Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Uno de los reencuentros más esperados entre Matt Damon y Ben Affleck tras el estreno, sin mucho éxito en taquilla, de su anterior colaboración en El último duelo (2021). La pareja de amigos más famosa de Hollywood, cuya relación se remonta a su colaboración en El indomable Will Hunting (1997) por la que ganaron el Óscar a mejor guion original, vuelven a trabajar juntos. Esta vez bajo las órdenes del propio Affleck, que dirige y coprotagoniza este largometraje, junto a Damon, Viola Davis y Jason Bateman. La película tuvo su estreno oficial el pasado mes de marzo en el festival SXSW en Austin (Texas).

Aunque no te apasione el baloncesto, la historia consigue que entres desde el primer momento. La dirección de Ben Affleck, sutil pero muy efectiva, hace que las dos horas de conversaciones en despachos, las interminables negociaciones sobre el futuro de Nike y la relación entre Matt Damon y la familia Jordan se conviertan en algo entretenido.

La película Air adentra al espectador en esta historia clásica del sueño estadounidense y aquellos pocos que han conseguido dejar su huella, en este caso, en el mundo del deporte. Y, aunque Air cuenta con mucho diálogo y se centra en cómo funciona el mundo de los negocios actualmente, se convierte en puro entretenimiento y hace que el espectador se olvide de que está viendo una gran campaña de marketing de Nike.

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Estamos ante un drama romántico localizado en la Inglaterra de los años 80 y más concretamente en un precioso cine. Lugar en el que confluirán distintos personajes que allí trabajan. Desde el proyeccionista hasta un joven negro y una madura mujer peculiar que protagonizarán una bella e improbable historia de amor. El imperio de la luz es una poderosa y conmovedora historia sobre la conexión humana y la magia del cine de la mano del director y guionista ganador del Óscar, Sam Mendes.

El imperio de la luz es un drama sobre personajes habitualmente relegados a la indiferencia. Personajes para los que no suele haber protagonismo y que se tienen que conformar con tramas anecdóticas. Ese es el caso de Hilary (Olivia Colman), una mujer de mediana edad que trabaja desde hace un tiempo en un magestuoso cine. Poco sabemos de ella, más allá del trabajo que emplea y de su relación poco placentera con su jefe (Colin Firth). Aunque poco a poco iremos descubriendo que Hilary padece una enfermedad mental, a la par que la veremos dejar atrás ese estado de abatimiento que le provoca su tratamiento.

La principal atracción de esta película es la actriz Olivia Colman, maravilla con su enorme expresividad y cambios durante toda la película, pudiendo prever desde el principio lo que le sucede por las sutilezas de su actuación. Una enorme actriz que da vida a un personaje muy complejo y con muchísimas aristas.

La banda sonora basada en la música instrumental de Trent Reznor y Atticus Ross, uno de los dúos más admirados de los últimos tiempos, logra dar vida a la película, siendo esta maravillosa y capaz por sí sola de sacarte una lagrimilla en más de una ocasión. Lo que sucede es que se busca con tanta fiereza la lágrima fácil que al final lo logrado es una sensación más desagradable que emotiva.

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El título original, Une belle course, se traduciría como «Una buena carrera». Hace alusión a la vez a la carrera de la vida y, para un taxista, a una carrera rentable. Charles es un taxista parisino de mediana edad y está perpetuamente enojado. El mal humor que le causan los problemas económicos, genera más enfado y más problemas. Enfados con su hermano, con su mujer, con su hija -a los que adora por otra parte- y con el tráfico.

Cuando comienza la película, le quedan dos puntos y a la mínima le pueden retirar el permiso de conducir, y de golpe, el empleo. Tras enfadar y enfadarse con un cliente, Charles acepta el encargo de ir a la otra punta de la ciudad a recoger a Madeleine Keller, de 92 años, y conducirla a la residencia que será su nuevo hogar. El trayecto será largo, con múltiples paradas, en las que la anciana hará confidencias de su pasado y conseguirá que Charles, en el fondo un sentimental, abra su corazoncito y le invite a modificar su actitud hacia la vida en general, y hacia los suyos en particular.

