ANE (Dir. David Pérez Sañudo)

Texto: Yolanda Aguas
Fotografías: Capturas de “Ane” proyección en plataforma “VEO FEROZ” de la AICE. El resto de fotografías son propiedad de sus autores.

Vitoria, año 2009. Después de los altercados en su barrio debido a la inminente expropiación de algunas viviendas, Lide (Patricia López Arnáiz), madre joven que trabaja como vigilante en las obras del tren de alta velocidad, descubre que su hija adolescente, Ane, no ha ido a dormir a casa. Lide, junto a su ex-marido Fernando, comenzará no solo a investigar el paradero de su hija, sino a adentrarse en el mundo de Ane y a darse cuenta de que ha convivido junto a una desconocida.

El ego en el que todos podemos caer alguna vez podría tentarme a citar obras de teatro, autores, películas de cine, directores, guionistas… que anteriormente han mostrado historias protagonizadas por madres e hijas. Y, sin duda, estaría en mi derecho de hacerlo. Si no se abusa, no está mal orientar o sugerir a las nuevas generaciones para que vean títulos que se estrenaron muchos años antes de su nacimiento o que se escribieron y representaron en teatro años atrás. Aunque dado el desinterés general que existe en gran parte de la gente joven tal vez no serviría de nada… Yo no caeré en esa tentación. Me voy a limitar a afirmar que no hay un amor mayor que el de una madre (o padre) por sus hijos.

Con esta obviedad, “ANE” de David Pérez Sañudo habla de las diferentes fronteras que una joven, Ane, debe cruzar en su tránsito de la infancia a la vida adulta. Nos presenta también la falta de comunicación entre madre e hija y las distancias: físicas y emocionales de una sociedad.
Muy bien presentada la figura del padre (Mikel Losada), que aunque parece estar en un segundo plano, es en el que la hija confía más cuando entra en conflicto con la madre.

En general, puede que a la película le falte un poco de intensidad dramática, carencia que desaparece viendo la deslumbrante interpretación de la protagonista, Patricia López Arnaiz, en su mejor papel hasta ahora. La actriz rechazó otros proyectos para trabajar en esta película con David Pérez Sañudo.

Conocida principalmente por la serie de RTVE, “La otra mirada” o “La Peste” de Alberto Rodríguez, éste es su primer papel protagonista en el cine. Su trabajo en “ANE” podría hacerle ganar los más importantes premios de la temporada como Mejor Actriz Protagonista. Es más, estamos seguros que será así.

Su interpretación está repleta de momentos brillantes: especialmente en los últimos minutos de la película, como esa mirada a la habitación de su hija…

Corran a ver la película, la secuencia final de Patricia López Arnáiz enfrentándose a su inminente soledad es antológica.

*************************************************************************************************************

SEÑORA DE ROJO SOBRE FONDO GRIS, RdP JOSÉ SACRISTÁN

Texto y Fotografía: Yolanda Aguas

Hoy a ofrecido una rueda de prensa en Zaragoza, José Sacristán. Su presencia en el Teatro Principal del jueves 22 al domingo 25 de octubre ha motivado este encuentro con él.
José Sacristán es uno de los más grandes actores de la historia de nuestro país. Ha trabajado con los directores más prestigiosos y populares: Berlanga, Garcia, Miró, Fernan Gómez, Camus, Buñuel.
A pesar de que el panorama cultural haya cambiado en los últimos tiempos, él sigue ahí, en televisión, en el cine, sobre los escenarios, demostrando en cada entrevista y en cada rueda de prensa que ser mayor no implica la neofobia.

Hace poco tiempo anunció que Señora de rojo sobre fondo gris, será -casi con toda seguridad- la última que la mantendrá en el mundo del teatro. “Tengo fechas cerradas hasta más allá del 2021; más tarde, será complicado que encuentre algún texto con el que me sienta más cómodo que este”, concretaba. De paso, no ha aclarado su futuro en el cine y la televisión: “Cada vez me cuestan más los rodajes”. Con 83 años, Sacristán cree que la vida le “trata bien”, pero que ha de ser consciente de su edad.
Su despedida de los escenarios será la puerta grande, con una obra que en realidad ha sido un empeño personal: “Cuando leí la novela de Miguel Delibes automáticamente me enamoré de ella. Yo estaba interpretando Las guerras de nuestros antepasados y le dije que la Señora de rojo… tenía que ser adaptada. Él me dijo que no insistiera porque no quería ponerle cara al personaje de Nicolás, pero poco antes de su muerte, pude hacer una lectura dramatizada de un par de pasajes, y junto con José Samano, volvimos a insitir. Con Delibes ya fallecido, fue la familia la que accedió a que hiciéramos esta adaptación”.

