HANDIA (Dir. Aitor Arregi y Jon Garaño), por Yolanda Aguas

“Handia” nos presenta a Martin, que, tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, regresa a la casa familiar y allí descubre que su hermano menor, Joakin, es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande del mundo, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia.

“Handia”  está inspirada en la historia de Miguel Joaquín Eleizegui Arteaga que nació en 1818 en la localidad guipuzcoana de Alzo, en el País Vasco y está considerado el hombre más alto de su época. Es conocido por el sobrenombre del Gigante de Alzo.

El Gigante de Alzo fue un personaje muy popular en su época, se exhibió por media Europa siendo recibido entre otros por la reina Isabel II de España, Luis Felipe de Francia o la reina Victoria del Reino Unido. Después de su muerte su recuerdo ha perdurado en el País Vasco, donde su pueblo natal aparece siempre asociado a la figura del “Gigante”. Era conocido como “el gigante español”. Padecía la enfermedad de acromegalia lo que le hizo crecer indefinidamente hasta su muerte. Llegó a medir 2,42 metros de altura.

La película está dirigida por Aitor Arregi y Jon Garaño, con la participación de José Maria Goenaga como guionista y productor tras el éxito cosechado por “Loreak”, película seleccionada como candidata española a los Oscar de 2015, nominada a dos premios Goya, y ganadora de numerosos premios en festivales nacionales e internacionales como Palm Springs, Signis Award-Festival de San Sebastián, Premio Feroz y Sant Jordi.

Mención especial requieren las interpretaciones (magníficas). Está protagonizada por Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Íñigo Aranburu y Ramon Agirre, y cuenta con la colaboración especial de Itziar Aizpuru. la película cuenta con una banda sonora compuesta por Pascal Gaigne y se ha rodado fundamentalmente en euskera pero en los viajes de los protagonistas también se oyen castellano, inglés, francés y dos frases en árabe y portugués.  Creemos que esta película requiere ser vista en V.O.S.E., para disfrutar al máximo de la historia

Una película que presenta y desarrolla la necesidad del hombre para construir y transmitir sus propios mitos. Reflexiona sobre los mitos que cada sociedad precisa crear.

Habla también del amor.  El amor fraternal entre hermanos que representan fuerzas opuestas pero complementarias a la vez: los dos poseen algo del otro dentro de él.  Es una declaración de amor a la aceptación de ser “diferente”.  Un poema visual inolvidable.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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UN SUEÑO DE BALENCIAGA: EL CINE, por CineT Farö

Un sueño de Balenciaga: el cine es una exposición comisariada por Pedro Usabiaga que ayuda a comprender la obra de uno de los artistas más importantes del siglo XX, donde más allá de su trabajo de alta costura nos muestra su participación en el cine.

La moda inundará el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, del 18 de octubre al 7 de enero de 2018. La muestra “Un sueño de Balenciaga, el cine” recoge una visión retrospectiva de las colaboraciones realizadas por el gran diseñador de moda con el mundo del cine.

En total, 64 fotografías en blanco y negro y algunos documentos complementarios que ayudan a realizar un recorrido cronológico a través de imágenes de películas, así como de bocetos, de las creaciones realizadas por Balenciaga para el séptimo arte.

La exposición es una producción fruto de la colaboración entre el IAACC Pablo Serrano y el Museo de Balenciaga de Guetaria.

El comisario ha declarado que la muestra se ha organizado con sencillez y estilo, como el alma de Balenciaga.

Pedro Usabiaga ha estado acompañado en la inauguración por el director general de Cultura, Nacho Escuin, y el director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón. Además, la compañía aragonesa LaMov se ha sumado a la puesta de largo de esta exhibición con el baile de una pieza musical.

