Saeed Roustayi (Teherán, 1989) es la nueva sensación del cine iraní. Presentado este filme en Venecia en 2019, la pandemia frenó su distribución internacional, pero en Irán se convirtió en apenas tres meses en la película más taquillera de la historia del país y, posteriormente, rompió todos los récords en el mercado doméstico y de streaming. Arrasó en 2021 en el Festival de Reims, dedicado en exclusiva al noir, y este mismo año fue nominada como mejor película internacional en los Premios César.

La prensa especializada se ha apresurado a presentar al director como el nuevo Asghar Farhadi o Mohammad Rasoulof, ya que como ellos Roustayi desarrolla un cine social pasado por el prisma del género, en una atinada combinación entre el estilo hollywoodense y la tradición iraní, que trata de convertir lo local en historias universales. La ley de Teherán puede disfrutarse como un enérgico thriller policial, social y político que aspira, desde el seguimiento de un caso y sus ramificaciones, a hablar de la realidad compleja de un país que vive hoy un serio problema de drogas, marginalidad, corrupción y falta de libertades y derechos.

Roustayi marca un ritmo preciso y cortante a su relato y alarga las secuencias, siempre centrado en la potencia expresiva, física y verbal de sus actores, donde Payman Maadi, al que tal vez recuerden de Nader y Simin, una separación, presta la ambigua percha moral y el estereotipo del comisario celoso y obsesivo.

Más interesante aún resulta el retrato del narco y su no menos desesperada búsqueda de salida del atolladero, tramo que revela también las fisuras y turbiedades del sistema y las consecuencias y estragos personales de la criminalidad y la pena de muerte en el Irán contemporáneo.

Una película interesante.

****************************************************************************************************************

Antoine (Mohammed Belkhir) es un joven rapero parisino que participa en batallas de gallos mientras trabaja como repartidor de sushi. Un día el trabajo le lleva a la escuela de música, donde conoce a la profesora Loiseau (Michèle Laroque), quien descubre casi por accidente el talento de Antoine y se propone convertirle en un gran cantante de ópera. Antoine tendrá que hacer frente no solo a un entrenamiento más que difícil y al que llega con mucho tiempo de desventaja frente a sus compañeros, sino a la falta de confianza en sí mismo y en su propio entorno, que parece decirle constantemente que no pertenece al mundo en el que se ha adentrado.

El protagonista, Antoine, es aficionado al rap, su hermano a las peleas clandestinas, sus amigos no parecen tener un presente ni un futuro demasiado alentador, no se deshacen del chándal ni para dormir y tienen un léxico callejero y poco refinado. Por contra, los alumnos de Loiseau son ilustrados, elegantes y tienen casas enormes. Este choque de realidades es lo que bloquea a Antoine, que parece convencido de no pertenecer a la ópera y oculta a su entorno su doble vida por miedo al rechazo. Es interesante como la mayoría de los amigos de Antoine, en realidad, no llegan a mostrar ningún rechazo a la ópera, lo que nos puede llevar a sacar una reflexión importante: que los complejos del cantante sobredimensionan en su mente un conflicto que quizá nuca fue para tanto. Sí que hay alguno que llega a sentir una suerte de traición cuando descubre la nueva vida de Antoine, pero su rechazo furibundo y sus cambios de humor tan arbitrarios son, de hecho, una de las principales flaquezas de un guion que no obstante es ágil, claro, y con una fuerte carga de humor muy acertado.

Una película entretenida para este verano.

********************************************************************************************************

Marisa (Carmen Machi), una doctora recién jubilada, decide viajar como voluntaria a un campo de refugiados griego donde, a su parecer, necesitan a gente exactamente como ella. Al llegar allí, se hace evidente que no tiene nada que ver con los demás. Cuando conoce al pequeño Ahmed, los límites entre la necesidad de cuidar y de sentirse útil empiezan a desdibujarse.

La voluntaria es también un áspero estudio de personaje. Su directora, Nely Reguera parece ser de las cineastas que no deja prisioneros a la hora de mostrar la ambivalencia y contradicciones de las protagonistas de sus ficciones. Su lupa de aumento naturalista se fija en los vaivenes de una recién jubilada en busca de una brújula vital, magníficamente interpretada por Carmen Machi.

El personaje de la también estupenda Itsaso Arana, en el rol de estricta jefa de voluntarios de la ONG, posee unas connotaciones que no habría que pasar por alto. Las rígidas normas que sigue, que prohíben la implicación personal de los voluntarios con los refugiados del campo, pueden entenderse como la actitud que mantiene Europa con los migrantes, distante e incluso hipócrita.

