Angelina Jolie se ha metido en la piel de María Callas, para interpretarla en la última película biográfica de Pablo Larraín.

La historia está basada en relatos reales y cuenta la tumultuosa, hermosa y trágica historia de vida de la mejor cantante de ópera del mundo, revivida y reimaginada, durante sus últimos días en el París de los años 70.

Este filme del director chileno muestra a una mujer que enfrentó muchas luchas personales y profesionales a lo largo de los años y finalmente murió a los 53 años de un ataque cardíaco.
Junto a una extraordinaria Angelina Jolie (en una de sus más brillantes interpretaciones), la película también está protagonizada por Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haluk Bilginer, Kodi Smit-McPhee y Valeria Golino. El guión, que se completó antes de la huelga de guionistas, está escrito por Steven Knight, colaborador de Larraín en Spencer.

El director, de nuevo asociado con el guionista Steven Knight (Peaky Blinders), aporta una imaginación alucinada y delirante, totalmente compatible con la solemnidad del escenario y el personaje, que ciertamente humaniza a María Callas y aporta un lirismo adicional a una narración plagada de fantasmas y recuerdos, los de una cantante consciente de que afronta sus últimos días y decide recorrer su vida en un viaje mental por el tiempo y el espacio.

La película vale más por lo que calla (lo sucedido en su juventud con el régimen nazi) que por lo que cuenta, un viaje existencial donde los delirios se mezclan con recuerdos, y en el que la angustia del desenlace queda reservada para los criados que todavía rodean a “La Callas”.

La película se apoya en una excelente Angelina Jolie, que consigue eliminar sus gestos habituales al sentido retrato de una mujer con la que, sospechamos, debe identificarse más de lo debido.
No obstante, la solemnidad del film y el respeto al personaje opaca los delirios fantasmales del relato, que no se atreve, con sus diálogos literarios sobre la enfermedad, la revelación y el arte, a internarse en territorios verdaderamente arriesgados.

Una película, y una actriz protagonista, muy brillantes.

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A different man cuenta la historia de Edward, un actor fracasado que decide ofrecerse como conejillo de Indias para un tratamiento radical que transformaría su rostro deforme en el de un hombre “normal”. Será el propio Edward el que sufra los dolores de este tipo de representación una vez el tratamiento funciona y decida asumir una nueva identidad de hombre guapo normal.

Ficción y realidad se van fundiendo en la mente de Edward y la propia película, que no obstante opta por la claridad expositiva y un soterrado cachondeo a costa del personaje de Sebastian Stan, que está ciertamente arrebatador como un hombre frustrado que sufre la verdadera marginación una vez su rostro se vuelve normal.

Los papeles de víctima y héroe se intercambian, y A different man empieza a dialogar de una manera distinta para cada espectador a medida que reflexiona sobre cómo el papel de héroe y el de víctima son, a su manera, cárceles de oro para cada uno de ellos en el relato de nuestro biopic particular, y cómo todo lo que nos han contado podría ser un hipócrita manual de instrucciones implantado en nuestro subconsciente con destino a la infelicidad más mediocre que uno pueda imaginar.

Adam Pearson, uno de sus protagonistas, no tiene maquillaje alguno sobre su rostro, y que tan solo el citado Stan se pasea media película caracterizado a la manera de John Hurt en El hombre elefante o Eric Stoltz en Máscara.

La película de Aaron Schimberg, sin embargo, se aleja de todas las anteriores y prefiere jugar en términos de comedia negra, con el cine de David Cronenberg, o, sobre todo, la obra de Charlie Kaufman, en ese juego entre ficción y realidad, la extraña retroalimentación de ambas y cómo un individuo puede encontrar su propia cárcel en la tan ansiada normalidad.

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El cine español celebró ayer su fiesta anual en Granada, en el transcurso de una gala retransmitida por La 1 de TVE.

En la 39 edición de los Premios Goya se han entregado un total de 30 estatuillas, entre ellos, el Goya de Honor a la actriz Aitana Sánchez-Gijón y el Goya internacional a Richard Gere.