Las imágenes, de fotógrafos como Juan Gÿenes, Rafael Pacheco, Georges Saad, Clifford Coffin, Lucien Clergue, Jean Tesseyre, Simón López y Vicente Ibáñez, proceden de los archivos de Biblioteca Nacional de España, Filmoteca Española, Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Vogue Francia, M.G.M. Paramount, Cinemundo, Ciné-Miroir, Archivo Balenciaga París, Archivo Boutellier/Luis Gasca, Archivo Kerry Taylor, Archivo Patxi Lacan, Archivo Parodi y Colección Familia Calparsoro.

EL ARTISTA

Cristóbal Balenciaga (Getaria 1895 – Jávea 1972) marcó con su estilo y personalidad cuatro décadas de la moda, hasta su retiro en 1968. De carácter silencioso e introspectivo, la elegancia con la que supo envolver sus diseños es todavía un reflejo de su personalidad.

Amigo de artistas, de la talla de Chillida, Miró, Braque o Jean Cocteau, se dejó seducir por el mundo del cine. Desde su llegada a Paris en 1937 participó en una treintena de películas en las que vistió a las más grandes estrellas de la pantalla. Directores como Luis César Amadori, Alfred Hitchcock, Anatole Litvak, Marcel Carné o el propio Cocteau, entre otros, contarán con él para el vestuario de sus films.

EXPOSICIÓN:

Lugar: 

IAACC Museo Pablo Serrano

Fecha: 

Del 18 de octubre de 2017 al 7 de enero de 2018

Hora: 

De martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00.

Entrada gratuita.

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NOTAS: 

El texto de este artículo procede de la web del Museo Balenciaga y del IAACC Museo Pablo Serrano de Zaragoza.

Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

LA CORDILLERA (Dir. Santiago Mitre), por Yolanda Aguas

En una Cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, en donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco (Ricardo Darín), el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.

El Presidente de la Nación, Hernán Blanco, llega a Santiago de Chile para participar de una cumbre energética de crucial importancia. Como si debatirse entre sus aliados y negociar acuerdos no fuera suficiente desafío, debe lidiar con una amenaza que puede derrocar su presidencia, la cual resulta venir de su entorno más íntimo.

El guión de La Cordillera  tiene ciertos elementos en orden. El elemento verosímil, por ejemplo, está ahí, ya que nos adentra con profundidad de detalle en un universo ajeno al ciudadano medio. El drama está también presente en los conflictos padre-hija, y también los conflictos de estado propios del contexto en el que se mueve la historia. En particular, la actitud que se adopta ante los aliados y qué se hace ante el avasallamiento de un país más poderoso.

Sin embargo, encuentro un problema en el guión de La Cordillera y es que las dos líneas argumentales que corren en la película nunca se afectan mutuamente. Esto trae como consecuencia que la alternación entre escenas se sienta más como producto de una distribución equitativa del tiempo de pantalla que de una progresión dramática, donde una escena debería incidir sobre la otra. Ello consigue que el final tenga toda la apariencia de ser un clímax pero no se sienta como tal; su falta de recorrido y energía hace que sea un final y basta.

En materia actoral, la película es prolija. Ricardo Darín nuevamente despliega ese carisma que lo caracteriza, pero le suma una inusitada cuota de actitud que lo hace plenamente creíble como el primer mandatario.  Elena Anaya tiene un papel secundario pero su presencia siempre es interesante.

Erica Rivas sobresale – como es habitual en ella – en este reparto internacional.

La Cordillera no es una película “redonda”, fallan demasiados puntos en el guión.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

MADRE (Dir. Darren Aronofsky ), por Yolanda Aguas

No analizaré yo esta película.  Creo que lo mejor que puedo hacer es reproducir las palabras con las que el propio director explicó su última película “Mother”, revelando que estaba inspirada en la Biblia.

El personaje de Madre (Jennifer Lawrence) es una representación de la madre naturaleza. La casa es la representación del planeta Tierra, el estudio es el Paraíso y el sótano es el Infierno.

