La historia empieza cuando un matrimonio con dos niñas aprovecha las vacaciones de verano para mudarse a un nuevo bloque de apartamentos. La hija mayor, Anna, padece una forma muy severa de autismo: es incapaz de hablar (o de comunicarse de cualquier otra manera), nunca establece contacto visual, rechaza el contacto físico hasta de su propia madre, y se pasa casi todas las horas del día repitiendo conductas estereotipadas con la mirada perdida en el infinito.

La hija pequeña, Ida, muestra rasgos de crueldad e incluso sadismo hacia su indefensa hermana mayor, motivada quizá por celos de la atención que esta recibe, o quizá por la frustración que le produce el no ser capaz de comprender su conducta. En el nuevo bloque de viviendas, Ida traba amistad con Ben, un niño que la sorprende con su habilidad para mover objetos con la mente. También conoce a Aisha, una niña capaz de establecer conexiones telepáticas. Los tres descubrirán que esos poderes parecen potenciarse en presencia de Anna, la niña autista. Esto desencadenará una secuencia de acontecimientos cada vez más siniestros, que no describiré para no arruinarle a usted el progresivo descubrimiento de un microcosmos cada vez más retorcido. Aunque en efecto la película tiene un ritmo pausado, no piensen que el argumento es previsible. De hecho, el guion es una caja de sorpresas y da un giro después de otro, casi sin parar, hasta el desenlace.

La película se ambienta en los suburbios de Oslo, en pleno verano. The Innocents es una excelente película fantástica y un fantástico viaje a la pureza infantil. Una pureza cruel y despiadada, pero también esperanzadora.

El director y guionista Eskil Vogt nos ofrece dos horas de terror psicológico nórdico, que cada pocos años nos excelentes películas de este género.

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Para Sara (gran interpretación de Lucía Galán), el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice, y tendrá que decidir entre hablar y salvar a las chicas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado…

Carlota Pereda ganó en el año 2018 el Goya a Mejor cortometraje de ficción con la película homónima de corta duración. 14 minutos de tensión.

Carlota Pereda adapta su propio cortometraje para realizar su primer largometraje. Una película de terror que ha impactado profundamente en el panorama audiovisual español.

Cerdita es una película que nos sitúa en Extremadura para recorrer lo más terrorífico del ser humano. Muestra magníficamente lo más horrible de la condición humana, el lado oscuro cobijado en una sociedad hipócrita y cruel. Puede que también sea una mezcla de géneros, pero sin duda ha conquistado al púlbico y a la crítica por su brillante ejecución.

Una de las mejores películas del año 2022 que cuenta con secundarios de lujo: Claudia Salas, Camille Aguilar, Pilar Castro y Carmen Machi ..

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Cárcel Modelo. Barcelona, 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 10 y 20 años, un castigo desproporcionado para la cuantía de su delito. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes que se está organizando para exigir una amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo.

Alberto Rodríguez tiene una interesante carrera cinematográfica como director que no rehúye el compromiso. Grupo 7 (2011), La isla mínima (2014) y El hombre de las mil caras (2016) son tres películas que recogen buena parte de la reciente historia de España. A su lado está el prestigioso guionista Rafael Cobos.

En esta ocasión sabe reflejar la vida que existe en el territorio carcelario, la Modelo, que trata de adaptarse a esa situación que vive España. Es decir, la cárcel se muestra como un reflejo de un país y de una sociedad que ya no podía obviar esa situación y ese florecimiento de una cosa que se sabía que existía sobre el papel pero que no se aplicaba ni se exigía en relación con los derechos humanos.

De manera general, todo el elenco está muy bien, destacando esas actuaciones de los cuatro actores principales. Como siempre, muy destacable la magnífica fotografía de Álex Catalán, así como la recreación de la época en que se desarrolla la acción.

El resultado final es una buena película que muestra la España de la Transición que se ha tenido como modélica y que como era lógico tuvo también muchos puntos oscuros.

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Nuevo trabajo del singular y brillante director Jaime Rosales. Con Girasoles silvestres, nos presenta una de sus obras más íntimas.. Predomina el realismo social que escala imparable hacia lo más íntimo. Un ejercicio analítico de las masculinidades y su relación con la sociedad actual.

El director de películas tan potentes como Hermosa juventud (2014), Petra (2018) o la galardonada La soledad (2007) se sumerge en nuevas narrativas. La protagonista, Julia, tiene 22 años y un niño y una niña de unos 5 años. Nico y Rita. Joven madre que tiene las mismas aspiraciones de cualquier joven contemporáneo. Con sus citas románticas, con la búsqueda del amor y el trabajo. Sin embargo, con el añadido de haber sido madre demasiado joven.

En el caso de Girasoles silvestres, sin embargo, la maternidad no es más que un rasgo de la mujer protagonista. No es lo que la define, sino que conforma su personalidad. Poniendo el mayor énfasis en sus relaciones afectivas, y las masculinidades que orbitan a su alrededor. Los contrastes de la música son un vehículo perfecto para mostrar un itinerario sorprendente, en el que el naturalismo interpretativo, la viveza de los diálogos y la cuidada planificación embellecen las incoherencias y desdichas de unas relaciones más adolescentes que adultas, pero superadas por una felicidad esporádica, siempre asociada a los momentos de una cierta madurez familiar.

