Fotografía: Yolanda Aguas

UNA PERSONALIDAD INCLASIFICABLE

Gonzalo Suárez (Oviedo, 1934) es una figura imprescindible en el cine español, destacado en festivales como Cannes, Berlín, Río de Janeiro, Moscú, Chicago, París o San Sebastián.
El cineasta, que se define como un “escritor que hace cine”, firma una obra cinematográfica y literaria en la que se entremezclan constantemente la realidad y la imaginación. Suyas son algunas de las películas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX en España, como las multipremiadas: Ditirambo, Remando al viento (por la que consiguió la Concha de Plata del Festival de San Sebastián y el Goya a Mejor Director), Epílogo (Premio de la juventud en el Festival de Cannes) o Don Juan en los infiernos, entre otras muchas. En su palmarés figuran el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro de Bellas Artes, ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y de la Orden de Alfonso X el Sabio, la primera vez que se otorgaba esta condecoración a un director de cine; además de contar con ocho premios Goya para sus películas.
Su carrera como escritor ha ido paralela a su carrera como director de cine, y ha seguido publicando libros, como Gorila en Hollywood (1980), La reina roja (1981), Ciudadano Sade (1999), El hombre que soñaba demasiado (2005), Las fuentes del Nilo (2011) o La musa intrusa (2019).

RUEDA DE PRENSA EN HUESCA

“Algo que se parezca al cine no se hace solo”. Gonzalo Suárez, director, escritor y guionista, hizo una defensa de todas las personas implicadas en la creación de una película en la rueda de prensa dedicada a la presentación del Premio Luis Buñuel del 49º Festival Internacional de Cine de Huesca, que este año recibe.
“Conozco pocas personas a las que les siente mejor el Luis Buñuel que a Gonzalo”, destacó Luis Alegre, también presente, alegando que “los dos son creadores que han hecho lo que no hacía nadie de una forma singular. Suárez es un género en sí mismo y ha creado una obra literaria y cinematográfica que ya es historia por su audacia y sus ganas de ir más allá”. Suárez ha recibido los piropos comentando que “es la primera vez que me alegra tener una mascarilla para que no se note el abochornamiento que me has producido. Efectivamente, es un género degenerado el mío, pero me gusta más ese que los que siguen el cauce previsible. Si no tienes un punto de aventura, la vida resulta incluso aburrida”.
A la hora de hablar del cineasta aragonés que da nombre al premio, Suárez dijo que “le gustaría eludir lo obvio”, siendo lo obvio que era un genio, concedió. “Pasamos toda una noche tomando vino y sardinas con Joaquim Jordà y nos contó historias de toda índole. Por aquel entonces yo practicaba el periodismo, y escribí una entrevista muy extensa sobre esa noche. Se la llevé antes de publicarla y se puso hecho una furia porque, claro, él no sabía que yo tenía planeado eso, que no lo tenía, sino que se me ocurrió después. Le dije que no pasaba nada, que la entrevista se rompía y me dijo: ‘No, que está bien escrita. Si hablara de mi portero también me interesaría’. Eso sí, Buñuel me censuró su entrevista, como estaba en su derecho, y cortó las cosas que pudiesen molestar”.