El esposo, el poeta (Javier Bardem), es la representación Dios.  Él es el creador (lo dice al final de la película).  El primer huésped (Ed Harris) que llega a la casa representa a Adán. Después de que el poeta le saca la costila a Adán (de forma literal, ya lo verán…) por la noche, llega su esposa al otro día, es Eva (Michelle Pfeiffer).

El diamante en forma de corazón es la manzana prohibida, la cual quiebran y por ende, son expulsados del paraíso (el estudio del poeta).  Sus dos conflictivos hijos representan a Caín y Abel, con todo y el asesinato.  El poeta tiene serios problemas de vanidad. Nunca está conforme con el amor y la admiración que le brinda su esposa, siempre quiere más, es por eso que le encanta el hecho de tener fanáticos e invita a más de ellos a su casa.

Los huéspedes destruyen la casa sin importarles la opinión de la madre, ya que el poeta les dijo que eran bienvenidos, justo como los humanos destruyen la naturaleza.  El poeta crea su obra maestra (los diez mandamientos) se la da a su editora (Moisés) y ahí comienzan los verdaderos problemas, ya que todos los huéspedes de diferentes nacionalidades interpretan de manera diferente sus palabras.

Comienzan una guerra dentro de la casa, hay asesinatos, adoraciones y pegan por todas las paredes fotografías del poeta, lo que representa el fanatismo religioso del mundo.  Madre está muy mal, está lastimada a causa de la guerra, sin embargo el poeta sigue aceptando a los huéspedes destructores y groseros ya que ellos simplemente piden disculpas y él los perdona.

La casa (la Tierra) empieza a venirse abajo con tanto exceso de población, odio, guerras y muertes. La madre da a luz en medio del caos, el hijo de la pareja representa a Jesús, de hecho es el mismo poeta quien lo entrega a sus fanáticos que lo matan y comen de él. El poeta le pide a la madre naturaleza que perdone a los humanos, pero ésta decide ponerle fin a todo y destruye la Tierra.

El poeta utiliza el amor de la madre naturaleza para volver a crear un nuevo planeta, quizá con nuevos humanos, aprendiendo de sus errores

Esto es, en líneas generales, lo que Darren Aronofsky nos presenta en su película.

A unos gusta mucho por el atrevimiento y sus imágenes poderosas, a otros les resulta una película insoportable.

Les aconsejo que la vean y así podrán participar en los debates con sus amigos…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA LLAMADA (Dir. Javier Ambrossi y Javier Calvo), por Yolanda Aguas

Quienes vivimos la época de los grandes éxitos musicales en el cine hace cuatro décadas, tuvimos una especie de melancólico recuerdo de aquellos años al ver alguno de los números musicales que se disfrutan en “La Llamada” de J. Ambrossi y J. Calvo.   Me refiero concretamente al número de Frankie Avalon en “Grease” totalmente hermanado con los momentos en que “Dios” le canta por Whitney Houston a Macarena Gómez en “La llamada”.  Menciono ahora la fotografía (otra vez maravillosa) de Migue Amoedo que sabe crear “la magia” necesaria para que esto suceda.

La historia es muy simple, pero los actores (especialmente las actrices) dan lo mejor y este esfuerzo sabe llegar al público haciéndole vibrar y reír casi toda la proyección.

Originalmente fue una obra de teatro, donde sigue representándose a día de hoy en el Teatro Lara, La llamada ha dado el salto a la pantalla grande de la mano de los mismos jóvenes que se ganaron al público teatral: Javier Ambrossi y Javier Calvo.  En la película también firman guión y dirección.

Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo como las cuatro protagonistas, acompañadas por el británico Richard Collins-Moore que interpreta a Dios entonando canciones de Whitney Houston.

Destacamos el trabajo de Belén Cuesta, que se está convirtiendo poco a poco en una de las grandes promesas del cine español. La actriz sevillana crea un personaje profundo dentro de la comicidad (y esto no es fácil).