Muy brillantes interpretaciones habitan en esta película, destacando especialmente Anna Castillo y Oriol Pla.

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Con la gran interpretación del actor francés Denis Menochet (al que vimos al frente de Solo las bestias) y Marina Foïs (de la reciente y divertida Barbeque), también encontramos en el elenco a Luis Zahera (que ya trabajó en El reino de Sorogoyen), Diego Anido (de films como Trote o Malencolía) y Marie Colomb (Les magnetiques), la película nos pone tras la pista de Vincent y Olga, una pareja francesa que se asentó hace mucho tiempo en un pueblo del interior de Galicia.

Allí llevan una vida tranquila, cultivan hortalizas y rehabilitan casas abandonadas, aunque su convivencia con los lugareños no es todo lo idílica que desearían. Su negativa a implantar un parque eólico acentuará las desavenencias con los vecinos, especialmente con los hermanos Xan y Lorenzo, llevando la convivencia a una situación de no retorno.

Con As Bestas, el director de Que Dios nos perdone (2016) y El Reino (2018) entrega una obra voluntariamente desconcertante, que saca partido del uso del plano secuencia y que sobresale en su forma de capturar la intensidad de las conversaciones.
Un film que se fractura para favorecer la justa y natural exploración de su conflicto central. Aquel que enfrenta a los “foráneos”, que buscan un paraíso perdido, con los hermanos gallegos, que solo sueñan con un cambio de vida y de lugar.

Dos formas distintas de entender el concepto de hogar, de propiedad, pero también dos maneras de concebir la defensa de un espacio privado.

Nuevo trabajo – muy interesante – de ese gran tándem creativo que forman la guionista zaragozana Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen.

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Alice, investigadora privada, ingresa en un hospital psiquiátrico simulando una paranoia. Su objetivo es recabar pruebas del caso en el que trabaja: la muerte de un interno en circunstancias poco claras. Sin embargo, la realidad a la que se enfrentará en su encierro superará sus expectativas y pondrá en duda su propia cordura. Un mundo desconocido y apasionante se mostrará ante sus ojos. Adaptación de la novela homónima de Torcuato Luca de Tena.

Con un magnífico arranque, la película comienza mostrándonos el viaje de Alice al recinto y la gran conversación entre el médico y ella. Sin embargo, poco a poco la película comienza a hacerse bastante tediosa. Últimamente estamos sufriendo la larga duración de las películas. Cuesta mucho encontrar películas con noventa minutos de metraje. ‘Los renglones torcidos de Dios’ tiene tantos giros que parece que no va a terminar nunca. Y eso influye en la valoración de la película. .

Bárbara Lennie, es la encargada de interpretar a Alice y es sin duda lo más destacado de la película. Segura y con mucho oficio, sabe dar lo mejor de su talento a este personaje.

Completan el reparto: Eduard Fernández, Javier Beltrán, Loreto Mauleón, Pablo Derqui (¡qué gran actor¡), Francisco Javier Pastor, Samuel Soler, Adelfa Calvo o Federico Aguado.

Innumerables personajes secundarios más, gente con diferentes enfermedades mentales a los que, en vez de intentar curar, simplemente medican y hacen que estén más calmados. Hubiera estado muy bien si hubiesen interactuado más frecuentemente con la protagonista.

Una película que hay que ver, por supuesto, pero que podría haber sido mucho más interesante.

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El segundo largometraje de Carla Simón tras Verano 1993 (película con la que ganó tres premios Goya, uno de ellos como Mejor dirección novel) es Alcarràs, que ha recibido el reconocimiento internacional antes de estrenarse en la taquilla española. Ganó el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín.

En su segundo largometraje, Simón rinde homenaje al trabajo que tradicionalmente había venido realizado su familia, cultivando melocotones y otras frutas de hueso en la pequeña localidad de la provincia de Lleida y que, por tanto, ha sido una filmación muy personal. Alcarràs nos introduce en el seno de la familia Solè durante el último verano en el que podrán cultivar las tierras cedidas al abuelo debido a que éste no firmó ningún papel que acreditara que eran suyas. Solo un acuerdo verbal que los herederos de los dueños no están dispuestos a cumplir.

Así, la película cuenta con un elenco interpretativo no profesional, constituido por agricultores, maestras y jubilados que se ponen por primera vez delante de la cámara y convencen a fuerza de ser naturales al máximo: hay que tener mucho talento en la dirección de actores para que parezcan realmente una familia.

Aunque domina el tono del drama que subyace a la crisis derivada de la pérdida del modo de ganarse vida, también está muy bien reflejada la belleza y los placeres sencillos: las canciones de antaño, la comida tradicional o las trastadas de los pequeños, que viven asilvestrados entre melocotoneros, unas veces colándose en un tractor, otras untándolo todo de puré de fruta.