La historia transcurre casi exclusivamente en el taxi, llena de paseos por París, diálogos enjundiosos y algún flash back de apoyo, cuando Madeleine recuerda algún aspecto importante de su vida, que fue tremenda y sabe que no hace mucho tiempo la vida era… diferente. Madeleine habla de ese duro pasado sin tristeza ni rencor. Carion no cuenta nada nuevo, pero lo hace bien y se arropa con una dama veterana del cine francés, Line Renaud, y con Dany Boon, habitual de la comedia francesa contemporánea, ahora en un papel más dramático, que interpreta maravillosamente.

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El extraño nos cuenta la historia de Julia (Maika Monroe), una joven actriz sin trabajo que acompaña a su pareja, Francis (Karl Glusman) a Bukarest. A Francis, que es rumano, le ha surgido una oportunidad laboral en su país que no podía rechazar. La pareja se instala en un bonito piso con grandes ventanales. Al principio todo parece ir muy bien. Ellos son una pareja feliz, se quieren, escuchan y respetan y en el trabajo, Francis está muy buen considerado, ¿qué puede salir mal?

Un día, en las noticias comienzan a hablar de diferentes asesinatos en serie que se producen en su barrio, y una de tantas noches que Julia está sola en el piso esperando a Francis, ella se siente observada y nota que la están mirando por la ventana. Cree que la mira alguien desde la ventana del edificio de enfrente.
Al comienzo, la película nos recuerda inevitablemente a La ventana indiscreta, pero cuando la acción se desarrolla fuera de la omnipresente vivienda de la pareja, todo coge un cariz más cine de terror de los 70 y 80.

Podemos encontrar cierta denuncia de género en el trato que recibe Julia por el hecho de ser mujer; en el miedo que solo las mujeres sienten al salir a la calle por la noche o al sentirse acechadas y observadas por un hombre, pero se le echa en falta un punto de vista que rompa ese canon patriarcal del cine de terror tan reconocido.

Película para los amantes del género.

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Basada en hechos reales, la película cuenta con gran detalle la historia de Leslie, una madre soltera de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero que lo gastó todo rápidamente en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.

Dirigida por Michael Morris y escrita por Ryan Binaco, el filme trata un tema del que ya se han hecho muchas películas. Sin duda, es un tipo de historia que ya se ha contado antes, pero esta lo hace de una forma muy auténtica y real. El guion es muy preciso con diálogos que no tienen desperdicio, de forma que se consigue crear un retrato realmente honesto y complejo sobre la adicción al alcohol y consigue hacerlo sin sermonear ni juzgar.

La película tiene un ritmo lento, pero no aburre, cada segundo de las casi dos horas de duración se aprovecha a la perfección y el espectador queda enganchado al personaje de Leslie. Y es que Andrea Riseborough (Mr. Wain, Birdman, Ámsterdam, Oblivion) hace una hábil actuación por la que ha sido nominada a mejor actriz en los Oscar 2023. Cada matiz, cada mirada, cada movimiento de su cuerpo es la personificación de una mujer atormentada.

El vestuario tiene un gran trabajo de ambientación que refuerza el realismo y la crudeza de la realidad que vive Leslie. Destaca su maleta rosa donde guarda toda su vida, como elemento enfatiza en el concepto del prejuicio que comentaba antes porque, irónicamente, esta película es de todo menos color de rosa.

Esta película independiente de bajo presupuesto ya se estrenó por primera vez en cines el otoño pasado y pasó totalmente desapercibida. Pero muchos actores de renombre hicieron correr la voz de la gran actuación de Andrea Riseborough llegando incluso a organizar proyecciones. El resultado fue la nominación a los Oscar como actriz protagonista y su consecuente reestreno.

