1977). Giner, a quien encarna el actor Oriol Pla, es también cocreador de la serie junto a Aitor Gabilondo (San Sebastián, 1974), autor de Patria (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2020). En el elenco artístico de Yo, adicto también destacan, entre otros nombres, Nora Navas, Omar Ayuso, Victoria Luengo, Alex Brendemühl, Ramón Barea, Marina Salas e Itziar Lazkano. Javier Giner y Elena Trapé (Barcelona, 1976), autora de Blog (New Directors, 2010), Les distàncies / Distances (Las distancias, Made in Spain 2018) y Els encantats (Los encantados, Made in Spain 2023), dirigen los seis episodios de la serie (tres cada uno).
Las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial también acogerán fuera de concurso el nuevo largometraje de Paula Ortiz (Zaragoza, 1979), directora de títulos como La novia / The Bride (Zabaltegi, 2015) o Teresa (2023). La virgen roja / The Red Virgin, protagonizada por Najwa Nimri, Alba Planas, Aixa Villagrán, Patrick Criado y Pepe Viyuela, revisita una historia real acontecida en la España de los años 30, donde una joven llamada Hildegart es concebida y educada por su estricta madre para convertirse en la mujer del futuro.
La sección New Directors será inaugurada por La guitarra flamenca de Yerai Cortés, el estreno como director de Antón Álvarez (Madrid, 1990) más conocido, en su faceta musical, como C. Tangana. Tras protagonizar Esta ambición desmedida / This Excessive Ambition -que tuvo su estreno mundial en el Festival de San Sebastián (Velódromo, 2023)-, proyecto documental firmado por Little Spain, en esta no ficción, Álvarez utiliza la música de Yerai Cortés como vehículo para sumergir al espectador en la historia personal del guitarrista, desvelar un gran secreto familiar y superar los fantasmas del pasado.
Cecilia Atán (Buenos Aires, 1978) y Valeria Pivato (Buenos Aires, 1973), que mostraron La novia del desierto / The Desert Bride (2017) en Horizontes Latinos tras su estreno en Un Certain Regard del Festival de Cannes, también concursarán en New Directors con su segundo trabajo juntas, La llegada del hijo / The Arrival of the Son, sobre el reencuentro de una madre con su hijo tras su salida de prisión. En el reparto figuran Maricel Álvarez, Angelo Mutti Spinetta, Cristina Banegas y Greta Fernández.
David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987) regresará a New Directors, donde ya presentó Ane / Ane Is Missing (2020), ganadora del Premio Irizar al cine vasco y de los Goyas al mejor guion adaptado, a la mejor actriz protagonista y a la mejor actriz revelación. Su segundo largometraje, Azken erromantikoak (Los últimos románticos), está basado en la novela homónima de Txani Rodríguez y está protagonizado por Miren Gaztañaga, que da vida a una mujer obligada a replantearse toda su existencia cuando le detectan un bulto en el pecho. Pérez Sañudo también es autor de varios cortometrajes, algunos programados en Zinemira-Kimuak, y de la serie Alardea / Boast (Alarde, Gala EITB, 2020). Además, en 2023 fue uno de los cineastas residentes en el programa Ikusmira Berriak, donde estuvo desarrollando el proyecto La última noche de un Erasmus en Roma / An Erasmus Student’s Last Night in Rome.
La cineasta andaluza Sandra Romero (Écija, 1993), ganadora en Málaga de la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección en la categoría de cortometrajes de ficción con Por donde pasa el silencio / Where the Silence Passes (2020), ha partido de esa misma historia y título para dirigir su debut en el largometraje, centrado en un joven que regresa a la casa familiar.
Entre los títulos de Horizontes Latinos que cuentan con producción española figura Los domingos mueren más personas / Most People Die on Sundays, con la que el debutante Iair Said (Buenos Aires, 1988) consiguió el año pasado el Premio de la Industria WIP Latam y el Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam. Said, que tiene experiencia como cortometrajista y actor, dirige y protagoniza la peripecia vital sobre un joven judío de clase media que vuelve de Europa a Buenos Aires por el fallecimiento de su tío. La pelicula estrenada en la sección ACID del Festival de Cannes.