GOYA DE HONOR
Aitana Sánchez-Gijón
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Salva Reina por El 47
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Los Almendros, de Antón Álvarez y Yerai Cortés para La guitarra flamenca de Yerai Cortés.
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Arantxa Ezquerro, por La virgen roja.
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Laura Canals e Iván López Hernández, por El 47.
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Karmele Soler, Sergio Pérez Berbel y Nacho Díaz, por Marco.
MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Pepe Lorente, por La estrella azul.
MEJOR MONTAJE
Javi Frutos, por Segundo premio.
MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Edu Grau, por La habitación de al lado.
MEJOR SONIDO
Diana Sagrista, Eva Valiño, Alejandro Castillo y Antonin Dalmasso, por Segundo premio.
MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE
Javier Albariño, por La virgen roja.
MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Carlos Apolinario por el 47
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Alberto Iglesias, por La habitación de al lado.
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Mariposas negras, de David Baute, César Zelada, Edmon Roch y Marc Sabé.
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
La guitarra flamenca de Yerai Cortés, de Cristina Trena y Antón Álvarez.
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
La gran obra, de Àlex Lora y Lluís Quílez Sala
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Semillas de Kivu, de Carlos Valle, Néstor López Carlos Valle, David Pérez Sañudo, Iván Miñambres, Pepe Castro y Pilar Sancho.
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
Cafunè, de Carlos Fernández de Vigo, Lorena Ares, Damián Perea, Mintxo Díaz y Sergy Moreno
MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
Javier Macipe, por La estrella azul.
GOYA INTERNACIONAL
Richard Gere
MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Laura Weissmahr, por Salve Maria.
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
Ainda estou aqui de Walter Salles (Brasil)
MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Emilia Pérez (Francia), de Jacques Audiard, Pascal Caucheteux, Valérie Schermann y Anthony Vacarello.
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Clara Segura por El 47
MEJOR GUION ADAPTADO
Pedro Almodóvar, por La habitación de al lado.
MEJOR GUION ORIGINAL
Eduard Sola, por Casa en llamas.
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Eduard Fernández, por Marco
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Carolina Yuste, por La infiltrada
MEJOR DIRECCIÓN
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez por Segundo premio
MEJOR PELÍCULA (ex aequo)
El 47 y La Infiltrada

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Texto y Fotografías: Propiedad de la Academia de Ciencias Cinematográficas de España.

Durante la noche de la víspera de Reyes, una fuerte tormenta de nieve llamada Mikaela asola todo España. Leo, un policía a punto de jubilarse, se encuentra en una autopista completamente colapsada donde un grupo de ladrones aprovecha para atracar un furgón lleno de dinero que se ha quedado atascado.

Ante la falta de medios para que la policía pueda llegar ahí, los cuerpos de seguridad no tienen otra opción que llamar a Leo para que intente frenar el golpe hasta que los agentes puedan llegar a la zona.
Leo no tiene nada que perder, pero la familia que le está esperando para celebrar el final de las Navidades sí. Mientras está acercándose al furgón, Leo se topa con una joven que se anima a ayudarle en esta difícil tarea. Así, ambos intentarán que los atracadores no huyan con el botín en una persecución contrarreloj por una ciudad cubierta de nieve.

Esta película está dirigida por Daniel Calparsoro (‘Hasta el cielo’ o ‘Todos los nombres de Dios’) y protagonizada por Antonio Resines (‘Los Serrano’) en el papel de Leo; y Natalia Azahara (‘A través de mi ventana’) como la joven que ayuda al protagonista.
Les acompañan en el reparto Roger Casamajor, Pavel Anton, Cristina Kovani y Adriana Torrebejano (‘La sombre de la ley’) como la policía encargada de coordinar la operación.

Película entretenida, como suele ser habitual en la obra de Calparsoro.

