Es la ópera prima del director y productor británico Michael Morris (Better Call Saul, 2015) y está protagonizado por Andrea Riseborough (Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia, 2014). La película llega a los cines gracias a la nominación al Óscar, no sin polémica incluida, de su protagonista a Mejor Actriz Principal.

El guion está escrito por Ryan Binaco, basándose en su historia y en la vida de su madre. Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.
Cuenta con una gran interpretación de Andrea Riseborough en el papel de esta mujer que ha perdido todo en su vida. Ella intenta ser una buena madre, conseguir un trabajo, una estabilidad y recuperar la relación con su hijo, pero su adicción le impide conseguirlo. El espectador se dará cuenta que estamos ante la clásica historia de superación de Hollywood sobre una mujer de clase baja estadounidense que intenta sobrevivir.

En definitiva, TO LESLIE es una historia de superación clásica que muestra sus cartas desde el principio. No intenta ocultar el uso de los convencionalismos típicos de este tipo de narraciones sobre la superación personal para conmover al espectador, aunque no lo consiga. Sin embargo, merece la pena la buena interpretación de Andrea Riseborough, que consigue su primera nominación al Óscar por este papel.

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Carl y Yaya son una pareja de modelos que comparten un viaje en crucero, serán la excusa perfecta para una sucesión de hechos que invertirán los tradicionales papeles sociales. Los sometidos obtendrán el poder representados por Abigail; naufragio mediante, habrá una transformación en las necesidades humanas que trastocará una escala de valores estrechamente dependiente de la circunstancia.

Del lujo a la precariedad, del exceso a la escasez; dimensiones de la realidad que regulan vínculos sostenidos en la permanente lógica del costo-beneficio. Las formas sociales ocultan el trasiego de los movimientos en la conquista de posiciones. Del feminismo a la lucha de clases, se desemboca en la precariedad bajo el común denominador de la supremacía como objetivo. Los que acatan guardan la impronta de un proceder civilizado; aprendizaje social, evita la violencia y el sometimiento en la competencia por asegurarse un puesto ante la necesidad del momento.

Ostlund sabe jugar con el asco en medio de la abundancia; la comedia establece un balance en su momento más evidente y aparatoso, lo repulsivo compite con el humor, lo diluye en medio de bromas políticas, un empate en las posiciones que nos desplaza de las ideologías a los procesos humanos inherentes a la obtención del poder y su relación con la comunidad.

La película articula el asco con el ridículo y la picardía; logra un efecto contundente que distrae la atención, la discusión teórica es un chiste, las vicisitudes de la práctica arrecian de manera sorpresiva; se instalan en consecuencias inesperadas que ponen a prueba aspiraciones humanas inmersas en contexto hostil.

Película que gustará a muchos y detestarán otros.

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‘Ellas hablan’ cuenta la historia de un grupo de mujeres que pertenecen a una extraña y aislada comunidad religiosa en 2010. Todas ellas pelearán por recuperar el espíritu inicial de esta religión el cual ha sido profanado, igual que su fe, por los abusos sexuales que sufrieron estas mujeres a manos de los hombres de la congregación.
La película está basada en la novela de la escritora, también canadiense, Miriam Toews. Toews y Polley han trabajado juntas en la adaptación del libro a la gran pantalla. El libro, que lleva el mismo nombre que la película, fue publicado en 2018, cinco años después la historia cobra vida.

Para personificar a este grupo de religiosas Polley contará con las actrices: Rooney Mara (‘Milennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’), Claire Foy (‘Fist Man – El primer hombre’), Judith Lee Ivey (‘La mujer de rojo’), Sheila McCarthy (‘Poseído’), Jessie Buckley (‘La hija oscura’) y la ganadora de tres premios Oscars Frances McDormand (‘Nomaland’).
La película está producida por Brad Pitt, Emily Jade Foley y Lucibello Brancatella.