Tal vez con demasiadas ganas de mostrar lo que esconden sus cartas, La voluntaria es un retrato sobre la ceguera del privilegio que bordea lo inmisericorde, sin crueldad, pero también sin complacencia. No en vano el pequeño Ahmed es un niño al que la película no le permite tener una voz, porque la caridad, incluso la más bienintencionada, tal y como se apostilla, no equivale a justicia social.

************************************************************************************************************

Sor Marina (Carmen Machi) llega a El Parral, un colegio que acoge a niños con problemas, para ser la profesora de la temporada estival, en la que se quedan en el centro los menores que carecen de tutores legales o que estos no pueden hacerse responsables de ellos durante los meses de verano. Lo que parecía un trabajo fastidioso, termina convirtiéndose en una experiencia vital tanto para los niños como para la monja. Ante el peligro de que El Parral se convierta en un colegio privado de lujo y pensado para las élites, sor Marina, con la ayuda de las hermanas Angelines (Paula Usero) y Tatiana (Anis Doroftei), propondrá a la madre superiora que los chavales formen un equipo de fútbol con el que llegar a las finales regionales y así demostrar que es necesario que el centro siga acogiendo a menores. Una misión que será una de las experiencias más importantes en las vidas de los niños.

Dirigida por Roberto Bueso, quien escribe el guion junto con Óscar Díaz, ‘Llenos de gracia’ está protagonizada por Carmen Machi, Paula Usero, Pablo Chiapella, Manolo Solo, Nuria González, Dairon Tallon y Anis Doroftei. Una producción de Mod Producciones, Misent Producciones, RTVE, À Punt Media y Movistar Plus+.

Segundo largometraje del director Roberto Bueso, quien dirigió ‘La banda’ en 2019. Basada en hechos reales, al narrar cómo, en su infancia, el jugador de fútbol Valdo Lopes Rocha fue fundamental la ayuda de la hermana Marina, una religiosa que se ocupaba tanto de él como de otros chavales que estudiaban en un colegio que era también internado y que, durante el verano, se quedaba a cargo de aquellos menores de edad que no tenían padres o que estos no podían hacerse cargo de ellos.

*************************************************************************************************************

15 años después de su primer encuentro Shauna, una elegante arquitecta retirada, se cruza con Pierre, un médico felizmente casado, en el pasillo de un hospital. Ella tiene 71 años, él 45. Opuestos pero hipnotizados el uno por el otro, vuelven a conectar y comienzan una aventura. Viuda, madre, abuela, Shauna necesita reafirmar que después de todo es una mujer plena.

Sabemos que amar no siempre es fácil. Sin embargo, y a pesar de lo que pueda parecer a primera vista, la diferencia de edad entre ellos no es el mayor obstáculo al que se enfrentarán los protagonistas de esta historia. No, lo que a ella le resultará aún más difícil será dejar atrás una vida tranquila en la que sabía a qué atenerse. Él, por su parte, tendrá que responder ante el dolor que sus decisiones causarán en su entorno más cercano.

Interpretados maravillosamente por Fanny Ardant y Melvil Poupaud, los personajes a través de quienes vivimos este nuevo amor emprenden un viaje rebosante de incertidumbre, dolor y esperanza. De hecho, entre los encuentros y conversaciones que comparten Shauna y Pierre no hay un solo espacio en blanco ni trivial que nos lleve a pensar que el recorrido va a ser fácil o sosegado.
Carine Tardieu (Sácame de dudas) construye esta historia golpe a golpe. La muerte, la separación, los adioses, la soledad… Todas estas piedras entorpecen su camino, pero también lo construyen, haciendo posible que Shauna y Pierre lo recorran juntos. No obstante, hay corazones en el camino que acaban rotos, amistades que se tambalean y relaciones familiares que pierden el anclaje que las mantenía firmes. Dramas colaterales que hacen que esta película adquiera una mayor dimensión.