Asimismo, figurará en la sección Horizontes Latinos, dedicada al cine latinoamericano, la película codirigida por Sofía Paloma Gómez (Santiago de Chile, 1985) y Camilo Becerra (Santiago de Chile, 1981), Quizás es cierto lo que dicen de nosotras / Maybe It’s True What They Say About Us, que también formó parte de los proyectos presentados el año pasado a WIP Latam. Este nuevo trabajo del tándem de cineastas cuenta la historia de una exitosa psiquiatra que recibe la visita de su hija mayor, quien estuvo aislada en una secta por mucho tiempo. La sección Zabaltegi-Tabakalera incluirá nuevamente en su programa un filme de Elena López Riera (Orihuela, 1982), Las novias del sur / Southern Brides. Se trata de un mediometraje estrenado recientemente en la Semana de la Crítica de Cannes, que fue reconocido con la Queer Palm, en el que un grupo de mujeres en edad madura hablan de matrimonio, amor y sexualidad. Los primeros cortos de López Riera participaron en citas como el Festival de Locarno o la Quincena de Cineastas de Cannes, donde más tarde presentó su debut en el largometraje, El agua / The Water (Zabaltegi-Tabakalera, 2022), tras ganar el premio a la postproducción en el programa de residencias Ikusmira Berriak y el Premio CNC de la Cinéfondation de Cannes.
Tras debutar con Sag Du Es Mir (2019), Michael Fetter Nathansky (Colonia, 1993) participará con su segundo trabajo, Alle die Du bist / Every You Every Me, una coproducción germano-española que en 2023 se alzó con los dos premios de WIP Europa del Festival de San Sebastián (bajo el título de Mannequins). El filme, estrenado en la sección Panorama de la Berlinale, cuenta la historia de una mujer que trabaja en una fábrica y que se enamora de un compañero.
También regresará a la sección más libre del Festival la cineasta Izibene Oñederra (Azkoitia, 1979), que en el cortometraje de animación Etorriko da (Eta zure begiak izango ditu) / When It Comes (It Will Have Your Eyes) / Está por venir (y tendrá tus ojos) retrata el colapso que sufre una comunidad a causa de una crisis ambiental. Oñederra, habitual del catálogo de cortos Kimuak, ha mostrado en Zabaltegi-Tabakalera trabajos como Hotzanak, for Your Own Safety (2013) y Lursaguak. Escenas de vida (2019), además de participar en distintos filmes colectivos.
Se estrena en España esta película que ya pudimos ver la prensa acreditada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Siguiendo, o como una continuación a su personaje en ‘Jo, ¡qué noche!’ (M. Scorsese, 1985), se muestra el actor Griffin Dunne en este múltiple retrato de la masculinidad en crisis que acaba siendo una comedia mucho menos dramática de lo que podría ser: la odisea en el piélago de las relaciones de tres hombres –un padre y sus dos hijos– que asisten impotentes a los nuevos rumbos vitales, sin un triste mapa que los oriente o les dé una pista de qué ruta seguir.
La dureza de este se torna en mirada comprensiva aquí, con un aire de melancolía que lo domina todo. Algo a lo que contribuye su trío protagonista, con un Dunne maduro pero no sabio. Pone en liza a tres familiares (abuelo octogenario, padre sexagenario e hijo treintañero) unidos por un nexo común, la separación matrimonial o simplemente la de pareja… sin papeles todavía por medio. Entre este terceto derivado en cuarteto por la aportación de otro familiar en discordia, el otro hijo que va relativamente por libre y con otra orientación, se establece un vínculo emocional trufado de pequeños pero reveladores momentos.
De eso va en esencia la vida y eso recoge condensada y atinadamente este segundo largometraje del talentoso cineasta estadounidense Noah Pritzker.