La historia continúa en su quehacer entre la resignación y la rabia, cada día más sitiada, la invasión que destruya, transforme y arranque definitivamente el paisaje y las raíces que les han acompañado y sustentado durante décadas. Una gran película.

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Men es un filme de terror británico escrito y dirigido por Alex Garland (Aniquilación, Ex Machina). La historia sigue a Harper, una chica que acaba de sufrir una tragedia personal y decide tomarse unos días de retiro en una campiña inglesa apartada de la ciudad. La belleza del lugar contrasta con una presencia extraña que parece acecharle durante sus caminatas y que luego intenta acceder a su casa.

La película se presentó internacionalmente en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2021.
La película gira en torno a una mujer que parte en solitario a la campiña británica para tratar de superar la muerte de su esposo. Los problemas inician cuando lejos de encontrar la paz, empieza a padecer perturbadoras visiones de hombres que caen muertos ante ella. ¿Ilusión o realidad?

La película es protagonizada por Jessie Buckley, flamante nominada al Óscar en 2022 por The Lost Daughter. La réplica se la da Rory Kinnear (No Time to Die). El actor se enfrenta al reto de interpretar varios papeles y darle los matices correspondientes. Sus personajes representan los distintos grados de toxicidad masculina que afectan a la protagonista.

Men puede resultar algo críptica en algunos tramos. Sin embargo, el mensaje que subyace está meridianamente claro. Como toda alegoría, se presta a interpretación. Cada espectador o espectadora saldrá de la sala con matices diferentes sobre lo que acaba de ver. Además, se trata de un tema tan polémico en nuestra sociedad, que estamos convencidos de que generará debate. Desgraciadamente, el machismo y las distintas formas de violencia que provoca ha polarizado el debate en nuestro país. Y no solo en España. Ya se pueden ver muestras de esta polarización en los comentarios en redes sociales y en la valoración que se hace de la película en Estados Unidos.

Aunque la película está llena de imágenes impactantes, de planos cargados de belleza y de mucho simbolismo, es importante destacar que estamos ante una película de género de terror.

Decidan ustedes verla o no.

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Chantal y Christian viven una jubilación tranquila. Pero desde que sus hijos Sandrine y Stéphane abandonaron el nido, no los ven demasiado. Las oportunidades de reunirse en familia son cada vez más escasas. Cuando sus hijos les anuncian que no vendrán a celebrar la Navidad, ya es demasiado para Chantal y Christian. Entonces deciden hacerles creer que les ha tocado la lotería.
En la mayoría de los casos, cuando los hijos logran independizarse del hogar familiar eso provoca una inmensa alegría y liberación en sus progenitores. Otras veces, esa ausencia tiene como consecuencia inmediata el denominado «síndome del nido vacío»,

En esta película sucede lo segundo, y por este motivo Christian y Chantal – que no consiguen desprenderse de su tristeza – deciden que les toque la lotería. O sea, se inventan que han sido premiados con 18 millones de euros y al olor de la posible herencia, sus hijos, Sandrine y Stéphane, se vuelven muy, pero que muy cariñosos. Los dos pájaros comienzan a preguntarse qué podrán hacer con la millonaria cifra.
En muchos momentos los personajes del filme aparecen como extravagantes, un poco fuera de la realidad, e incluso un poco penosos, en diversos grados. Pero al mismo tiempo, todos ellos son frontales, van de cara, sin nada de astucia, lo que hace que resulten conmovedores y el espectador se ría un poco con ellos y un poco de ellos.

El vestuario en la transición de la clase media a la clase alta es hilarante así como el uso de todo tipo de estratagemas para dar una lección a sus dos pequeños.
Una comedia sencilla.

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Yusuf y Memo, su mejor amigo, son alumnos de un internado para niños y adolescentes kurdos en las montañas de Anatolia. Cuando Memo cae misteriosamente enfermo, Yusuf debe luchar con numerosos obstáculos para intentar ayudar a su amigo.

El realizador turco Ferit Karahan, que ha convencido a un amplio espectro cinéfilo, del Fipresci en Berlín al premio del público en el Cinema Jove, entre otros muchos, juega en el filo de la navaja con Mi mejor amigo, su tercer largometraje. Porque el choque entre el mundo del poder de los adultos y el universo infantil en un internado en las montañas del Kurdistán turco no oculta el estereotipo, los malos de una pieza, la mirada simple.

Pero al traer esa visión sin matices al primer plano, este filme sin sentimentalismos que bebe de la Nueva Ola del cine rumano (no puede ser casualidad que uno de sus productores, el debutante Alexandre Craciun, venga de Rumanía) y remite a la estupenda La muerte del señor Lazarescu (Cristi Puiu, 2005), justifica su austera sencillez y resalta sin subrayados coloristas el punto de vista moral de los chavales, en especial el de su protagonista (Samet Yildiz, imposible olvidar su mirada), empeñado en cuidar a su amigo enfermo, en una laberíntica jornada de burocracia absurda, carencia de recursos y falta de humanidad.

Una película de las que nos permiten reflexionar.

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