Y si aquello que rodea la obra no fuera suficiente, la historia de Señora de Rojo… no resta emoción a las representaciones. La novela plantea una reflexión casi existencialista de un pintor, Nicolás, ante la pérdida de su mujer con España en 1975 como telón de fondo. Delibes construye, en realidad, un reflejo de su propia memoria, y del intento reparar en él la memoria de su esposa Ángeles de Castro. En su discurso de ingreso en la Real Academia de la Lengua dijo de ella: “Soy consciente de que con su desaparición ha muerto la mitad de mí mismo”. En esta autoficción, Nicolás es un artista plástico que no consigue pintar. El paralelismo nunca se escondió, pero el escritor tampoco quiso ponerle nombre ni cara a los personajes. Si Cinco horas con Mario es la cara, Señora de roja con fondo gris es la cruz: dos historias con valores y vidas antitéticos, dos monólogos con ausencias.

Estará en el Teatro Principal de Zaragoza hasta el domingo, 25 de octubre.

**************************************************************************************************************

EXPLOTA EXPLOTA (Dir. Nacho Álvarez)

Texto: Yolanda Aguas

Cuenta la historia de María (García-Jonsson), una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad. Y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Explota explota, musical basado en los grandes éxitos de Raffaella Carrà y que apuntaba maneras para ser el éxito en taquilla que la industria del cine necesita en estos momentos. Pero, sorprendemente, no ha sido así.
‘Explota Explota’ es un musical celebrado en los años setenta en nuestro país que se enfrenta a la censura de la época con canciones de Raffaella Carrà. Y con una protagonista, Ingrid García Jonsson, con ganas de romper las absurdas normas establecidas. Qué puede salir mal a partir de aquí. Nacho Álvarez es el encargado de dirigir esta bonita locura, acompañado en el guion de Eduardo Navarro y David Esteban Cubero.

Ingrid García Jonsson es María, la protagonista. La joven rebelde que ama bailar y que quiere hacerlo por encima de la censura. No por el placer de saltarse las normas, que un poco también, más bien por el convencimiento de que esas normas son un sinsentido. Quiere cambiar las cosas para vivir mejor, para vivir como se debe vivir. Hay una escena muy significativa en la que reflexiona sobre lo decente y lo indecente, y queda claro el por qué de su incomprensión y su posterior rebeldía
Junto a ella, Verónica Echegui, Fernando Guallar es el joven enamorado de María, y completa el trío de buenas interpretaciones pasando por todos los estados de ánimo necesarios con naturalidad y con rotundidad. Bien por los tres, que tienen aún más compañía: Fernando Tejero, Pedro Casablanc, la fantástica diva Natalia Millán, el italiano Giuseppe Maggio o Fran Morcillo.

*********************************************************************************

Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

VERANO DEL 85 (Dir. François Ozon)

Texto: Yolanda Aguas

¿Con qué sueñas cuando tienes 16 años y estás en un resort en la costa de Normandía en los años 80?, ¿con tener un mejor amigo?, ¿con hacer un pacto de amistad que dure para siempre?, ¿con tener mil aventuras en barco o en moto acuática? O quizás sueñas con la muerte… Las vacaciones de verano acaban de comenzar y esta historia cuenta cómo Alexis empieza a crecer.