Es una película de reeducación básica rodada para un público que, ya desde su título, no va a ir a verla poniendo como excusa palabras que no significan nada en un mundo cada vez más conservador. Sarah Polley predica a los conversos, habla de los derechos humanos más básicos y pese a todo se ve obligada a poner algunos añadidos para no enfadar a esa gente cuya opinión ya está rubricada antes de empezar a verla. Su existencia es tan absolutamente comprensible… como terriblemente triste.
El filme de Polley tiene aires de obra de teatro, pero intención de llegar a la mayor audiencia posible para esparcir los puntos clave de un mensaje con el que hace años cualquiera estaría de acuerdo, pero que el retroceso cultural (le pese a quien le pese) hace tristemente necesario recalcar. Por obvio que parezca, sí, violar está mal, las mujeres tienen derechos y elección propia.
Es una película interesante, bien rodada, fabulosamente interpretada y con un guion poderoso. En un mundo que cada vez rechaza más los matices, esta película se pregunta si es posible perdonar a tu violador, si el perdón obligado es realmente perdón o si este puede confundirse con permisión. Son preguntas duras, necesarias y que hace no tanto podríamos haber contestado sin dudar.

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Cáit (Catherine Clinch), una niña de nueve años vive retraída entre su numerosa y hostil familia en la Irlanda rural de 1981. Un verano, sus padres deciden mandarla a pasar las vacaciones a casa de unos parientes más adinerados, donde la misteriosa y silenciosa Cáit se encontrará con un el acogedor calor de un hogar, al que no está acostumbrada y con maravillosos e idílicos paisajes. Pero entre todo lo que está conociendo Cáit de su nueva familia adoptiva, descubrirá también el secreto que esconden y se hará eco de él.

Este drama del debutante director irlandes, Colm Bairéad (‘Finné’ o ‘Murdair Mhám Trasna’) presenta una forma de ver el mundo desde la perspectiva de una niña de nueve años que conmueve al espectador. ‘The Quiet Girl’ está cosechando numerosos premios como el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Valladolid, o el Premio del Público, y recientemente ha sido nominada a un Oscar como Mejor Película Internacional.
Protagonizada por Carrie Crowley (‘Red Election’), Andrew Bennett (‘The Cry of Granuaile’), Catherine Clinch, Michael Patric (‘Harry Wild’), Kate Nic Chonaonaigh (‘Song of Granite’) y Carolyn Bracken (‘You Are Not my Mother’), con un guion de Colm Bairéad producida por Cleona Ní Chrualaoí y Des Martin.

La película comienza con una voz en off que grita su nombre, Cáit. Son sus hermanos buscándola mientras la cámara nos la va descubriendo lentamente, agazapada y escondida entre la hierba, en una muy bella imagen en la que parece nacer de la tierra, solitaria y aislada en medio del plano, tal y como la veremos en su entorno a partir de ese momento.

La historia está contada desde la mirada de la niña, con puntos de vista bajos y encuadres donde descubrimos junto a ella lo que tiene alrededor, de ahí que muchas cosas del mundo adulto no se expliciten o no mantengan la continuidad, como corresponde a la percepción fragmentaria y discontinua de una niña de nueve años. Y con ella iremos poco a poco compartiendo también la paz y el cariño que esos parientes lejanos y desconocidos le van a ofrecer. Un amor sin aspavientos, profundo y cálido, expresado en pequeños pero significativos gestos, en miradas o en el simple hecho de compartir armónicamente el espacio. Un aprendizaje, el del afecto y el amor, que Catherine Clinch, la pequeña actriz que interpreta a Cáit, logra transmitir de forma extraordinaria.