ESTRENO MUNDIAL DE SU ÚLTIMO TRABAJO
Suárez también presenta su último cortometraje, Alas de tiniebla, que adapta una historia de Anne-Hélène Suárez con dibujos de Pablo Auladell y que tendrá su estreno mundial en el festival, tras la entrega del Luis Buñuel en un acto en el Teatro Olimpia en el que también se presentará el mediometraje El sueño de Malinche, creado igualmente al alimón con Auladell.
Además del trabajo de la escritora y el ilustrador, Suárez destacó la importante participación del productor Joaquín García de Quirós (productor también El sueño de Malinche), el papel de Juanjo Reguera, editor de sus últimos trabajos, y de los intérpretes Ana Álvarez, José Sacristán y Charo López. “Cuando en los coloquios de cine se habla de una película y se atribuye solo a su director, por ejemplo Blade Runner a Ridley Scott, siempre me parece muy injusto. También están los guionistas, Philip K. Dick…”, comentó, añadiendo que “el caso es que estoy feliz de estar aquí”. “Poco después de la niñez estuve en Huesca, en una montaña y un río, que no recuerdo cómo se llamaban. Pero así es mejor, porque pueden ser todas sus montañas y todos sus ríos”.
Anne-Hélène Suárez explicó que Alas de tiniebla nace de un sueño propio en el que, en medio de una noche, descendían unas aves inmensas y oscuras que, sin embargo, eran a su vez apaciguadoras. “Todas esas aves hacen que la noche esté llena de luces, de matices… Al principio iba a ser un cuento para niños que tuviesen miedo a la noche, para que dejasen de tenerlo”, contó, añadiendo que después lo entremezcló con la leyenda china del arquero Yi.
“Lo que más ilusión me hace es presentar estas dos películas”, que nacieron, según Suárez, porque “yo había grabado unas voces con unos actores y no sabía qué hacer con ellas. Las grabé por desesperación, al haberme fallado un proyecto de peli… o dos, o tres… o cuatro. Ahí entra Pablo Auladell, que no solo encaja por su talento y sus dibujos tan sugerentes, sino porque tiene un talante que soporta muy bien mi sentido del humor y mis juegos de palabras, ambos a menudo insoportables. Pablo es el que realmente ha traducido la historia a imágenes. Yo, como les pasa a la mayoría de los directores, soy el que menos ha hecho”.
“La vida es una formidable maestra del sarcasmo y siempre nos baja los humos”, explicó Auladell. “Antes de conocer a Gonzalo, me llamaba la atención que mis compañeros ilustradores siempre dijesen que su trabajo estaba muy influido por el cine. A mí se me llenaba la boca diciendo que el mío no era tan cinematográfico y que, con el paso del tiempo, aún lo sería menos. Así me quería diferenciar. En 2016 me llama Gonzalo y desde entonces estoy trabajando en cine. El sueño de Malinche y Alas de tiniebla son los dos proyectos más disparatados en los que he participado”, confesó entre risas. “Digo disparatados en el sentido de que, por ejemplo, un lunes me llamaba Gonzalo para decirme: ‘Mira Pablo, he pensado que esta secuencia podría ser un tríptico como El jardín de las delicias pero en azteca’. Y el martes por la tarde ya me estaba preguntando si lo tenía, porque estaban ahí él y Juanjo y querían editar algo”. También añadió que estos trabajos le habían dado la opción de realizar “dos obras muy luminosas”.
“Tenía miedo de que El sueño de Malinche no gustase en México, porque trata un asunto peliagudo, pero tuvo mucho éxito, se proyectó en varios festivales. Y ahora se edita el libro en Francia. Los dibujos le dan un carácter artístico que, a su vez, proporciona distancia y esa distancia nos permite reflexionar. Es otra forma de contar algo que nunca podremos abarcar del todo”.

Con el Premio Luis Buñuel, Gonzalo Suárez se une a una larga lista de personalidades que han recibido este galardón y donde aparecen nombres tan destacados como Bertrand Tavernier, Marisa Paredes, Stephen Frears, Carlos Saura, Ángela Molina, Jean-Claude Carrière, Costa-Gavras, Álex de la Iglesia, los hermanos Taviani o Isabel Coixet, entre muchos otros.

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El actor y director Mario Gas ha presidido el Jurado Oficial del BCN Film Fest 2021 acompañado del cineasta Jaume Balagueró y la actriz Laia Marull.

Ellos han sido los responsables de otorgar el Premio a la Mejor Película de la Sección Oficial, por el que han competido 12 títulos y cuyo fallo ha recaído en ‘Pequeño país‘, película de la que hablamos en la segunda crónica del certamen, una adaptación de la novela de Gaël Faye que narra como la vida feliz de un niño en Burundi cambia radicalmente cuando estalla la violencia en Ruanda en 1993.

PALMARÉS 5a EDICIÓN BCN FILM FEST:

Premio a la mejor película: Pequeño país (Francia) de Eric Barbier.
Premio de la crítica: Sombra (Portugal) de Bruno Gascon.
Premio al mejor guion: Yalda, la noche del perdón (Irán).
Premio al mejor actor: Ulrich Thomsen por The Good Traitor (Dinamarca).
Premio a la mejor actriz (ex aequo): Isabelle Kabano por Pequeño país (Francia) y Denise Gough por The Good Traitor (Dinamarca).
Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música (ex aequo): El poeta y el espía (Italia) y Last Call (Estados Unidos).
Premio a la Mejor Película por sus Valores Históricos: Sombra (Portugal) de Bruno Gascon.