Hay mucho cine en la apuesta y destellos que van a emocionar en tanto uno muestre disposición para dejarse llevar por la nostalgia o por las circunstancias, ya que los más jóvenes pueden verse totalmente identificados en lo expuesto. En resumen, un Ozon bien marinado que no sacia del todo, pero cosquillea en el paladar. Quedémonos con ese momento Sailing en la pista de baile, es íntimo… pero también un regalo que el joven y trágico David nos hace para que nos imaginemos un poco eternos.
Alexis (Félix Lefebvre), de 16 años, aparece en la primera secuencia del filme custodiado por gendarmes y acto seguido frente a una educadora que le suplica que le explique lo ocurrido. El joven narra los acontecimientos a través de la escritura y en su relato aparece el futuro cadáver, David Gorman (Benjamin Voisin), de 18 años y de ahí a la evocación de una época pasada, del verano en que todo cambió, y que Ozon nos muestra en su esplendor mientras suena In Between Days de la banda británica The Cure.

Por cierto, la imagen de Robert Smith está presente como un fantasma icónico durante todo el filme, algo que sus fans agradecemos. El filme propone y suma secuencias que perduran, como esos paseos de los protagonistas en moto, sus incursiones en el mar en el velero Calypso o esa recopilación de miradas inflamadas mientras los protagonistas curan sus heridas tras una pelea en un parque de atracciones. Solo esa secuencia delicada y desnuda ya justifica todo un filme.
Otro de esos momentos mágicos y que procuran que el recuerdo de los días felices se transformen en manos de Ozon en una ensoñación que va más allá de lo físico, se da en la secuencia de la discoteca; en ella David y Alexis bailan desenfrenados hasta que el primero hace un aparte y aísla al joven enamorado colocándole unos walkman con la canción Sailing de Rod Steward, el tema silencia el repertorio de la discoteca y nos hace participes de ese regalo. Un momento cinematográfico muy bello.


De nuevo el cine de Ozon… no hace falta añadir más.

*****************************************************************************

Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

AKELARRE (Dir. Pablo Agüero)

Texto: Yolanda Aguas

País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

La película es de gran calidad visual, destacando de ella la impresionante fotografía que muestra de un lúgubre País Vasco en el año 1609. También es muy acorde la gran capacidad del filme en caracterizar no solo a los personajes, sino también las localizaciones, lo cual hace que perfectamente podamos involucrarnos en todo el ambiente. Sin duda, otro gran acierto de esta película, son las fantásticas interpretaciones. Destacan muy favorablemente las protagonistas que interpretan a las jóvenes acusadas de brujería, con una gran Amaia Aberasturi a la cabeza del magnífico reparto, lleno de nuevos nombres y jóvenes promesas del cine vasco.
Tal y como dice el título de la película, ‘Akelarre’ es grandiosa, y es que, la mejor escena del filme, es el propio akelarre, el cual se celebra al final de la película con una hilarante y escalofriante coreografía. Una escena esencial en la historia del cine vasco que una vez más, nos muestra otra historia, desde una perspectiva hasta ahora no vista, de la brujería vasca

El ritmo que cobra la película en determinados momentos, que hacen que haya instantes aburridos, densos e innecesarios.

***********************************************************************

Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA PASTELERÍA EN NOTTING HILL (Dir. Eliza Schroeder)

Texto: Yolanda Aguas

Decidida a cumplir el sueño de su difunta madre de abrir una pastelería en Notting Hill, la joven Clarissa pide ayuda a la mejor amiga de su madre, Isabella, y a su excéntrica abuela, Mimi. Estas tres generaciones de mujeres necesitarán superar el dolor, las dudas y las diferencias para honrar el recuerdo de su amada Sarah mientras se embarcan en un viaje para establecer en Londres una tienda llenar de amor, esperanza y coloridos pasteles.
La película Una pastelería en Notting Hill acabará reuniendo a tres generaciones que intentarán por todos los medios llevar a buen puerto el sueño de la difunta Sarah (Candice Brown). El amor moverá a tres mujeres con personalidades muy distintas para intentar aportar la mejor versión de sí mismas para sacar la pastelería hacia adelante, y así, de alguna manera honrar el recuerdo de su ser querido.