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Pádraic Súilleabháin y Colm Doherty son amigos de toda la vida que conviven, junto con un puñado de habitantes, en una remota isla irlandesa. Su duradera amistad se encuentra en un callejón sin salida cuando Colm decide poner punto y final. de forma inesperada. Es entonces cuando Pádraic pide ayuda a su hermana Siobhán y Dominic , el joven y problemático habitante de la isla, para recomponer y retomar la relación. Más personajes entrarán en juego, Peadar Kearney, el policía local cuya antipatía porPádraic y su hermana se intensifica tras su separación de Colm Pero los repetidos intentos de Pádraic solo sirven para reforzar la determinación de su antiguo amigo y cuando Colm le da un desesperado ultimátum, los acontecimientos evolucionan muy rápidamente y con consecuencias impactantes.

Escrita y dirigida por Martin McDonagh, ‘Almas en penas de Inisherin’ se rodó en localizaciones de Inishmore y de la Isla de Achill en la costa occidental de Irlanda. Tiene un reparto conformado por Brendan Gleeson, Colin Farrell, Barry Keoghan, Kerry Condon, Pat Shortt, David Pearse.

La película es una coproducción de Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos, está producida por Blueprint Pictures, Film 4, Fox Searchlight y Metropolitan Films International, mientras que de la distribución en España se encarga Walt Disney Pictures.
A pesar de su aparente atemporalidad, Inisherin da la sensación de responder, ella también, a un tiempo en que el futuro se percibe frágil y dubitativo. Tiempo que da la impresión, sea esta real o falsa, de llevar en sí la semilla de una crisis no muy lejana en la que la tensión entre lo individual y lo colectivo podría llegar a ser un conflicto a vida o muerte.

Desde este punto de vista, quizá, y solo quizá, no quepa entender la película de McDonagh como una simple muestra de la visión cínica y pesimista del autor. Quizá, y solo quizá, se trate de un intento de que, si llega, la prueba del dolor no nos pille desprevenidos y que, entre la grandeza y la miseria, podamos tomar la decisión correcta.
Quizá no se trate de un pronóstico sino de una advertencia.

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Film semiautobiográfico de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 60, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre, artista (Michelle Williams), y su pragmático padre, ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad.

Autobiografías más o menos explícitas, con más o menos margen para la fantasía, pero que parten de un impulso común: la necesidad de contar ese primer beso de ese primer y único amor que es el cine. Ahora le toca el turno al hombre que inventó el blockbuster, al gran pope de Hollywood: Steven Spielberg con Los Fabelman, su propio relato de esa primera experiencia sexual adolescente con la pantalla de un cine, la historia de una familia judía de clase media en los Estados Unidos de los años cincuenta, en esa época de bonanza y optimismo que siguió a la Segunda Guerra Mundial.

Los Fabelman es un retrato intimista sobre la infancia de un muchacho estadounidense que se desarrolla sobre la mitad del siglo XX. Una historia que parece tener muchos elementos en común con la vida de Steven Spielberg, un joven que persigue sus sueños mientras asistimos a cómo esta afición afecta a la familia y cómo se desenvuelven los miembros de la misma alrededor de este amor por el cine. Sammy se convertirá en verdadero reportero de los acontecimientos familiares a lo largo de su vida. Es el que está presente, con su cámara en mano. en todos los eventos familiares. Pero cuando se tienen que mudar a otra ciudad por el trabajo de su padre, Sammy descubrirá, a través de estas filmaciones, un secreto de familia que afectará a su núcleo.

Con esta película, Spielberg opta a siete premios Oscar: mejor actor de reparto para Judd Hirsch, mejor actriz principal para Michelle Williams, mejor dirección, mejor banda sonora, mejor diseño de producción, mejor guion original y mejor película.

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En esta película de acción de los productores de ‘Objetivo: Washington D.C.’ y Greenland: El último refugio’, el habilidoso piloto Brodie Torrance tiene que hacer un aterrizaje muy forzoso para salvar a los pasajeros de su avión cuando a este les alcanza un rayo. Después de acabar en una isla arrasada por la guerra, pronto Torrance averigua que el complicado aterrizaje solo ha sido la primera de muchas adversidades.