La música es el punto fuerte de la película, ya que son temas de la gran Whitney Houston, de Henry Méndez y de Presuntos Implicados.  Leiva ha compuesto el tema principal.

Una película sencilla, con momentos divertidos que será un éxito rotundo de taquilla, no lo dudamos, y que gustará mucho al público juvenil.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PALMARÉS 65 SSIFF, por Yolanda Aguas

La película The Disaster Artist del director estadounidense James Franco obtuvo ayer la Concha de Oro a la Mejor Película de la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Una gran edición, repleta de excelentes películas y con una destacada presencia de la mujer que, además, ha obtenido un importante reconocimiento en el palmarés.

El palmarés completo es el siguiente:

Concha de Oro a la Mejor Película: The Disaster Artist, de James Franco.

Premio Especial del Jurado: Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño.

Concha de Plata al Mejor Director: Anahí Berneri por Alanis.

Concha de Plata al Mejor Actor: Bogdan Dumitrache por Pororoca.

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Sofía Gala por Alanis.

Premio a la Mejor Fotografía: Florian Ballhaus por The captain.

Premio al Mejor Guión: Diego Lerman y María Meira por Una especie de familia

Premio Nuevos Directores: Le semeur de Marine Francen

Premio del Público: Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, de Martin McDonagh.

Premio Horizontes Latinos: Los perros de Marcela Said.

Premio de la Juventud: Matar a Jesús de Laura Mor.

Premio Cine en Construcción: Ferrugem, de Aly Muritiba.

Premio Zabaltegi Tabakalera: Braguino de Clément Cogitore.

Premio “Otra mirada”, de TVE: Custodia compartida de Xavier Legrand.

Premio Irízar del Cine Vasco: Handia de Aitor Arregi y Jon Garaño.

Premio del Público a la Mejor Película Europea: Custodia compartida de Xavier Legrand.

Premio Feroz Zinemaldia: The Disaster Artist de James Franco.

Premio Cooperación Española: Alanis de Anahí Berneri.

Premio Sebastiane: 120 pulsaciones por minuto de Robin Campillo.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

SARAH MILES (La visita de la vieja dama… a San Sebastián), por Yolanda Aguas

Permítanme esta broma al titular mi artículo citando la gran obra teatral de Friedrich Dürrenmatt.  La ocasión lo merece, pero “la vieja dama” no llegaba a Gula sino a San Sebastián.

Todo sucedió entre la alegría, al contar con la presencia en la 65 edición del certamen donostiarra de esta actriz mítica, y entre la tristeza (o pena) porque pasó prácticamente desapercibida.

No tiene la culpa la organización del festival, me inclino a pensar más en los jóvenes periodistas que actualmente están más interesados en las actuales “estrellas” televisivas nacionales que en las grandes figuras de la  Historia del Cine. De ahí que sólo acudimos a recibirla dos personas de prensa y el cámara y fotógrafo oficial del STAFF.

C’est la vie¡

Sin embargo, el público culto y cinéfilo de San Sebastián no la dejó sola.  El pasado sábado 30 de septiembre, la Sra. Miles presentó “The Servant” de Joseph Losey en la Sala 9 de los Cines Príncipe, y la sala grande estuvo repleta de un público que le aplaudió largamente y en varias ocasiones durante su intervención. ¡Sarah Miles fue feliz¡  Estuvo brillante y muy divertida.  Contó varias anécdotas del rodaje junto a Dirk Bogarde y Losey.  Su “incidente” en uno de los pasillos del Hotel Plaza de Nueva York (¡hilarante y tan pícaro¡)…  que ni siquiera me atrevo a reproducirlo aquí…

Su presentación me recordó por momentos (y los veinte minutos previos a su entrada en la Sala 9), algunas escenas de “Sunset Boulevard” de Billy Wilder (recomiendo a los jóvenes periodistas que vean esta obra maestra).  La “vieja dama” estaba maravillosa, muy arreglada para realizar, tal vez, una de sus últimas apariciones estelares ante su público.  Estaba ilusionada, casi como una joven actriz que comienza, ante su presentación de una de las muchas películas míticas que ella ha protagonizado.