Las interpretaciones de Shannon Tarbet, como Clarissa, Celia Imrie como Mimi y Shelley Conn como Isabella suponen el verdadero sustento y motor de la trama. Su fuerza y decisión caracterizan a este grupo de inexpertas emprendedoras, que deberán confiar en ellas mismas y en el apoyo de sus compañeras para mantener el negocio.
La película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder y en el guion para Jake Brunger, plantea en su inicio un melodrama que con el paso de los minutos irá transformándose en una comedia gastronómica, para finalizar como una comedia romántica al uso.
Se echará de menos durante todo el metraje algo más de arrojo y valentía para salirse del canon previamente establecido en este tipo de películas. Concluyendo, un relato amable aunque quizá demasiado edulcorado y ligero. Se echa de menos más riesgo tanto en su guion como en los elementos técnicos que la componen. Aún así resulta entretenida y vistosa, aunque no nos resulte lejana a un telefilm de sobremesa.

***********************************************************************

Nota: Las fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

PALMARÉS DE LA 68 EDICIÓN DEL SSIFF

Finalizada la 68 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, facilitamos a continuación el PALMARÉS:

Concha de Oro a la mejor película: Dasatskisi (Beginning, Dea Kulumbegashvili)

Premio Especial del Jurado: Crock of gold: A few rounds with Shane Macgowan (Julien Temple)

Concha de Plata a la mejor dirección: Dea Kulumbegashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata a la mejor actriz: Ia Sukhitashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata al mejor actor: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe (Druk)

Premio del Jurado al mejor guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli (Dasatskisi)

Premio del Jurado a la mejor fotografía: Yuta Tsukinaga (Nakuko wa ineega)

Premio Kutxabank-New Directors: La última primavera (Isabel Lamberti)

Mención especial: Ge sheng yuán hé màn bàn pai (Slow singing, Dong Xingyi)

Premio Horizontes: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

Mención especial: Las mil y una (Clarisa Navas)

Premio Zabaltegi-Tabakalera: A metamorfose dos pássaros (Catarina Vasconcelos)

Mención especial: Domangchin yeoja (The woman who ran, Hong Sang-Soo)

Premio del Público Ciudad de Donostia/San Sebastián: The father (Florian Zeller)

Premio del Público a la Mejor Película Europea: El agente topo (Maite Alberdi)

Premio Orona-Nest: Catdog (Ashmita Guha)

Mención especial: The speech (Haohao Yan)

Premio Irizar al Cine Vasco: Ane (David Pérez Sañudo)

Premio TCM de la Juventud: Limbo (Ben Sharrock)

Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa-América Latina: Pobres pibes (Benjamín Naishtat)

Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa): ¿Quién mató a Narciso? (Marcelo Martinessi)

Premio Eurimages al desarrollo de coproducción: El repartidor está en camino (Martín Rejtman)

Artekino International Prize: El día de mi bestia (Camila Beltrán)

Premio de la Industria WIP Latam: Piedra Noche (Iván Fund)

Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam: El empleado y el patrón (Manuel Nieto)

Premio de la Industria WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio RTVE-Otra mirada: Never rarely sometimes always (Nunca, casi nunca, a veces, siempre, Eliza Hittman)

Mención especial: Gal-mae-gi (Gull, Kim Mi-Jo)

Premio Cooperación Española: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

*********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Séptimo día: Jueves, 24-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Séptimo día: Jueves, 24-09-2020

Hoy jueves se proyectaba, a las 8:30 h, en el Teatro Principal la película CAMPANADAS A MUERTO del director Imanol Rayo.

Campanadas a muerto  (Dir. Imanol Rayo – Nuevos Directores – 95 minutos).

En los terrenos del caserío Garizmendi aparece un esqueleto enterrado. Sin saber a qué atenerse, Fermín Araia y su mujer, Karmen, llaman a su hijo Néstor, que acude a hacerse cargo. A la mañana siguiente Fermín no aparece y Néstor descubre que también han desaparecido los huesos. A su aviso acuden dos inspectores de la Sección Criminal, Ezpeleta y Kortazar, quien muestra especial interés por el caso, y mientras se encuentran en el caserío la campana de la ermita cercana comienza a doblar a muerto.

Magnífica producción vasca interpretada con solvencia y oficio por actores vascos muy conocidos por su trayectoria en series de ámbito nacional.

A las 12 h, y asistí en el K1 a la proyección de la película FALLING del director y actor Viggo Mortensen.

Falling (Dir. Viggo Mortensen ), Premio DONOSTIA. 113 minutos.