***********************************************************************************************************

Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

París, década de 1950, el cuerpo de una hermosa joven vestida con un elegante traje de noche aparece en mitad de una plaza. El célebre inspector Jules Maigret se encarga de investigar el caso, pero le resulta imposible identificar a la víctima, porque absolutamente nadie parece haberla conocido ni recordarla. En el transcurso de sus indagaciones, el camino de Maigret se cruza con el de Betty, una joven delincuente con un parecido sorprendente con la víctima. Todo ello despierta en Maigret el recuerdo de otra desaparición mucho más antigua e íntima.
Maigret es probablemente el personaje favorito del autor belga Georges Simenon, tanto entre sus lectores como entre los espectadores de sus múltiples adaptaciones tanto para la gran como para la pequeña pantalla. Jules Maigret, o simplemente Maigret, es un detective de policía francés ficticio, un comisario («commissaire») de la Brigada Criminelle de París (Direction Régionale de la Police Judiciaire de Paris: 36, Quai des Orfèvres).

En la película de Leconte, la edad empieza a pesarle a Maigret. Está mayor, mermado de fuerzas y cansado. De hecho, en la película ese cansancio parece extenderse a todo París, que aparece gris y apagado, triste y sucio. La trama policial va progresando en el ritmo tranquilo y pausado habitual en Maigret, y, en realidad, resolverlo no es lo más importante de la película. El asesinato de la muchacha sirve para descubrir un mundo sórdido y oscuro, un lado siniestro de la sociedad, que devora y escupe a jóvenes como la muchacha asesinada. Encontrarse con este turbio ambiente y sus víctimas va ensombreciendo aún más el ya melancólico estado de ánimo del protagonista. Dicho esto, el caso policial está bien narrado, y es verosímil a la par que conmovedor.

Elegir a Gerard Depardieu para dar vida a nuestro protagonista es todo un acierto. El físico poderoso del actor se imbuye de dignidad y bonhomía, y su evidente sobrepeso casa perfectamente con la edad y el cansancio del inspector. Con su aire imponente, sus anchas espaldas y sus andares pesados, a los que se añaden en proverbial bombín y el abrigo grueso, tiene el físico perfecto para el papel.

El gran actor francés Gerard Depardieu, representa maravillosamente esa tristeza honda e imborrable del hombre que es muy consciente de sus errores, y que tiene muy claro que sus mejores días ya han pasado. Solo por ver su interpretación ya vale la pena ver el filme.

***********************************************************************************************************

Estamos ante la ópera prima de Maryam Moghadam y la segunda película de ficción de Behtash Sanaeeha. Moghadam también firma el guion y es la actriz protagonista. La película se engloba en un grupo de cine en auge en Irán, donde se cuentan historias de naturaleza social, algo que no es nada sencillo, debido a la censura que existe.

El filme formó parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Berlín, y aquí en nuestro país se pudo ver antes de su estreno comercial, dentro de la Sección Oficial del Festival de Cine de Valladolid (Seminci), donde tuvo una gran acogida. La película es claramente el retrato de una injusticia, la que vive Mina, una mujer cuya vida da un giro radical cuando se entera de que su marido Babak era inocente del crimen por el que fue ejecutado. Irán es un país donde la injusticia alcanza cotas extremas en muchos casos.

La historia refleja bastante bien cómo viven las mujeres en un entorno de violencia e inferioridad, y cómo después de quedarse viudas, su entorno las lleva a la invisibilidad, y tienen que trabajar duro para sacar adelante a su familia. Las autoridades la piden perdón a Mina y ofrecen una compensación económica, pero para ella no es suficiente y emprende una lucha sin cuartel contra el sistema. Cuando parece que todo está perdido aparece en su vida, y en la de su hija Bita, un hombre extraño y solitario que intenta ayudar a la protagonista diciéndole que tenía una deuda pendiente con su marido.

La película está muy bien dirigida, utilizando primeros planos y largas tomas que permiten a sus protagonistas acercarse y distanciarse de la cámara de una manera muy especial. La fotografía también tiene mucha importancia.
Es una historia dura, pero sobre todo es muy valiente.

************************************************************************************************************

Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Live is Life. La gran aventura’, la nueva película de Dani de la Torre, el director de ‘El desconocido’, ‘La sombra de la ley’ y la exitosa serie ‘La unidad’, que aquí cambia de registro en una película basada en relatos de Albert Espinosa (‘El mundo amarillo’, ‘Pulseras rojas’) y con la que busca conectar con los espectadores con las aventuras de un grupo de adolescentes en la Ribeira Sacra gallega durante el verano de 1985.

Aceptablemente rodada y montada en su previsible desarrollo, tiene en su banda sonora su principal aliado. Live is life captura y recrea un cierto espíritu de época. El famoso y pegadizo himno rock del grupo austriaco Opus da título y pone el contexto de época (estamos, una vez más, en los años ochenta) para este filme de aventuras juveniles.