Ayer se clausuró la 52º edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, calificador para los Oscars y para los Goya, y entre su palmarés encontramos premios para los cortos españoles “La gran obra”, de Álex Lora, Danzante Iberoamericano ‘Cacho Pallero’; y “Aunque es de noche”, de Guillermo López, premio al mejor guion.
El cortometraje irlandés Calf de Jamie O’Rourke; el mexicano La cascada, de Pablo Delgado, y la coproducción de Irán y Reino Unido A move se han alzado con los Premios Danzante del 52º Festival Internacional de Cine de Huesca. Estas producciones se han impuesto en los concursos internacional, iberoamericano y documental respectivamente, consiguiendo así un premio en metálico de 5.000 euros y la preselección directa para los Oscar, gracias a que el certamen altoaragonés es uno de los seis en España que califican directamente para estos galardones.
El jurado del Concurso Internacional encumbra con su máximo reconocimiento a Calf de Jamie O’Rourke por un guion sorprendente que permite al espectador avanzar hacia una reflexión sobre la justicia, sobre la violencia y considerarlo técnicamente brillante, con una narrativa que permite cuestionar desde el cine la realidad, además de tener un guion redondo que respeta la estructura del cortometraje con una fotografía y una actriz Isabelle Connolly excepcionales.
El Premio Danzante Internacional de Animación es para Matta und Matto, dirigido por Bianca Caderas y Kerstin Zemp, de Suiza, por abordar temas como la dependencia, la necesidad de contacto humano usando el arte de la animación, para crear una realidad surrealista y absurda que actúa como una metáfora de nuestra condición humana. La Mención Valores Humanos ‘Francisco García de Paso’ es para la coproducción de Francia y Bélgica Pavane, por ser un cortometraje que muestra los desafíos sociales, no solo desde la lucha, sino dándole valor a lo humano y la cultura popular. Los cineastas Nata Moreno, de España y João Gonzalez, de Portugal, así como Eric Roux, presidente de la asociación “Sauve Qui Peut le Court Métrage” (entidad encargada de organizar el Festival de Clermont-Ferrand), encargados de decidir el palmarés en este apartado, han incluido también una Mención Especial para el cortometraje filipino Cross my heart and hope to die de Sam Manacsa, por ser un cortometraje que tiene una puesta en escena que genera un universo particular y original al servicio de la narración.
CONCURSO IBEROAMERICANO El jurado del Concurso Iberoamericano ha otorgado el Premio Danzante al cortometraje mexicano La Cascada, de Pablo Delgado por ser una obra original con una técnica y fotografía muy personal cuya historia metafórica abre un fuerte interrogante en el que las emociones conectan con las experiencias humanas. En el filme, el director muestra un profundo conocimiento de la técnica cinematográfica y usa un lenguaje audiovisual con libertad y precisión. El Danzante Iberoamericano ‘Cacho Pallero’ es para la española La gran obra, de Álex Lora. Una obra inteligente en la que la diferencia entre clases sociales se transforma en una exploración de nuestra capacidad de ir más allá de los prejuicios, de reconocer los malentendidos que generan una peligrosa ilusión de distancia entre una vida y otra. Como se detalla en al acta oficial del certamen, el tono está construido con maestría, el guion teje una red de engaños en torno al espectador, arrastrándolo a una tensión creciente que alcanza un evidente dilema moral. Además, el jurado integrado por la actriz española Aida Folch, Armando Casas, presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, y Luca Apolito, programador y responsable de relaciones culturales del Festival Internacional de Cine de Giffoni (Italia), ha querido otorgar Menciones Especiales a los cortometrajes Ruído da pele (Brasil) de Gustavo Milan y a La asistente (Perú) de Pierre Llanos.