John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen) un granjero tradicional y conservador de 80 años, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse. Una vez todo juntos, dos mundos muy diferentes colisionan. Willis muestra señas de estar perdiendo la cordura, y su peculiar forma de ser, tan divertida como dañina para algunos miembros de la familia, saca a relucir heridas del pasado y de años de desconfianza entre sus allegados.

Gran película de Viggo Mortensen.  Llena de humanidad y comprensión.  Una película que no juzga.

A las 14:25 h. Rueda de Prensa: VIGGO MORTENSEN.  Premio DONOSTIA.

Viggo Mortensen dijo sentirse “muy afortunado” por su carrera cinematográfica, por la que este jueves recibirá el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, y aseguró que el deseo de formar parte del mundo del cine le impulsa desde que fue por primera vez al cine con su madre a los tres años.

“He tenido mucha suerte en mi carrera, he podido trabajar con muchos directores importantes, y he encarnado papeles muy buenos, pero para la suerte también hay que prepararse, estar listo para reconocer las oportunidades”, matizó en una rueda de prensa en la que también ha presentado sudebut como director, el drama paternofilial ‘Falling’.

Mortensen es conocido en todo el mundo por papeles como el Aragornde ‘El señor de los anillos’, las películas de David Cronenberg ‘Promesas del este’ o ‘Una historia de violencia’ y más recientemente por ‘Captain fantastic’ o ‘Green Book’ por las que obtuvo nominaciones al Oscar.  Recordó también sus primeros trabajos en el cine, cuando le cortaban en el montaje finalsin avisarle y ni siquiera salía en los títulos de crédito, como le ocurrió con ‘La rosa púrpura de El Cairo’ de Woody Allen.

“No conozco otra vida, desde hace 38 años mi vida está vinculada al cine y al deseo de formar parte de ese mundo, no he perdido la curiosidad, siempre me ha interesado y me sigue interesando el rompecabezas de llevar un guion a la pantalla”, señaló.

El actor ha defendido el oficio como untrabajo colectivo, pese a que en ‘Falling’ dirige, actúa, escribe, produce y hasta ha compuesto la música. “He visto guiones muy buenos que resultan en películas mediocres por falta de trabajo colectivo y guiones no tan buenos que resultan en muy buenas películas”.

Falling, que se estrenará en cines el próximo 2 de octubre, gira en torno a la difícil relación entre un padre granjero(Lance Henriksen/Sverirr Gudnason), solitario, muy conservador e inflexible y un hijo homosexual (Mortensen) que intenta reconciliarse con él.

 A las 15:45 h en el Teatro Principal, asistí al pase de prensa de la película  NAM-MAE WUI YEO-REUM-BAM.

NAM-MAE WUI YEO-REUM-BAM / MOVING ON (HERMANOS EN UNA NOCHE DE VERANO) (Dir. Yoon Dan-bi ), PERLAS. 104 minutos.

Okju y Dongju se mudan a la casa de su abuelo durante sus vacaciones de verano después de que su padre se arruine. Dongju se adapta bien a su nuevo hogar, mientras que Okju se siente extraña en ese nuevo entorno. Poco después de que su tía, que está a punto de divorciarse, también venga a vivir con ellos, y conforme Okju pasa tiempo con la familia y tanto la casa como su abuelo empiezan a gustarle. Sin embargo, cuando el abuelo cae enfermo, su padre y su tía deciden enviarle al sanatorio y vender la casa.

Yoon Dan-bi (Gwangju, Corea del Sur. 1990) dirigió en 2015 el cortometraje Fireworks, proyectado en el Festival de Daegu. Nam-mae wui Yeo-reum-bam, su primer largometraje, se estrenó en el Festival de Busan, donde recibió cuatro galardones. También fue distinguido con el premio Bright Future en el Festival de Rotterdam.

Una película llena de vida y una grata sorpresa inesperada de este 68SSIFF.

*************************************************************************************************************

Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Sexto día: Miércoles, 23-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Sexto día: Miércoles, 23-09-2020

Hoy miércoles 23 tenía una cita con la directora española Laura Herrero Garvín en el Hotel María Cristina.  Su documental, LA MAMI, se proyectará en la Sección Made in Spain.