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Tres parejas acuden a una inusual sesión de terapia en grupo. La psicóloga les ha dejado unos sobres con consignas que las parejas tendrán que abordar y analizar entre todos. Le mecánica propuesta alienta a que todos opinen, discutan y finalmente se acaben mostrando tal y como son. Con el humor como herramienta principal, el encuentro se complicará hasta límites insospechados.
El resultado es notable por el equilibrio entre la comedia superficial y el drama subterráneo que se nos cuenta, pero fallido en un acto final que es herencia directa del teatro.

Bajo terapia es una adaptación teatral de esas de poner a los personajes en situaciones en las que los espectadores se preguntarían qué harían ellos, tirando por cierto humor costumbrista y repartiendo miseria y ternura entre casi todos los presentes para hacerlos aceptables pero risibles. Es muy de manual en eso y a algún compañero periodista le podría dar para criticar duramente a la pareja heterosexual, como pasó con El test. Pero es que esta vez, la verdad, da la impresión de que se lo vayan buscando.

Gerardo Herrero se las apaña para que la puesta en escena y las actuaciones no sean estrictamente teatrales, e incluso desliza el giro final a través de la narración al comienzo, sin necesidad de comentarios velados ni miraditas. El elenco encaja, cada cual en su papel, como si fuese un guante, destacando especialmente Malena Alterio y Juan Carlos Vellido porque sus papeles, en ese sentido, son lo más lucidos, pero en general con el nivel altísimo esperable.

La película es honesta con uno de sus conflictos subterráneos, de acuerdo, y es el que acaba sosteniendo gran parte de la tensión final, pero no se sostiene. Y no lo hace porque subraya lo artificioso de la propuesta desde el primer momento, ese juego de contraste entre modelos de pareja y bromas de matrimonios, por mucho barniz trágico que se les pinte por encima.

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Esta entretenida película es el último trabajo de Louis Garrel, una sentimental película policíaca. Desenfadada, conmovedora y divertida, el filme aborda varios temas, oscilando alegremente entre la comedia sentimental y el cine de atracos.

Cuando Abel descubre que su madre, Sylvie (Anouk Grinberg), que ronda los sesenta años, está a punto de casarse con un hombre en la cárcel, entra en pánico. Respaldado por Clémence, su mejor amiga, hará todo lo posible para intentar protegerla. Pero su encuentro con Michel, su nuevo padrastro, podría ofrecer a Abel nuevas perspectivas…

La película está claramente hecha para que el gran público disfrute alejado de sus preocupaciones personales. Un guion bien construido, va enlazando secuencias adecuadamente interpretadas, para dejar satisfecho a quien desea encontrar acción, amores, humor y persecuciones. Termina siendo una película entretenida y a la vez emocionante, narrada con sencillez y gracia. En ella no hay afán de pretenciosidad, es una película honesta. Lejos de cierto cine supuestamente “intelectual”, sin olvidar la historia, con sensibilidad y humor, consigue indagar en cuestiones en cuya verdad nos reconocemos.

La construcción de los personajes también es inteligente, son creíbles, sus conflictos resultan cercanos, y la pareja Merlant-Garrel está magnífica,. A destacar muy especialmente la interpretación de Noémie Merlant, que nos muestra su don para la comedia.

Pasarán un buen rato.

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Cédric Klapisch (Neuilly-sur-Seine, 4 de septiembre de 1961) es un realizador, actor, productor y guionista francés. En la década de los 80, empezó a rodar cortometrajes como In transit o Ce qui me meut (el nombre de este cortometraje es también el de su productora). Posteriormente, trabajó como guionista y como director cinematográfico. También ha dirigido un documental para la televisión francesa.

Se estrena ahora su nueva película: Un paso adelante. Élise (Marion Barbeau) , de 26 años, es una gran bailarina clásica. con una prometedora carrera, hasta que una inoportuna lesión en el tobillo frena su vida. Poniendo en riesgo su futuro como bailarina clásica, ya que las probabilidades de recuperar totalmente su tobillo le comunican que son escasas. Así que a Élise le tocará reinventarse y ver lo que puede hacer con su vida.