Para “los jóvenes periodistas” quiero recordar algunos títulos: “La hija de Ryan”, “The Servent”, “Blow-up”, “Steaming”, “Esperanza y gloria”, “Pasiones en Kenia”, “Escándalo en las aulas”… 

Tal vez piensen que mis palabras son algo duras y exigentes, pero es demasiado aburrido comprobar (asisto a muchas ruedas de prensa) que la mayoría de los periodistas sólo se limitan a escribir notas en sus libretas sin preguntar o aportar nada de forma individual. Sin preparar ni estudiar la obra de la persona (actriz-actor o director/a) que tienen delante. Y suerte tenemos si al menos no se equivocan preguntándoles por trabajos en los que ni siquiera han intervenido. ¡Es tan decepcionante y agotador¡

Volviendo a la Sra. Miles y su fugaz visita a San Sebastián, les contaré que llegó para participar en la retrospectiva (fabulosa) que el festival le dedicó a Joseph Losey.  Ese mismo sábado 30, y a las 12:15 horas, Sala 6 de los Cines Príncipe, pudimos ver la última película del realizador: “Steaming”, protagoniza por ella y Vanessa Redgrave.

Mientras hacíamos fila para entrar a la sesión de las 17:30 h, “The Servant”, llegó el Audi que traía a Sarah Miles a los cines.  Corrí hacia la puerta y llegué a tiempo para fotografiar su salida del vehículo (adjunto a continuación mis fotografías):

Una vez dentro de los cines ella esperó, hasta que todo el público ocupó sus asientos, en la primera planta, mirando el mar desde una de las ventanas (fotografías adjuntas).

Tras hacerle casi cien fotografías, la Sra. Miles se dirigió a mí y me preguntó:

Sarah Miles: “¿Quién es usted?”.

Mi respuesta: “Una persona que ha viajado hasta San Sebastián para conocerla, Sra. Miles.  “La hija de Ryan” es una de mis películas preferidas”. 

Ella, sonriéndome ampliamente, levantó su dedo pulgar en signo de conformidad.  Aproveché esa oportunidad y le dije:

Mi pregunta: “¿Me permite hacerle una pregunta?”.

Sarah Miles: “Sí…”.

Mi pregunta: “Sra. Miles, el rodaje de “La hija de Ryan” fue muy difícil para usted.  Se lo hicieron pasar mal algunos compañeros.  A veces, leemos cosas de los rodajes, anécdotas… que pueden ser ciertas o no.  Hay una escena preciosa, cuando Robert Mitchum descubre la relación adúltera de su mujer (su personaje). En una excursión escolar en la playa, el maestro se fija en unos pasos en la arena que le hacen imaginarse un encuentro amoroso entre ella y el Mayor. Mientras los alumnos buscan conchas en la arena, el profesor visualiza entonces ese encuentro escondido tras una piedra, como si los amantes pudieran descubrirle en cualquier momento, combinando de esta forma realidad y ficción. Una escena absolutamente mágica.

Mitchum camina tambaleándose… ¿es cierto que era porque todavía le duraba la borrachera de la noche anterior?

Sarah Miles: “jajajajaja… ¡Absolutamente¡  Pero no sólo tuvo resaca aquel día… en realidad ocurrió ¡todos los días del rodaje¡

Ya ven…  Sarah Miles sigue conservando su alegría de vivir, su vitalidad… (hay detalles que cuentan de sus costumbres diarias que tampoco me atrevo a reproducir aquí… y sonrío).

El recuerdo de este magnífico “breve encuentro” con ella se queda para siempre en mi corazón.  

A la Organización del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ¡GRACIAS¡ por invitar a Sarah Miles a la 65 edición.

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NOTAS: 

Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ, excepto las dos imágenes de la película “La hija de Ryan” de David Lean.