Entrevista a Laura Herrero Garvín (extracto):

La primera vez que pensé en hacer esta película, fue porque fui a bailar al Barba Azul, subí al baño y escuché a una chica decir ‘Mami, me pidió matrimonio, no sé qué decirle.’ Y La Mami le dijo ‘Hija, te pide matrimonio todas las semanas, no le hagas caso.’ Me hizo mucha gracia, pero además pensé ‘Wow, qué fuerte que esté esta señora aquí, aconsejándolas. Bajé a bailar, volví a subir y me senté a observar un poco y empecé a entender lo importante que era, para esas mujeres -que tienen unas noches frenéticas en la pista de baile, en donde compiten y se exponen a muchas cosas- tener un pilar, como una madre en un espacio como este, al que ellas pudieran subir, desahogarse, agarrar fuerza y volver a bajar.

Ese fue el primer impulso de la película. Luego, cuando conocí a Priscila, que la conocí tres años después de empezar a investigar, se convirtió en otra cosa, porque para mí la alianza más fuerte que se retrata es la amistad entre Priscila y La Mami, desde la complejidad de cada una.

Cuando llegué ahí me di cuenta de que no era un lugar de tan fácil acceso y que tenía que pasar tiempo investigando antes de llegar a poner una cámara, porque las chicas al principio no querían que yo estuviera ahí. La Mami sí estaba más contenta, pero las chicas no. Logré una intimidad superfuerte con ellas, en cuanto a nivel humano. El 99% es cine directo, la realización fue muy observacional. Hay cosas, como la llegada de Priscila, que no estaba mirando a la entrada, pero que recreamos en los inicios de su llegada. Siempre digo que fue un regalo del Dios del documental, que llegó cuando habíamos conseguido fondos para empezar a filmar. Yo no me la esperaba en la historia y se convirtió en un personaje importante. Hay momentos puntuales que están recreados, pero muy poco. La mayoría es cine directo, pero trabajado con este audio fuera de campo, que en edición se pudo construir mucho más. Yo sabía que quería una película en la que se rompiera la cuarta pared y que las conversaciones fueran solo entre ellas. Porque el objetivo de la peli es retratar sus alianzas, entonces no tenía sentido que hablaran conmigo. Y también quería grabar en el baño con una cámara con actitud fuerte, que estuviera estática, que mirara, que no fuera tan subjetiva. También porque muchas chicas no querían salir en la película. Fui preguntando una a una y algunas me dijeron que querían salir con todo; otras que no querían salir de la cara, pero sí su voz; otras que no querían salir para nada; y otras que solo la espalda. Yo tenía que saber muy bien a quién filmaba, porque también era la camarógrafa, y ese audio fuera de campo me servía mucho para ocultar identidades.

A las 11;30 h, y asistí en el Teatro Victoria Eugenia a la proyección de la película SENTIMENTAL de Cesc Gay.

Sentimental (Dir. Cesc Gay), PROYECCIONES RTVE – Gala RTVE. 81 minutos.

Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirà la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro… Adaptación cinematográfica de ‘Los vecinos de arriba’, la obra teatral debut de Cesc Gay.

A las 18:15 h, y asistí en el Kursaal (K2) a la proyección de la película LAS MIL Y UNA de la directora Clarisa Navas, dentro de la sección Horizontes Latinos.

Las mil y una  (Dir. Clarisa Navas), HORIZONTES LATINOS. 120 minutos.

Cuando Iris conoce a Renata, una joven con un pasado difícil, se siente inmediatamente atraída por ella. Tendrá que superar sus miedos y enfrentarse a sus inseguridades para experimentar el primer amor. Una historia llena de ternura en un entorno muy hostil en el que el deseo adopta muchas formas en la oscuridad y los cotilleos pueden convertirse en un arma. Proyecto presentado en el Foro de Coproducción en 2018.

Clarisa Navas (Corrientes, Argentina. 1989) es licenciada en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de las Artes de Argentina (UNA). En 2017 dirigió su primer largometraje, Hoy partido a las 3, que participó en festivales como BAFICI, Biarritz, Lima o Valladolid. El segundo, Las mil y una, fue seleccionado para el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián en 2018, se presentó en la sección Panorama del pasado Festival del Berlín y ganó el premio a la Mejor Película en la competición internacional del Festival de Jeonju.