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París, 1887. En una sociedad en rápida evolución, el duelo es el último lugar donde uno puede defender su honor. Clément Lacaze, carismático maestro de esgrima, se encuentra atrapado en una espiral de violencia destructiva. Conoce a Marie-Rose Astié, una feminista adelantada a su tiempo, y decide enseñarle el complejo arte del duelo. Enfrentarán provocaciones y se unirán para defender su respectivo honor.

La película ubica al espectador en la ciudad de París del siglo XIX. Desde hace doscientos años el duelo es ilegal en Francia. Sin embargo, todavía hay fervientes seguidores de este arte que lo emplean de manera eventual. Clément Lacaze (Roschdy Zem) es un profesor de esgrima que presencia cómo su alumno pierde en un duelo y termina muriendo por un accidente.

Desde entonces, busca redimir sus acciones. Un día toma la decisión de crear el primer club de esgrima femenino, aspecto que resulta ser objeto de burla entre los parisinos, pues una mujer no puede batirse en duelo con un hombre.

Pese a ello, Marie-Rose (Doria Tillier), su alumna, decide aceptar el reto y combatir contra alguien. De ahí que alumna y profesor entrenen juntos desde ese momento, llegando incluso a comenzar a mostrar síntomas de una posible historia de amor entre ambos.

El profesor de esgrima es una película francesa dirigida por Vincent Perez (‘Cartas de Berlín’), quien la coescribe junto a Karine Silla (‘Un baiser papillon’).
El reparto es completado por Guillaume Gallienne, Damien Bonnard (Ferninand Massat), Vincent Perez (Louis Berchère), Noham Edje (Adrien Lacaze), entre otros.

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Iris y Josh son dos jóvenes que se conocen en una pequeña tienda local de Estados Unidos. Aunque tengan un encuentro algo accidentado por los nervios de él, se enamoran a primera vista e inician una relación. Juntos, deciden irse de viaje a una casa rural cerca del lago con algunos amigos de Josh y sus respectivas parejas. Así, se hospedan en la casa del novio de Kat, quien forma parte del grupo y que tiene una hospitalidad algo exagerada.

Durante su estancia, Iris está algo tímida y le cuesta socializar con el resto de personas en la casa ya que es la primera vez que los conoce. En una de sus conversaciones, Iris revela que se siente algo vulnerable por su exagerada dependencia por Josh. Como respuesta, Josh le confiesa que ella es un robot creado únicamente para complacer todo tipo de necesidades a su pareja, revelando la verdadera naturaleza de Iris y comenzando así un reguero de sangre del que el resto de humanos tendrán que escapar o hacer frente.

La película está dirigida por Drew Hancock, quien debuta en el cine con este thriller protagonizado por Sophie Thatcher (‘Heretic’) como Iris y Jack Quaid (‘The Boys’) como Josh. Les acompañan en el reparto Megan Suri, Lukas Cage, Rupert Friend y Harvey Guillén.

La primera media hora de la película es brillante si no sabes de antemano que Iris es un robot. La película en su base es una crítica a la visión de la mujer como objeto, que defiende que la única forma de salir de esa opresión es a través de la educación.

A Iris no le vale con ser consciente de su situación, tiene que luchar para salir adelante, tal y como ocurre en la vida real. La película no solo denuncia la visión conservadora que ve a la mujer como un accesorio del hombre, sino que lo extrapola también a las parejas homosexuales. El mensaje es claro: la violencia y el ninguneo no se vive solo en las relaciones heterosexuales.

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Blake Blake (Christopher Abbott) es un hombre casado y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto.

En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte (Julia Garner) , Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger.

Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible.

Ahora que su marido se ha convertido en un hombre lobo, Charlotte y su hija Ginger deben escapar de él y decidir rápidamente si deberían asesinarle o no.

Leigh Whannell, director de ‘El hombre invisible’, se pone a los mandos de esta reimaginación del clásico monstruo de Universal. Tanto Whannell como Corbett Tuck (actriz de ‘Insidious’ e ‘Insidious 3’) escriben el guion de esta película de terror.
Ryan Gosling es el productor de esta película que solo interesará a los aficionados del género.