EL MEJOR DOCUMENTAL La tercera de las categorías a concurso, la dedicada al Documental, ha premiado la coproducción de Irán y Reino Unido A move, de la iraní Elahe Esmaili. Cyndi Portella, responsable de programación de cortometrajes del Festival de Biarritz de América Latina; Jesús Garcés, realizador elegido por la revista ‘Forbes’ como uno de los 30 directores mexicanos más creativos de 2018, y la directora del Festival de Espiello, Patricia Español, han querido destacar la obra “por la elección de la directora de proponer un punto de vista íntimo de cómo lo político impregna las relaciones familiares en el contexto represivo actual en Irán. El acto de filmar se convierte en un elemento transformador y con amor y ternura nos hace partícipes de los desencuentros y encuentros de su entorno”. El Danzante Documental Iberoamericano ‘José Manuel Porquet’ es para la coproducción de España y Estados Unidos You play my father de Javier Marín, Guillermo Roqués y Rafa Honrubia, por ser una película necesaria que nos propone un juego de espejos en el que se refleja el doloroso proceso de reconciliación treinta años después del fin de la guerra de los Balcanes. Con una gran potencia visual, los protagonistas se desnudan emocionalmente, mostrando sus heridas y vulnerabilidades. El jurado ha querido igualmente hacer una mención especial para la española Aitana, de Marina Alberti, “por el gran valor artístico y poético del documental que nos conmovió y nos transportó a un lugar donde se desvanece la memoria”.
MEJORES ÓPERAS PRIMAS La 52ª edición del certamen oscense completa su listado de ganadores con las mejores óperas primas, uno de los aspectos que nunca se descuidan en la cita decana del séptimo arte en Aragón. Esta responsabilidad recae en el jurado joven que este año distingue en Iberoamericano a la española Las plantas no duermen, de Frederico Custódio por hablar de temas esenciales y controvertidos de la vida, como la eutanasia o enmendar errores del pasado, para enfrentarse a la muerte y encontrarse a sí misma. Dentro del concurso Internacional se decantan por Torn, coproducción de Suecia y Dinamarca, de Jahfar Muataz, porque a través de dos mundos distintos de un joven, se plantean los problemas de la pérdida y búsqueda de la identidad de forma realista. Mientras que en Documental optan por The veiled city, de Reino Unido y dirigida por Natalie Cubides-Brady, por su experimentalidad y expresividad a la hora de hablar de temas como la contaminación e industrialización. El palmarés se completa con el premio del público y el de mejor guion. El primero (patrocinado por Aragón TV) ha sido para Pequeño de Meka Ribera y Álvaro G. Company, mientras que el segundo es para el filme español Aunque es de noche de Guillermo García López por conseguir que el guion siga vivo en todas las fases de la elaboración de la película y por mantener un pálpito invisible en el relato que hace avanzar al conflicto y la emoción a través de una construcción redonda de los personajes.
Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público. La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.
Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro. Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.
BIOGRAFÍA DE CATE BLANCHETT
Cate Blanchett es una actriz de renombre internacional, productora, directora artística, filántropa y muy implicada con el sector cultural. Junto a sus socios Andrew Upton y Coco Francini, es cofundadora y directora de la productora de cine y televisión Dirty Films, que acaba de lanzar Proof of Concept, un programa que ofrece apoyo financiero, tutoría y visibilidad a cineastas emergentes. Blanchett produjo y protagonizó la premiada The New Boy (Perlak, 2023), de Warwick Thornton con su empresa. También estuvo tras el largometraje de Apple Original Films Fingernails (Esto te va a doler, Sección Oficial, 2023), de Christos Nikou, con Jessie Buckley, Riz Ahmed y Jeremy Allen White, y el premiado debut de Noora Niasari, Shayda, protagonizada por Zar Amir Ebrahimi.
Con Dirty Films ha producido Carol, de Todd Haynes, y Tár, de Todd Field; Apples, de Christos Nikou; Mrs America, miniserie de FX nominada a 10 premios Emmy; y ha producido y cocreado para Netflix la serie Stateless (Desplazados), ganadora de 13 premios AACTA. También ha creado y producido el premiado podcast original de Audible Climate of Change, y Evolver, una experiencia interactiva de realidad virtual que se estrenó en Tribeca y ha sido seleccionada para la primera competición inmersiva del Festival de Cannes de 2024.