Texto: Yolanda Aguas

Isabelle (Anne Dorval) decide emprender un viaje a Vietnam, tierra natal de su hija adoptiva Clara, con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con ella. A lo largo de esta hermosa aventura, Isabelle descubre el país de su hija a través de los ojos de la mujer que la trajo a este mundo. Esta especie de peregrinaje lleva a las dos mujeres a desvelar sus secretos más íntimos y construir un camino para seguir adelante. «14 días 12 noches» es una travesía increíblemente sublime que examina la influencia de la cultura, la identidad, el perdón y la extraordinaria amistad entre dos mujeres, consolidada por el amor mutuo que comparten por la misma hija.

Dado que casi todas las localizaciones de la película y sus actores provienen de Vietnam podríamos pensar que esta es una película de producción oriental. Pero nada de eso. ‘14 días, 12 noches’ es una producción canadiense que ha llegado a ser la mejor baza del país de América del Norte para los próximos Oscar.

Pero dando la vuelta a lo que acabo de decir, a pesar del origen el filme de Jean-Philippe Duval el carácter es del todo oriental. Ya no solo porque el escenario en el que transcurre todo nos transporta a un cine con tintes asiáticos, también por las formas tan pausadas de narrar, donde los silencios dicen mucho. La película establece una nueva relación entre los personajes de Anne Dorval y Leanna Chea que están ligadas en el pasado y que por causas del destino vuelven a encontrarse.

Es una historia de palabras contenidas en la que la protagonista debe tantear el terreno, tanto social como sentimental. La película se muestra interesante en las escenas en las que se ponen de frente las diferencias entre distintas culturas y nos plantea si es juicioso que la protagonista comunique la fatídica noticia a la joven vietnamita.

Texto: Yolanda Aguas

Cuidar del hogar y plegarse a los deberes conyugales sin rechistar: es lo que enseña con fervor Paulette Van Der Breck en su escuela para muchachas. Sus certezas se tambalearán en el momento en que se encuentre viuda y arruinada. ¿Es el regreso de su primer amor o el viento de libertad del Mayo del 68? ¿Y si la buena esposa se convirtiese en una mujer libre?

Una escuela para amas de casa, donde forman a adolescentes con la pretensión de convertirlas en esposas modelos, es el marco donde se desarrolla esta irónica comedia francesa, ambientada en Mayo del 68. Una época en la que tuvieron lugar espontáneas manifestaciones en Francia (sobre todo en París), con la intención de cambiar el mundo. Y aunque está considerada por muchos como una revolución fallida, lo cierto es que provocó cambios profundos, tanto a la hora de transformar valores morales, como en lo tocante a la liberación de la mujer en cruciales aspectos de la vida cotidiana, incluidas las relaciones sexuales, sometidas a retrógradas restricciones.

También a las inquietas chicas del centro educativo Paulette, como a sus ya veteranas responsables, les llegan los ecos de dicha revuelta, convertida en un jubiloso alegato feminista. A partir de ahí, ‘Manual de la buena esposa’ pone en la picota, sin mala leche, con sentido del humor, comportamientos caducos, al tiempo que se abre de forma luminosa a una existencia más libre y mejor.

La escena final es paradigmática, ya que deja meridianamente claro que sin atracción física no hay sexualidad y sin sexualidad no hay futuro. En definitiva, la vida se expande generosa ante las ilusionadas protagonistas de este soplo de aire fresco.

Como siempre, lo más destacado de esta película es la presencia de la gran e irrepetible Juliette Binoche.

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Nota: Las fotografías insertadas son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

Cuenta la historia de María (García-Jonsson), una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad. Y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Explota explota, musical basado en los grandes éxitos de Raffaella Carrà y que apuntaba maneras para ser el éxito en taquilla que la industria del cine necesita en estos momentos. Pero, sorprendemente, no ha sido así.
‘Explota Explota’ es un musical celebrado en los años setenta en nuestro país que se enfrenta a la censura de la época con canciones de Raffaella Carrà. Y con una protagonista, Ingrid García Jonsson, con ganas de romper las absurdas normas establecidas. Qué puede salir mal a partir de aquí. Nacho Álvarez es el encargado de dirigir esta bonita locura, acompañado en el guion de Eduardo Navarro y David Esteban Cubero.