Al término de la proyección hubo un coloquio con el público.

****************************************************************************************************************

Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 

Quinto día: Martes, 22-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Quinto día: Martes, 22-09-2020

Hoy martes se proyectaba en la sala grande del Kursaal K1) la película SUTEMOSE / IN THE DUSK (EN LA OSCURIDAD):

Sutemose / In the Dusk (En la oscuridad)  (Dir. Šarūnas Bartas– 128 minutos).

Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas.  Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia…

Šarūnas Bartas dirigió en 1991 su primer largometraje Trys dienos (Three Days), estrenado en la sección Forum del Festival de Berlín. En su filmografía destacan Few of Us (1996), A Casa (The House, 1997) -ambas estrenadas en Un Certain Regard del Festival de Cannes-, Freedom (2000), que compitió en Venecia, Septyni nematomi žmonės (Seven Invisible Men, 2005), proyectada en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes, Indigène d’Eurasie (Eastern Drift,  2010), con la que volvió a Forum de la Berlinale y que fue incluida en la retrospectiva Eastern Promises del Festival de San Sebastián en 2014, Peace to Us in Our Dreams (2015) y Frost (2017), ambas exhibidas en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. Sutemose está incluida en la selección oficial del Festival de Cannes 2020, cancelado por la covid-19.

La película que compite en la Sección Oficial del 68SSIFF requiere un esfuerzo por parte del público.  Su arranque es muy interesante, especialmente cuando se centra en los rostros de sus protagonistas (impresionantes primeros planos).  Sin embargo, la película transcurre a ritmo muy lento, quizá demasiado, y eso provoca cierta impaciencia en el espectador.

A las 11:45 h, y asistí en los cines Príncipe, Sala 9 a la proyección de los dos primeros capítulos de la serie ALARDEA / BOAST dirigida por David Pérez Sañudo.

Alardea / Alarde  (Dir. David Pérez Sañudo– Gala EITB  – 91 minutos).

La vida de Amaia sufrirá un vuelco cuando la asociación de mujeres de Uriola, su pueblo, pretenda desfilar en el alarde tradicional. Implicarse en este tema es algo que podría enfrentar a esta profesora de infantil con su comunidad y con su familia. Tomar una decisión supondrá un gran dilema para ella. La lucha que se planea también implica el reencuentro de Amaia con su madre, Edurne, ahora enferma y de la que se distanció hace 25 años después del divorcio y la posterior muerte de su padre. Amaia nunca ha perdonado que su madre antepusiese su implicación a favor del alarde mixto a los intereses de la familia. Y no está dispuesta a que se repita la misma historia, precisamente el año en el que su marido Aitor es nombrado burgomaestre y su hija Jone cantinera. Presentación de dos de los cuatro capítulos de esta miniserie.

David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987) es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid y máster en dirección cinematográfica en la ESCAC. Ha dirigido más de 10 cortometrajes que han pasado por más de 400 festivales, como Clermont Ferrand, Gijón,  Málaga, Brest o Manchester, y han recibido diversos premios y nominaciones. Entre ellos se encuentran Indirizzo (2011), Malas vibraciones (2014), Artificial (2015), Tiempos muertos (2017) y Aprieta pero raramente ahoga (2017), que formó parte de la selección de Kimuak y se presentó en el Festival de San Sebastián. Ane, su primer largometraje como director, guionista y productor, se presentó el pasado domingo 20, en New Directors.

A las 19 h, y asistí en los cines Trueba, Sala 1 a la proyección de Las niñas de Pilar Palomero, dentro de la sección Made in Spain.

Las niñas  (Dir. Pilar Palomero), Made in Spain. 100 minutos.

Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

Brisa parece mayor a las demás y sus intereses personales van más allá de Dios y los preceptos religiosos. Lleva sujetador de adultos, escucha a grupos de Zaragoza como Niños del Brasil o Héroes del Silencio, e incita a su amiga a que sea más atrevida, que mire más allá de los muros y vallas de la escuela católica.

Pilar Palomero, en su gran opera prima, ha dado con la clave del éxito de crítica y público.

**********************************************************************************************************************

Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.