Entre los trabajos como actriz de Blanchett se incluyen Tár, Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), Don’t Look Up (No mires arriba), Ocean’s 8, Thor: Ragnorok, Carol, Blue Jasmine, I’m Not There, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), Notes on a Scandal (Diario de un escándalo), The Life Aquatic (Life Aquatic), Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), la trilogía de The Lord of the Rings (El señor de los anillos) y The Hobbit (El Hobbit), The Good German (El buen alemán), The Aviator (El aviador), The Talented Mr Ripley (El talento de Mr. Ripley) y Elizabeth. Entre los innumerables premios que ha recibido cabe destacar cuatro BAFTA, dos Oscar, tres Globos de Oro y tres premios del Sindicato de Actores.
Entre 2008 y 2013 Blanchett trabajó junto a Andrew Upton como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la galardonada Compañía de Teatro de Sídney, con la que produjo 16 espectáculos al año en cuatro sedes, con giras nacionales e internacionales. Entre sus producciones más destacadas figuran Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann; Tío Vania, de Antón Chéjov, dirigida por Tamas Ascher, y Tot Mom, de Steven Soderbergh; los aclamados montajes de Benedict Andrew de La guerra de los Rose, Las criadas de Genet y Gross und Klein (Big and Small) de Botto Strauss; la adaptación seminal de The Secret River, de Neil Armfield, que también ha inspirado la serie de televisión homónima de ABC; producciones del dramaturgo Kip Williams; y The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley y por la que Blanchett obtuvo una nominación a los premios Tony. Blanchett ha actuado recientemente en la adaptación de la producción del National Theatre When We Have Sufficiently Tortured Each Other, de Martin Crimp.
Blanchett y Upton recibieron el Premio Green Globe por su destacada labor en la Compañía de Teatro de Sídney, tras haberla transformado en una de las entidades culturales más ecológicas del mundo, gracias, por ejemplo, a la construcción de la segunda mayor instalación de paneles solares en tejado de Australia. Ha presidido jurados de festivales como Cannes y Venecia, y el Festival de Venecia le ha concedido en dos ocasiones la Copa Volpi a la Mejor Interpretación. Blanchett es miembro honorífica del BFI del London Film Festival, ha recibido el Premio Stanley Kubrick a la excelencia cinematográfica y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Asimismo, ha sido reconocida con el César Honorífico, el Goya Internacional y el Chaplin. Blanchett ha sido nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, Miembro de la Orden de Australia, Medalla del Centenario por sus servicios a la sociedad australiana y Doctora Honoris Causa por la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie, entre otros.
Blanchett es Embajadora Mundial de Buena Voluntad de ACNUR, la Agencia de la ONU para los Refugiados, y miembro del consejo del Premio Earthshot. Es la primera embajadora de Wakehurst y del Banco de Semillas del Milenio. Ha recibido el Premio Crystal del Foro Económico Mundial de Davos y el Premio Humanitario de la Fundación Kuwait-América. Es miembro vitalicio de la Australian Conservation Foundation, socia destacada del Actors Benevolent Fund, la Fundación SAG-AFTRA, la Australian Wildlife Conservancy, Embajadora AFI y Patrona del Festival de Cine de Sídney y la Fundación NIDA, el centro de arte dramático en el que se formó. Vive en la campiña inglesa con su marido, cuatro hijos, tres perros, dos gatos, cerdos y gallinas.