Ingrid García Jonsson es María, la protagonista. La joven rebelde que ama bailar y que quiere hacerlo por encima de la censura. No por el placer de saltarse las normas, que un poco también, más bien por el convencimiento de que esas normas son un sinsentido. Quiere cambiar las cosas para vivir mejor, para vivir como se debe vivir. Hay una escena muy significativa en la que reflexiona sobre lo decente y lo indecente, y queda claro el por qué de su incomprensión y su posterior rebeldía
Junto a ella, Verónica Echegui, Fernando Guallar es el joven enamorado de María, y completa el trío de buenas interpretaciones pasando por todos los estados de ánimo necesarios con naturalidad y con rotundidad. Bien por los tres, que tienen aún más compañía: Fernando Tejero, Pedro Casablanc, la fantástica diva Natalia Millán, el italiano Giuseppe Maggio o Fran Morcillo.

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Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

¿Con qué sueñas cuando tienes 16 años y estás en un resort en la costa de Normandía en los años 80?, ¿con tener un mejor amigo?, ¿con hacer un pacto de amistad que dure para siempre?, ¿con tener mil aventuras en barco o en moto acuática? O quizás sueñas con la muerte… Las vacaciones de verano acaban de comenzar y esta historia cuenta cómo Alexis empieza a crecer.

Hay mucho cine en la apuesta y destellos que van a emocionar en tanto uno muestre disposición para dejarse llevar por la nostalgia o por las circunstancias, ya que los más jóvenes pueden verse totalmente identificados en lo expuesto. En resumen, un Ozon bien marinado que no sacia del todo, pero cosquillea en el paladar. Quedémonos con ese momento Sailing en la pista de baile, es íntimo… pero también un regalo que el joven y trágico David nos hace para que nos imaginemos un poco eternos.
Alexis (Félix Lefebvre), de 16 años, aparece en la primera secuencia del filme custodiado por gendarmes y acto seguido frente a una educadora que le suplica que le explique lo ocurrido. El joven narra los acontecimientos a través de la escritura y en su relato aparece el futuro cadáver, David Gorman (Benjamin Voisin), de 18 años y de ahí a la evocación de una época pasada, del verano en que todo cambió, y que Ozon nos muestra en su esplendor mientras suena In Between Days de la banda británica The Cure.

Por cierto, la imagen de Robert Smith está presente como un fantasma icónico durante todo el filme, algo que sus fans agradecemos. El filme propone y suma secuencias que perduran, como esos paseos de los protagonistas en moto, sus incursiones en el mar en el velero Calypso o esa recopilación de miradas inflamadas mientras los protagonistas curan sus heridas tras una pelea en un parque de atracciones. Solo esa secuencia delicada y desnuda ya justifica todo un filme.
Otro de esos momentos mágicos y que procuran que el recuerdo de los días felices se transformen en manos de Ozon en una ensoñación que va más allá de lo físico, se da en la secuencia de la discoteca; en ella David y Alexis bailan desenfrenados hasta que el primero hace un aparte y aísla al joven enamorado colocándole unos walkman con la canción Sailing de Rod Steward, el tema silencia el repertorio de la discoteca y nos hace participes de ese regalo. Un momento cinematográfico muy bello.

De nuevo el cine de Ozon… no hace falta añadir más.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

La película es de gran calidad visual, destacando de ella la impresionante fotografía que muestra de un lúgubre País Vasco en el año 1609. También es muy acorde la gran capacidad del filme en caracterizar no solo a los personajes, sino también las localizaciones, lo cual hace que perfectamente podamos involucrarnos en todo el ambiente. Sin duda, otro gran acierto de esta película, son las fantásticas interpretaciones. Destacan muy favorablemente las protagonistas que interpretan a las jóvenes acusadas de brujería, con una gran Amaia Aberasturi a la cabeza del magnífico reparto, lleno de nuevos nombres y jóvenes promesas del cine vasco.
Tal y como dice el título de la película, ‘Akelarre’ es grandiosa, y es que, la mejor escena del filme, es el propio akelarre, el cual se celebra al final de la película con una hilarante y escalofriante coreografía. Una escena esencial en la historia del cine vasco que una vez más, nos muestra otra historia, desde una perspectiva hasta ahora no vista, de la brujería vasca