La película está protagonizada por cinco jóvenes que debutan por primera vez en la gran pantalla. Adrián Baena, es Rodri un joven de Barcelona, que va a pasar la noche de San Juan a su pueblo en Galicia, donde se reencontrará con sus amigos. El resto de la pandilla está interpretada por Juan Manuel del Pozo y Raúl del Pozo, que hacen de los hermanos Álvaro y Maza; David Rodríguez, es Suso y por último Javier Casellas se mete en la piel de Garriga.

****************************************************************************************************

Nota: las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.s

Los Bennett son una familia adinerada, herederos de un emporio británico de la industria cárnica. Una pareja y dos adolescentes que se lo pasan en grande hasta que un deceso los obliga a regresar apresurados a Londres. El personaje de Roth olvida el pasaporte y promete viajar en el próximo vuelo. O quizá prefiera no cogerlo y quizá no haya olvidado el documento.
La última película del realizador mexicano Michel Franco en la que nada es lo que parece, protagonizada por Tim Roth y Charlotte Gainsbourg, que recoge las vacaciones en uno de lo resorts que hay en la paradisíaca Acapulco.

Aunque toda la familia decide volver a Londres menos Neil, a quien da vida Tim Roth, que asegura haberse dejado el pasaporte en el hotel y dice que cogerá el siguiente vuelo. Estamos ante una película incómoda que juega a despistar continuamente al espectador.
Michel Franco (1979), iniciado en el largo en el 2009, consigue un filme singular, imprevisible, un retrato existencial complejo en torno a un tipo que pareciera estar de más en el mundo y al que todo y todos le importaran muy poco o nada. Realmente, eso creemos los espectadores hasta los minutos finales, cuando descubrimos el quid de su actitud.

Con su guion, Franco hará que acompañemos al protagonista en su peculiar infierno personal y de paso por el lado oscuro de la ciudad, resumen de no pocas lacras vinculadas a la arremetida turística. Al tiempo, aquella aparente desidia inicial y aquel desinterés personal que mostraba va cobrando sentido. Propuesta tan lúcida como arriesgada, tan inquietante como descorazonadora, pero que contribuye a hacer del cine algo grande y en las antípodas de la banalidad rampante que asola las pantallas.

Interesante película.

*************************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

El 20 de enero de 1942, destacados representantes del régimen nazi alemán se reunieron en una villa de Berlín-Wannsee para una reunión que pasó a la historia como la Conferencia de Wannsee, en la que se decidió el asesinato sistemático de 11 millones de judíos. La novelización de la historia en los relatos fílmicos tiende a la búsqueda de lo fotogénico en pos, no tanto del rigor histórico, y sí de la consecución de un relato funcional en términos de película. Así, muchas veces se busca la consecuencia más que la causa, la disputa más que su génesis, la descontextualización forzada en favor del relato. La conferencia da por sentado que el espectador sabe lo que sigue al momento histórico que muestra. A partir de ahí, miremos con estupor esta confabulación de canallas.

Destacadas figuras del partido nazi se reúnen en una villa de Berlín, Wannsee. El objetivo de dicho encuentro es deliberar sobre qué hacer con los judíos dispersos no solo en territorio alemán, sino en toda Europa. La conclusión de dicha reunión es aniquilar a 11 millones de personas. La película, con una propuesta formal básica, y una estética de época, te sumerge en un juego de lo más macabro e inquietante. De manera nada juiciosa te muestra a personajes de moral satánica guiados por el diabólico fanatismo nazi. El espectador se encuentra un panorama de “civilizados” genocidas, y el ejercicio de proyección se torna problemático. Con una concepción espacial algo teatral, a lo 12 hombres sin piedad de la maldad, se encierra la diégesis en un espacio del que no se puede escapar de la reflexión “racional” del genocidio.

Aquí aparece la reflexión crítica más visible de la película, la burocracia y la tecnocracia que, esgrimidas con perversidad, constituyen una poderosa herramienta para el propósito nazi. Se dialoga sobre cómo hacer más eficiente el asesinato de millones de judíos recurriendo a la tecnología y a ciertas técnicas organizativas. La conferencia es interesante porque adopta una perspectiva novedosa del genocidio judío a manos de los nazis; porque pone al espectador en una situación incómoda; porque muestra con inquietante frialdad y normalidad la génesis del asesinato de seis millones de personas. Es una película que enriquece con asombrosa capacidad el imaginario colectivo de un triste hecho histórico.

*********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.