«EL DESTINO DE MAYA», PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DEL BCN FILM FEST 2024
«ALUMBRAMIENTO», DE PAU TEIXIDOR, PREMIO A MEJOR DIRECCIÓN Y MEJOR ACTRIZ
La 9a edición del festival tendrá lugar del 23 al 30 de abril de 2025 «El destino de Maya», de Tiina Lymi, ha sido galardonada con el Premio a la Mejor Película de la octava edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-San Jorge (BCN FILM FEST). El filme es un drama histórico sobre la lucha de una mujer por sacar adelante a su familia en una remota isla finlandesa del siglo XIX. El palmarés completo del BCN FILM FEST 2024 es el siguiente:
PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA: «El destino de Maya» de Tiina Lymi PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN: Pau Teixidor por “Alumbramiento” PREMIO AL MEJOR GUION: Luàna Bajrami por “Phantom Youth” PREMIO AL MEJOR ACTOR: Michael Caine por «La gran escapada” PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ: El reparto de actrices jóvenes de “Alumbramiento” Sofía Milán (protagonista), Celia Lopera, Carmen Escudero, Paula Agulló, Victoria Oliver y Alba Munuera PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICA: Raymond Enoksen por «Hammarskjöld. Lucha por la paz” PREMIO DE LA CRÍTICA (ACCEC): «Daaaaaalí!» de Quentin Dupieux PREMIO NOUS TALENTS AL MEJOR CORTOMETRAJE: «Blava terra» de Marine Auclair March ESCAC
El festival ha tenido más de 20.000 espectadores, lo que supone un 10% de incremento respecto al año anterior. “Esta edición del festival, con visitas relevantes, intensos coloquios y presentaciones y momentos muy emocionantes, ha cubierto todas las expectativas y el público ha respondido como nunca. La acogida que ha tenido nuestras propuestas ha sido espectacular. Seguiremos trabajando y avanzando en nuestro objetivo de un festival fuerte y abierto, que sea útil y práctico en el sector y que dé proyección a la ciudad de Barcelona”, ha valorado Conxita Casanovas, directora del BCN FILM FEST.
Eduard Fernández, Clara Segura y Carles Sans han formado el Jurado Oficial de esta edición. El Jurado de la Crítica lo han conformado Marla Jacarilla, Esteve Plantada y Xavier Daniel.
El BCN FILM FEST 2024 ha contado con: 69 películas de las cuales: 15 premières mundiales, 1 europea, 20 españolas y 11 catalanas. 49 presentaciones y coloquios con la presencia del talento, entre otros, de Meg Ryan, Richard Linklater, Paola Cortellesi, Vincent Perez, Belén Rueda, J.A. Bayona, Mikael Persbrandt, Arturo Valls, Éric Toledano, Olivier Nakache, Malena Alterio, Kike Maillo, Dani de la Orden, Clara Segura, Emma Vilarasau, David Verdaguer o Clara Lago. Charla del director Richard Linklater con el público. 14 actividades paralelas en las diferentes sedes del festival entre las que: 7ª edición de la Jornada de Guionistas e Industria con dos mesas redondas: “IA y proceso creativo” y la presentación de LAAB 2024 con la mesa “Del libro a la pantalla”. Sitges Fantástico Podcast- 70 años de influencia de la novela “Soy Leyenda” de Richard Matheson. Encuentro de autores de Grup 62 con la participación de Ramón Gener, Jordi Puntí y Jaume Clotet. 9 actividades en La Perla 22. 7 sedes del Festival: Cines Verdi, CaixaForum, Casa Seat, Instituto Français, Ateneu Barcelonès, La Perla 22 y COAC. 1ª edición del Screen International Award for Catalan Producer of the Year.
La próxima edición del BCN FILM FEST se celebrará del 23 al 30 de abril de 2025.
De la mano de Diamond Films, tuve un encuentro con el gran director americano Todd Haynes en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La entrevista se realizó en una de las habitaciones del Hotel María Cristina; antes de la entrevista Haynes y su productora, la magnífica Christine Vachon, me concedieron una inolvidable sesión fotográfica.
Preguntado por el origen de esta nueva película, May December, el director nos explicó cómo se comprometió para dirigirla:
Un tiempo antes de comprometerme para dirigir esta película, llevábamos un tiempo trabajando en otra que hablaba de la vida de Peggy Lee. Por diferentes motivos, ese proyecto se fue retrasando…
La actriz Natalie Portman me había enviado este guión durante Covid en 2020 y estaba realmente interesado en él. Tuve excelentes conversaciones con ella al respecto en ese momento. Estaba muy interesada en las zonas grises y la incertidumbre que circulaba en el guión, y en la forma en que el público podría proyectarse sobre su personaje.