Cuando la mayoría de pasajeros son secuestrados por rebeldes de la isla, su única ayuda para salvarlos será Louis Gaspare, un asesino que viajaba en su avión acompañado de un agente del FBI. Tendrán que trabajar juntos y dejar de lado sus diferencias para salvar a los inocentes del peligroso territorio en el que se encuentran, dominado por piratas asesinos que no se lo pondrán nada fácil. Cada segundo es crucial, tardar más o menos puede decidir que alguien viva o muera.

A los mandos de la dirección de ‘El piloto’ encontramos a Jean-François Richet. Charles Cumming, además de la historia, se encarga del guion junto a Matt Cook y J.P. Davis. En el papel de habilidoso piloto Brodie Torrance encontramos a Gerard Butler, actor conocido mundialmente por protagonizar ‘300’ como el rey Leónidas. El aliado del piloto, Louis Gaspare, lo interpreta Mike Colter, quien protagonizó la serie de Marvel ‘Luke Cage’.

Otra película de acción, sin más pretensión que entretener al espectador.

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Texto y fotografías: YOLANDA AGUAS

La ciudad de Zaragoza acogió anoche la décima edición de los PREMIOS FEROZ. Noche repleta de estrellas de nuestra cinematografía que coinciden en definir la velada como «inolvidable y de las más emocionantes y divertidas que recuerdan. Fuimos todos muy felices».

El acto estaba impregnado de la emoción vivida el día anterior con la Masterclass que PEDRO ALMODÓVAR CABALLERO nos regaló en una abarrotada Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza.

Con la presencia del alcande de Zaragoza, D. Jorge Azcón y de la Vicealcaldesa y Consejera de Cultura y Proyección Exterior, Dña. Sara Fernández Escuer, y los ministros Miquel Iceta y Yolanda Díaz.

A continuación, el PALMARÉS COMPLETO de esta magnífica DÉCIMA edición:

Mejor película dramática: ‘As Bestas’
Mejor película de comedia: ‘Competencia oficial’
Premio Feroz DAMA al mejor guion de una película: Alauda Ruiz de Azúa por ‘Cinco Lobitos’
Mejor dirección; Carla Simón por ‘Alcarràs’
Mejor actriz protagonista de una película: Laia Costa por ‘Cinco lobitos’
Mejor actor protagonista de una película: Nacho Sánchez por ‘Mantícora’
Mejor actriz de reparto de una película: Susi Sánchez por ‘Cinco lobitos’
Mejor actor de reparto de una película: Luis Zahera por ‘As bestas’
Mejor Banda Sonora Original: Olivier Arson por ‘As bestas’
Mejor cartel: Carlos Vermut por ‘Mantícora’
Mejor tráiler: Marta Longás por el tráiler final de ‘Cerdita’
Mejor serie dramática: ‘La ruta’ (Atresmedia Player)
Mejor serie de comedia: ‘No me gusta conducir’ (TNT)
Mejor actor protagonista en una serie: Juan Diego Botto por ‘No me gusta conducir’
Mejor actriz protagonista en una serie: Claudia Salas por ‘La ruta’
Mejor actriz de reparto en una serie: Patricia López Arnaiz por ‘Intimidad’
Mejor actor de reparto en una serie: David Lorente por ‘No me gusta conducir’
Premio Feroz DAMA al mejor guion de una serie: Borja Soler, Roberto Martín Maiztegui, Clara Botas, Silvia Herreros de Tejada por ‘La Ruta’
Premio Feroz Arrebato de Ficción: ‘La piedad’, de Eduardo Casanova
Premio Feroz Arrebato de No Ficción: La visita y un jardín secreto’, de Irene M. Borrego
Premio de Honor: Pedro Almodóvar

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La película está dirigida por Diego Lerman y el guion fue obra del propio Lerman en conjunto con Luciana De Mello y María Meira. Como productoras asociadas figuran Arcadia Motion Pictures, Bord Cadre Films, Campo Cine, Esperanto Kino, Pimienta Films, Vivo Film y Sovereign Films.