Un giro de guion inesperado que a Élise le servirá para conocer a otra ex bailarina retirada y con ella y su pareja comenzará a trabajar de ayudante de cocina. De modo que mientras se recupera de su lesión, ayudará a sus nuevos amigos en una especie de residencia artística. Lugar al que llegará una compañía de baile contemporáneo, formada por bailarines de todas las etnias y estilos. Que pronto despertará en Élise su pasión inconmensurable por la danza.

La película está decorada con bellísimos momentos de baile, de los que no dejan indiferentes a nadie.

Una película agradable de ver con la que se divertirán.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

En su tercer largo en solitario y tras el éxito de Matar a Jesús— la directora colombiana Laura Mora, ha infiltrado su cámara en las calles de Medellín, donde la violencia y la miseria atraviesan los barrios marginales y en que los niños nacen ya hombres, madurando a base de los golpes de la vida.

La cineasta sigue a cinco jóvenes, Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano, que sobreviven a la violencia de las calles de Medellín y deciden hacer un difícil viaje por el bajo Cauca antioqueño para reclamar una tierra prometida. Los cinco forman una especie de clan fraternal en el que tienen que abrirse camino en un mundo paralelo sin leyes. Al hacerlo, defienden ideales como la amistad y la dignidad, pero también muestran desobediencia y resistencia. Cuando Rá hereda las tierras de su difunta abuela a través de un programa de restitución del gobierno, decide ir a reclamarla junto a sus amigos. Pero en el camino se encuentra con distintos peligros y amenazas.

Contando con actores no profesionales salidos de las propias calles que retrata, la película de Mora es una fuga hacia adelante en busca de una tierra prometida, de un hogar que se le resiste a unos chavales dejados de la mano de Dios, de los que nadie cuida, que no entienden de otro amor más allá de la lealtad al hermano, puesto que todos ellos lo han de ser los unos de los otros, ya que no tienen otra familia.

La película se convierte en una odisea en busca del hogar. La fotografía de David Gallego, a ratos naturalista, a ratos expresiva ensoñación, resumen el pulso entre la realidad de la que escapan y la fantasía que esperan habitar.

Gran película, Concha de Oro en el pasado Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

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Halim lleva mucho tiempo casado con Mina, con quien regenta una tienda tradicional de caftanes en la medina de Salé, una de las más antiguas de Marruecos. La pareja vive desde siempre con un secreto que Halim ha aprendido a ocultar. Pero la enfermedad de Mina y la llegada a la tienda de un joven aprendiz, amenazan con perturbar ese equilibrio.

Es una película cuidadosa, compasiva y silenciosamente cautivadora. La película en sí no se rinde a la tensión. Representa pasiones rebeldes que agitan la vida de personajes cautelosos y prudentes. Ellos interactúan y se acercan entre sí en silencio, creando estímulos susceptibles y sensuales en la narración sin forzar la trama con emociones reprimidas o exageraciones sentimentales.

La caída y las pérdidas del negocio relacionado con la falta de tela muestra a una Mina expresando sus resentimientos a veces de una manera muy mezquina. Al mismo tiempo, Mina toma la determinación de disfrutar un poco más de la vida, de actuar con cierta espontaneidad antes del fin de su existencia. Ella pasa de ser una severa jefa a una amante vibrante, que encuentra su mayor optimismo cuando está más enferma.  Es una historia matizada y empática sobre la sexualidad y la mortalidad. En última instancia, El caftán azul celebra el amor en todas sus formas, ya sea heterosexual u homosexual, conyugal o platónico, sin que ninguna sea más débil que la otra. Sobre el amor entre un hombre y una mujer y sobre el amor entre un hombre y un hombre, que está terminantemente prohibido en Marruecos. También hay un amor por el oficio tradicional de la sastrería, y en una escena en un establecimiento de comida y bebida abarrotado, un amor por el fútbol. Y eso que se rodó mucho antes de que Marruecos llegara a las semifinales de la Copa del Mundo.

Es una película llena de símbolos y metáforas.  En los caftanes, formas casi bizantinas aliadas a las de Oriente. Todo lo que se necesita es un movimiento de la mano, un toque dado a la costura, una relación entre la tela elegida, su color y el producto terminado.

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