Los dos personajes femeninos eran muy atractivos, el más joven lo iba a interpretar Natalie, pero yo me di cuenta que el papel de la mujer de 59 o 60 años era muy importante elegir bien a la actriz protagonista. Inmediatamente pensé en proponer el personaje de Julie a una actriz con la que he trabajado muchas veces y con la que me entiendo genial: Julianne Moore. Ella me dijo que sí, que se había emocionado mucho al saber que de nuevo yo quería dirigirla.
¿Costó mucho conseguir la financiación para levantar este proyecto?
Lo primero que tuvimos que concretar fueron las fechas para rodar. No es fácil cuadrar fechas de dos actrices tan importantes; que ellas y yo estuviéramos libres de otros compromisos profesionales al mismo tiempo fue un pequeño milagro. Pero sucedió… Vimos que contábamos con unas semanas para hacer la película. Este trabajo supuso mucho esfuerzo ya que teníamos muy poco dinero y, por lo tanto, un horario muy reducido. El rodaje duró tan solo 23 días.
Después llegó el proceso de reuniones con algunas empresas de ventas mundiales. Hubo una oferta muy buena, con algunas ventas en el extranjero y preventas confirmadas. No era fácil sacar adelante este proyecto, pero contar con la presencia de dos actrices tan importantes ayudó mucho.
Háblamos del guion, de la historia que cuenta tu película…
Gracie Atherton-Yoo (Julianne Moore) y su marido Joe Yoo (Charles Melton) están a punto de asistir a la graduación de secundaria de sus hijos menores. Pronto el nido estará vacío y la pareja estará sola por primera vez desde que comenzaron una aventura cuando Joe tenía 13 años y Gracie 36. Gracie, embarazada de su primer hijo, fue enviada a prisión. Cuando fue liberada, ella y Joe se casaron y continuaron viviendo en la ciudad de clase media que habían escandalizado.
Esta historia de fondo se revela a través de las investigaciones de Elizabeth Berry (Natalie Portman), una actriz que ha sido elegida para interpretar a Gracie en una película para televisión basada en el escándalo. Elizabeth quiere retratar a la verdadera Gracie en lugar de la versión sensacionalista.
La película se basa muy libremente en una aventura de mediados de los años 1990 entre una profesora de 34 años y un estudiante de 12 años que apareció en los titulares de los periódicos, probablemente más de los que habría aparecido si los géneros se hubieran invertido. Pero Elizabeth no es una observadora neutral y niega tanto la dinámica de esta familia como Gracie.
Todd, eres un gran director de actrices. En tu filmografía destaca esta faceta de tu trabajo. No es casual que actrices tan extraordinarias como Julianne Moore, Cate Blanchett y, recientemente, Natalie Portman confíen tanto en ti.
Me gustaría preguntarte por su forma de trabajar, de abordar la interpretación de sus personajes…
He trabajado varias veces con Cate y Julianne. Ambas son asombrosas. Verlas trabajar es algo… uff difícil de explicar para mí. No me resulta fácil porque en ambos casos me vencería la admiración tan profunda que siento por ellas. También cuentan factores personales: en el caso de Julianne es una amiga muy cercana desde hace ya muchos años. Junto a Christine Vachon somos una familia artística muy unida.
Cate es una actriz muy potente. Segura, sensible, exquisita en toda la dimensión de la palabra. Para ella rodar “Carol” fue un antes y un después en su carrera. Es un personaje y una película con la que siente una especial vinculación. Solo tienes que escuchar cuando ella habla de esa película. Para cualquier director o directora, filmar a Cate Blanchett es ver realizado uno de los mayores sueños de su vida.
Volviendo a May December, háblanos del personaje masculino protagonista. No tuvo que ser fácil tampoco encontrarlo, entre otras cosas porque debía dar la réplica a estas dos actrices tan poderosas…
¿Cómo encontraste a Charles Melton?