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Marga (Emma Suárez), una arquitecta de éxito, regresa a casa tras haber pasado dos meses internada en un centro de rehabilitación por un problema de adicción con el que su familia convivió en silencio durante años. Tras su llegada, Marga intentará rehacer su vida anterior mientras su hija menor Blanca (Natalia de Molina), verá cómo la atención que vuelca sobre su madre afecta tanto a sus relaciones como a su sueño de ser bailarina profesional. Un año después, «el elefante» sigue tan enorme como siempre. Aunque por lo menos, ahora, todos pueden verlo.

La película profundiza en las relaciones de codependencia y responsabilidad dentro del núcleo familiar, que es ese lugar en el que representamos nuestro primer papel en la vida. «Desmontando un elefante» mira hacia delante para no dar un paso atrás con un emotivo y revelador relato de reconstrucción, tanto personal como de nuestro entorno más cercano. Porque afrontar los problemas no es fácil, pero siempre es mejor que evitarlos.

Este filme ahonda en los lazos invisibles que nos unen a nuestros seres queridos y en aquellas fidelidades silenciosas que a veces debemos romper para poder avanzar.

Interesante película del reciente cine español protagonizada por dos magníficas actrices: Emma Suárez y Natalia de Molina.

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Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios.

El relato revela más sobre la condición sexual, el poder, la edad y la identidad. Es un espejo de la fragilidad humana, de la necesidad que acallamos constantemente, de aprobación y vacilación de los estatus sociales, el espacio vacío que habitamos cuando nos enfrentamos a nuestras propias contradicciones.

Destaca principalmente en esta película su espléndido reparto, especialmente de Nicole Kidman. La actriz australiana se despoja por completo de los estereotipos, se entrega con una actuación entre la sutileza y la intensidad, siempre al borde del colapso, pero sin excederse. Cada gesto, cada mirada está llena de subtexto que la lleva más allá de la superficie.

Su presencia en pantalla siempre es imponente, especialmente cuando muestra la vulnerabilidad de su personaje.

Inmensa química entre ella y Harris Dickinson (El clan de hierro). La dinámica entre ambos personajes es una de las relaciones que, aunque parece mantener un conflicto externo, es solución a sus tensiones internas. Cada intercambio de palabras se convierte en un susurro de lo que realmente está ocurriendo en el interior de cada personaje: una necesidad no satisfecha, una lucha interna que no puede ser explicada con palabras.

Al final, la principal baza de este filme son su forma de mostrar los hilos de una sociedad que constantemente nos empuja a cumplir con estándares de poder, belleza y éxito.
Ironía ante los códigos establecidos sin caer excesivamente en el terreno erótico. Invita a reflexionar en la forma que los seres humanos utilizamos para definir nuestras personalidades.

Muy interesante película con una impresionante interpretación de Nicole Kidman que no deberían perderse.

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Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Toth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio…

Muy acertado el trabajo de dirección de Brady Corbet. Realiza este relato sobre inmigrantes en busca de nuevas oportunidades. Y no es por nada pero la película inicia con un plano secuencia donde vemos la Estatua de la Libertad, esa famosa figura que representa a América como el país de las nuevas oportunidades, dada la vuelta. Es una declaración de intenciones por parte de su director y pretende mostrar la cara B del famoso Sueño Americano, más bien desmitificarlo.

Adrien Brody hace una interpretación que seguro le dará oportunidad de volver a ganar un Oscar. Da la impresión que es un actor ideal para este tipo de producciones y sabe meterse tanto física como mentalmente en un personaje que es un genio pero a la vez miserable y pordiosero.

Guy Pierce como Harrison Lee Van Buren, el millonario que contrata a László, su personaje es un individuo sin escrúpulos y con una ambición desmedida y que no duda en aprovechar se y manipular a nuestro arquitecto.

Felicity Janes aunque salga en la segunda parte de la película tiene un peso muy importante en la historia, haciendo de Eízsébet, esposa de László, es quien pone en su sitio a Tóth y a la vez es su conciencia.

Película clásica, aunque con temas que ya hemos visto muchas veces en el cine.

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