El ritmo que cobra la película en determinados momentos, que hacen que haya instantes aburridos, densos e innecesarios.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

Decidida a cumplir el sueño de su difunta madre de abrir una pastelería en Notting Hill, la joven Clarissa pide ayuda a la mejor amiga de su madre, Isabella, y a su excéntrica abuela, Mimi. Estas tres generaciones de mujeres necesitarán superar el dolor, las dudas y las diferencias para honrar el recuerdo de su amada Sarah mientras se embarcan en un viaje para establecer en Londres una tienda llenar de amor, esperanza y coloridos pasteles.
La película Una pastelería en Notting Hill acabará reuniendo a tres generaciones que intentarán por todos los medios llevar a buen puerto el sueño de la difunta Sarah (Candice Brown). El amor moverá a tres mujeres con personalidades muy distintas para intentar aportar la mejor versión de sí mismas para sacar la pastelería hacia adelante, y así, de alguna manera honrar el recuerdo de su ser querido.

Las interpretaciones de Shannon Tarbet, como Clarissa, Celia Imrie como Mimi y Shelley Conn como Isabella suponen el verdadero sustento y motor de la trama. Su fuerza y decisión caracterizan a este grupo de inexpertas emprendedoras, que deberán confiar en ellas mismas y en el apoyo de sus compañeras para mantener el negocio.
La película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder y en el guion para Jake Brunger, plantea en su inicio un melodrama que con el paso de los minutos irá transformándose en una comedia gastronómica, para finalizar como una comedia romántica al uso.
Se echará de menos durante todo el metraje algo más de arrojo y valentía para salirse del canon previamente establecido en este tipo de películas. Concluyendo, un relato amable aunque quizá demasiado edulcorado y ligero. Se echa de menos más riesgo tanto en su guion como en los elementos técnicos que la componen. Aún así resulta entretenida y vistosa, aunque no nos resulte lejana a un telefilm de sobremesa.

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Nota: Las fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

Finalizada la 68 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, facilitamos a continuación el PALMARÉS:

Concha de Oro a la mejor película: Dasatskisi (Beginning, Dea Kulumbegashvili)

Premio Especial del Jurado: Crock of gold: A few rounds with Shane Macgowan (Julien Temple)

Concha de Plata a la mejor dirección: Dea Kulumbegashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata a la mejor actriz: Ia Sukhitashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata al mejor actor: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe (Druk)

Premio del Jurado al mejor guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli (Dasatskisi)

Premio del Jurado a la mejor fotografía: Yuta Tsukinaga (Nakuko wa ineega)

Premio Kutxabank-New Directors: La última primavera (Isabel Lamberti)

Mención especial: Ge sheng yuán hé màn bàn pai (Slow singing, Dong Xingyi)

Premio Horizontes: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

Mención especial: Las mil y una (Clarisa Navas)

Premio Zabaltegi-Tabakalera: A metamorfose dos pássaros (Catarina Vasconcelos)

Mención especial: Domangchin yeoja (The woman who ran, Hong Sang-Soo)

Premio del Público Ciudad de Donostia/San Sebastián: The father (Florian Zeller)

Premio del Público a la Mejor Película Europea: El agente topo (Maite Alberdi)

Premio Orona-Nest: Catdog (Ashmita Guha)

Mención especial: The speech (Haohao Yan)

Premio Irizar al Cine Vasco: Ane (David Pérez Sañudo)

Premio TCM de la Juventud: Limbo (Ben Sharrock)

Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa-América Latina: Pobres pibes (Benjamín Naishtat)

Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa): ¿Quién mató a Narciso? (Marcelo Martinessi)

Premio Eurimages al desarrollo de coproducción: El repartidor está en camino (Martín Rejtman)

Artekino International Prize: El día de mi bestia (Camila Beltrán)

Premio de la Industria WIP Latam: Piedra Noche (Iván Fund)

Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam: El empleado y el patrón (Manuel Nieto)

Premio de la Industria WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio RTVE-Otra mirada: Never rarely sometimes always (Nunca, casi nunca, a veces, siempre, Eliza Hittman)

Mención especial: Gal-mae-gi (Gull, Kim Mi-Jo)

Premio Cooperación Española: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.