Vimos algunos grandes actores coreano-americanos para el papel. Vi una foto de Charles y pensé: «No, es demasiado glamoroso». Y luego vi su lectura. No recibió ninguna dirección de mi parte, solo leyó un par de escenas y yo seguí mirándolas una y otra vez.
Mi directora de casting Laura Rosenthal y yo dijimos: «Sabe mostrar la esencia del personaje». Aunque los otros actores eran más parecidos a lo que me imaginaba cuando leí el guion, pude ver el pasado y el presente del personaje en Charles. Fue un gran milagro que lo encontráramos.
Terminamos nuestro encuentro con Todd Haynes. Nos sentimos privilegiados al compartir con él parte de su apretada agenda de trabajo durante su presencia en San Sebastián.
No es solo un gran director, es también un hombre educado y muy amable.
Coincidiendo con la despedida fúnebre del rico banquero Marcel Péricourt, el nieto del difunto se lanza por la ventana a la vista de amigos y familiares. Madeleine Péricourt, madre del chico e hija también del millonario fallecido, queda destrozada. El niño quedará impedido en una silla de ruedas y con el tiempo lo único que le aportará ilusión de vivir es la voz de la diva Solange Gallinato, con quien establecerá una apasionada relación epistolar que más tarde se convertirá en amistad y admiración mutua. Por su parte, el socio del difunto pretende la mano de la hija, pero al ser rechazado pergeña malévolamente, junto con el holgazán tío de la heredera y un corrompido periodista, el modo de quedarse con el banco del fallecido y dejar en la ruina a su hija. Consumado su abyecto plan, Madeleine será despojada de todo y será abandonada sin recursos con su hijo parapléjico.
El director Clovis Cornillac fue abordado por el productor originalmente para adaptar otra novela de Pierre Lemaitre, pero el proyecto no llegó a buen puerto. Meses más tarde, volvieron a ponerse en contacto para adaptar Los colores del incendio.
Estamos ante una película con un amplio elenco de personajes, todos ellos interpretados con esmero por un reparto con su peso específico. Destacan, claro, los principales oponentes, una calculadora Léa Drucker y un Benoît Poelvoorde en un inusual papel de tipo antipático y sin escrúpulos.
Y hay que referirse también a la importante participación de la gran actriz francesa Fanny Ardant, quien brilla sobre el escenario en el potente y catártico cántico del coro de Nabucco de Verdi, aunque la voz corresponda en realidad a la de Sandrine Piau.
Ansa es soltera y vive en Helsinki. Trabaja con un contrato de cero horas en un supermercado, abasteciendo los estantes; luego clasifica el plástico reciclable. Una noche se encuentra accidentalmente con el igualmente solitario trabajador Holappa, un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación. Como resultado, Holappa logra controlar su adicción al alcohol. Pasan los años y sus películas, pero lo que vemos en pantalla vuelve a ser lo de siempre, porque el cine de Kaurismäki sigue emocionando película a película, gracias a su fe en el poder sanador y en la magia de la gran pantalla.
Aunque la pareja protagonista de ‘Fallen Leaves’ se conoce en un karaoke, es justamente en una sala de cine donde se fragua el enamoramiento. Ella encadena trabajos precarios y poco cualificados; él ha sido despedido por su adicción a la bebida. Son dos espíritus errantes y desclasados cuyo horizonte estaría marcado para siempre por la desgracia si no fuera porque viven en una película de Kaurismäki.
En ‘Fallen Leaves’ se recupera esa soledad urbana retratada por Edward Hopper, una de las influencias pictóricas más claras del finlandés, capaz de traducir la melancolía de la protagonista en estampas verdaderamente hermosas.
En paralelo, la película invoca asimismo pasajes de la propia filmografía del finlandés, de ‘Nubes pasajeras’ (1996) a ‘Un hombre sin pasado’ (2002).
Una película maravillosa. Tienen que verla; serán felices.
CINET-FARÖ 