Lucio es profesor en la carrera de Letras de la prestigiosa Universidad de Buenos Aires. La vida académica, sin embargo, ya no lo motiva: quiere llevar su conocimiento donde pueda marcar la diferencia, como enseñar literatura en un barrio de la periferia de una zona marginal del conurbano bonaerense. Lucio deberá apelar a todo su ingenio para sacar adelante sus clases y, al mismo tiempo, cruzará todo tipo de límites morales y prejuicios sociales para intentar salvar a Dylan, su alumno favorito, que está siendo perseguido por un grupo narco en busca de venganza.

El cine que se ha creado sobre las aulas siempre ha tenido una estructura más o menos similar, en las que un profesor suplente o nuevo, llegaba y revolucionaba las mentes y las vidas de sus alumnos. En este gran abanico podemos encontrar películas como El club de los poetas muertos (Peter Weir, 1989) o La clase (Laurent Cantet, 2008), sin embargo, en los últimos años hemos encontrado ejemplos de una cierta reinvención de este subgénero en las que la trama se centraba más en tratar de comprender la estructura educativa y los intereses de las nuevas generaciones.

En la película de Lerman, encontramos un claro ejemplo de esta variación de subgénero. Hace un planteamiento de la problemática social de una zona marginal del conurbano boaerense y la lucha por el derecho a una educación digna.

En un entorno hostil, en el que narcotraficantes y militares se adentran en la sagrada institución educativa, los alumnos luchan por sobrevivir y llegar a ser adultos funcionales, pero para ello los profesores deben ser figuras neutrales que los acompañen en este camino hacia el autoconocimiento y el desarrollo personal. Es por ello que la figura de Lucio cada vez se va implicando más en la vida de sus alumnos, buscando conseguir mejoras sociales.

Película denuncia que reclama la atención en los conflictos sociales y educativos.
En la parte actoral, grandes actores como Bárbara Lennie y Alfredo Castro.

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Con un reparto de lujo formado por Brad Pitt, Margot Robbie, Jean Smart y Tobey Maguire, Babylon es un disfrute para los seguidores de Damien Chazelle. No tanto para los que no hemos conectado con su cinematografía.

Dirigida por Damien Chazelle, la comedia dramática de época, que tiene lugar en los años 20, sigue el ascenso y la caída de sus personajes en la transición de Hollywood del cine mudo al sonoro.

Ambientada a lo largo de dos décadas que comienzan en 1926, Babylon sigue a una plétora de personajes en la transición de la industria cinematográfica del cine mudo al sonoro. Nellie LaRoy (Margot Robbie, magnífica en su interpretación) es una aspirante a actriz que triunfa como estrella del cine mudo, pero tiene dificultades cuando Hollywood cambia a su alrededor; Jack Conrad (Brad Pitt) es un famoso actor de cine mudo que está llegando al final de su era, y le cuesta adaptarse; Manny Torres (Diego Calva) es un ayudante de cine que se convierte en un productor de éxito; Elinor St. John (Jean Smart) es una conocida columnista de cotilleos que escribe sobre los altibajos de los más famosos de Hollywood; y Sidney Palmer (Jovan Adepo) es un trompetista de jazz que sueña con hacer algo más que tocar en fiestas. Los personajes se enfrentan a su buena ración de pruebas a medida que todo lo que conocen empieza a cambiar.

El resto del reparto es sólido, aunque los personajes se debilitan debido a que Babylon se centra en la grandeza por encima de todo. Hay demasiada chispa, y la película casi se ahoga en ella.

Los personajes quedan en gran medida marginados en una película que es esencialmente un vacío deslumbrante. La magnífica fotografía y el vestuario no pueden compensar su irregularidad, tanto en lo que trata de decir como en la forma en que lo hace.

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